Sweeping Promises(スウィーピング・プロミセズ)の待望の新作アルバム『You Say I Romanticize』を8月14日にサブポップからリリースする。18ヶ月をかけてレコーディングされた『You Say I Romanticize』は、刻々と変化する状況下での創作とコラボレーションの混沌へのオマージュである。

ギタリストのコーフィールド・シュヌグとベーシスト兼ボーカリストのリラ・モンダルは、カンザス州にあるツアーハウス兼レコーディングスタジオで自分たちを見出し、試行錯誤を重ねてきた。

彼らは毎年、他のバンドのアルバムを数十枚手掛け、ツアーの拠点を提供し、ライブを企画するなど、多岐にわたる活動を行ってきた。『You Say I Romanticize』のデモ音源を徹底的に録音・精選し、意図的に作り出した「ウォール・オブ・サウンド」を実現するための独自の室内録音手法を確立した後、デュオはツアー・ドラマーのスペンサー・グララを招き入れ、バンドがステージで演奏するのと同じスタイルで楽曲を演奏させた。 

 

バンドの定評あるライブパフォーマンスを彷彿とさせるこのアルバムの熱狂的な演奏は、とりわけモンダルの爽快なボーカルに顕著に表れている。

以前の『Sweeping Promises』の楽曲では所々で唸り声が聴かれた程度だったが、今作ではこの圧倒的なボーカリストが叫び、咆哮し、あらゆる難解な音程をこなし、アルバム全体を通して喉を張り裂くような歌声を披露している。

デビューシングルであり、オープニングを飾る「Shooting Shadows」はガレージロックのような荒削りな魅力を持つサプポップのレーベルカラーを象徴するロック/パンクソングとなっている。

「Shooting Shadows」

Sweeping Promises　　『You Say I Romanticize』

Label: Sub Pop

Release: 2026年8月10日

Tracklisting:

1. Shooting Shadows

2. My Friend’s An Entomologist

3. Last Man

4. Rapture, Or…

5. Abduction On Camera

6. My Anchoress

7. Cocoon

8. Accent

9. Does He Want To Be The Weatherman?

10. Write Lightly

ブリストルのポストパンクバンド、Mouldがデビューアルバムを5bBから7月10日にリリースする。すでに「Float」をはじめアルバムの先行シングルが公開済みだが、続いて新曲「Lucid」も公開された。

故郷ブリストルでの合間を縫って作曲され、ロンドンの5dBスタジオでレコーディングされた本作『Hoping as a Coping Mechanism』は、このプロジェクトのためにLAから特別に駆けつけたショーン・オークリー（Georgia、Scaler、Sorry）がプロデュースを手掛け、MOULDの才能をこれまでで最も力強く示す作品となっている。

本作はより焦点が絞られ、テンポが良く、熟考された」作品だ。外界の恐怖や脳内の地雷原を探求する。全13曲にわたり、MOULDのデビュー作は、そのエネルギーをテープに凝縮した、卓越したライブバンドならではのスリルも放っている。

 

タイトルは、拍子を変容させる『Emotive Language』の一節に由来しており、2026年にバンドであることの意義を、一つの簡潔な感情へと凝縮している。

「仲間と演奏し、良い曲を作り、ツアーに出てレコードをリリースする――これこそがずっと夢だった」とケインは語る。「でも、30歳になって他の目標も抱えながら今バンドを始めようとする現実の厳しさは、本当にきつい。それでも僕たちはやるつもりだけど、学ぶべきことは山ほどあるんだ」 

 

この二面性はアルバム全体に貫かれており、リードシングル『Float』のような楽曲では、ソーシャルメディアという「地獄のような風景を散策する」様子が描かれている一方で、その苛立ちを、まるでインターポールが陰鬱で雨に濡れた英国で育ったかのような、棘があり、本能的な音楽性で包み込んでいる。

「延々と『ドゥームスクロール』して、ソーセージの面白い動画の横を通り過ぎると、次はファラージ（英国の政治家）が出てきて、その次は何かの広告が出てくるんだ」とジョーはこの曲について語る。「そんな頭が麻痺するような派手な気晴らしは、人を馬鹿にしてしまうんだ」 

「Lucid」

Mould  『Hoping as a Coping Mechanism』

Label: 5dB

Release: 2026年7月10日

Tracklist:

1.Misanthrope

2.Float 

3.Emotive Language

4.Tapes

5.Lucid

6.Hatching

7.///

8.Superseded

9.Falling Posture 

10.Reshaping Nothing

11.Lists 

12.Decades

13.Humm

Cigarettes After Sexが新曲「Twizzler」でカムバックを果たした。グレッグ・ゴンザレスの繊細なボーカルとベース、そしてアトモスフェリックなギターが魅惑的なドリームポップワールドを形成する。ボーカリスト兼ソングライターのグレッグ・ゴンザレスは先日、ラテン・スターのカロル・Gと共にコーチェラ・フェスティバルに登場し、2人は新曲『Después de ti』を披露した。

新曲『Twizzler』もその勢いを維持している。彼ららしい夢幻的な雰囲気の中、形のないサウンドと、その下にあるきっちりと定義された楽曲構造との間に緊張感が漂っている。その引き合いが、情感あふれるフィナーレへと導いていく。『Twizzler』をぜひチェックしてみてほしい。

同プロジェクトは記録を更新し続けており、Cigarettes After Sexは最近、Spotifyの「最も再生されたアーティスト」トップ200入りを果たした。同グループの楽曲『Apocalypse』は、同プラットフォームで20億回以上の再生回数を記録したわずか200曲近くの1つである。実際、Cigarettes After Sexは記録を更新し続けており、最近、Spotifyの「最も再生されたアーティスト」トップ200入りを果たした。

彼らの楽曲『Apocalypse』は、同プラットフォームで20億回再生を突破したわずか200曲弱のうちの1曲だ。さらに、Cigarettes After Sexは、フリートウッド・マック、AC/DC、クイーンなどを含む、10億回以上の再生回数を記録した楽曲を4曲以上持つわずか11組のバンドの一つでもある。

「Twizzler」

 

 

ニューヨーク/ノースポートのインディーロックバンド、Arcy Drive（アーシー・ドライヴ）による「one'n a million」は、アトランティック・レコードからのレーベルデビュー曲である。

 

近年のロック・バンドの中では最も期待値を感じさせる。メジャーレーベルの典型的なインディーロックソングというのも異色のスタイルだ。The Strokes、Arctic Monkeysのポスト的な存在が登場。

暇を持て余し、詰め込む場所として屋根裏部屋があったことから、ニューヨーク州ノースポート出身の4人の親友からなるバンド「アーシー・ドライブ」は、荒削りながらも情熱あふれるサウンドを作り上げ始めた。

1989年式のトヨタのバンを乗り回し、彼らは「アティック・ロック（屋根裏ロック）」と名付けた独自の音楽を地元で披露した。ライブ演奏への新たな情熱に燃えた4人は、古いスクールバスを改装し、初の公式リリースに先駆けて全米ツアーを開始した。同楽曲は、2025年のデビュー・アルバム『The Pit』以来となるリリースで、彼らはこの楽曲をじっくり温めてきた。

 

「この曲は1年ちょっと前に作ったんだ」とバンドは語る。「プロデューサーとの打ち合わせでLAに滞在していた時のこと。ある日のこと、ニックが後に『one’n a million』となる曲を披露してくれたんだ。普段、プロデューサーやエンジニアとスタジオに入る時は、各パートの構成も決まっていて、曲のあらゆる方向性を検討し尽くしている。

 

「でも、今回は少し違ったんだ。セッションの前まで、バンドの誰もこの曲を聴いたことがなかったん。純粋な直感だけで演奏したんですが、それがうまくいった。4時間でかなりしっかりした曲が完成し、正直なところ、その後はすっかり忘れていた。もう次の曲に取り掛かっていた」

 

「この曲が再び私たちの生活に戻ってきたのは、ほんの数ヶ月前のことでした。久しぶりに聴いた時、私たちは『これはマジでヤバい曲だ』と思ったんです。制作に没頭していると、自分の作品から客観的に距離を置くことが本当にできないものなんだ。でも、その曲から1年間離れていたおかげで、また新鮮な気分になれた。まるで初めて聴くかのような感覚だった」

 

「これはまだ見せていないバンドのもう一つの側面だと思いたい。もっとリラックスした夏の雰囲気だけど、最後にはやっぱりパンクな要素を盛り込んでいて、それがまさに僕らならではのオリジナルな曲に仕上がっている」 

「one'n a million」

▪INDIE ASIA presents　Son Lux Japan Tour 2027

ライアン・ロットを中心とするニューヨークの新感覚の音楽プロジェクト、Son Luxのジャパン・ツアーがアナウンスされました。Indie Asiaによる主催で、2027年1月20日（東京）、1月21日（大阪）の二箇所で開催されます。

オーケストラと電子音響を横断するシネマティック・プロデューサー、Ryan Lott。彼のソロプロジェクトからスタートし、現在トリオとして活動するUSオルタナティブ・エクスペリメンタル・バンド、『Son Lux』による待望の来日公演決定！！

アバンギャルドなポスト・ロックファンから映画／ゲーム音楽ファンまで必見のライブが、東京・大阪の2会場にて開催。世界を魅了する現代最高峰のサウンドスケープを、ライブ会場で体感して欲しい。

 

・東京・渋谷WWW X

2027年1月20日（水） 開場19:00／開演19:30

・大阪・大阪Conpass

2027年1月21日（木） 開場19:00／開演19:30

オールスタンディング  adv￥7,500（税込）※ドリンク代別途必要

◎オフィシャル先行

受付期間：5月21日（木）18:00〜5月22日（金）17:00 ※先着

受付URL：https://eplus.jp/sonlux/

◎チケット一般発売：2026年5月22日（金）18:00〜

TOTAL INFO：INDIE ASIA　https://indie-asia.com

「Endlessly」

【Son Lux（サン・ラックス）プロフィール】

音楽制作の既成概念を覆し、分子レベルから独自のサウンドを構築するUS/NYのプロジェクト、Son Lux（サン・ラックス）。彼らは好奇心に根ざした音楽言語を育みながら、相反する要素が共存する絶妙なバランスを追求し続けている。

 

20年以上のキャリアにおいて、生々しい感情の親密さと緻密なエレクトロニック・サウンドが融合した作品を数多く発表。その唯一無二の表現力で、世界各地の主要な会場やフェスティバルのステージを沸かせてきた。

 

近年は映画音楽の世界でも圧倒的な存在感を放っており、A24製作のアカデミー作品賞受賞作『Everything Everywhere All at Once』の劇伴を担当。アカデミー賞2部門と英国アカデミー賞へのノミネートを果たし、世界的な注目を集めた。その勢いは留まることなく、マーベル・スタジオの『Thunderbolts*』（2025年）や今年公開予定の映画、『Your Mother Your Mother Your Mother』（2026年）の音楽も手掛けている。

 

そして2026年秋、通算9枚目となるスタジオ・アルバム『Out Into』を満を持して発表。本作のリリースに伴い大規模なワールドツアーを敢行する彼らは、2027年、ついに待望の初来日を果たす！

 

この夏、ロサンゼルスを拠点とするシンガーソングライター、Shannon Lay（シャノン・レイ）が5枚目のアルバム『Past the Veil』で復帰する。7月28日にAll the Bestよりリリースされる。シャノン・レイは涼しげなフォークミュージックを提供する良質なシンガーソングライターである。

 

「持ち込んだアイデアは1つか2つ程度でしたが、ほとんどの曲はスタジオでその日に作り上げられました」と彼女はアルバムについて語り、その自由さのおかげで歌詞の趣向に集中できたと付け加える。

「特にトランプが再選された時、メッセージは明確になりました。それは『喜びを育む』ということです。「人々に成長し、変化し、親切になるよう励ましたかった。なぜなら、今の世の中の共通認識は『人格なんてどうでもいい』とか『みんなが互いに敵対している』というものだから」

 

特にタイトル曲について、レイはこのアルバムのサウンドとメッセージの源泉となった「変化」という感覚を掘り下げる。

 

「変化の道を歩むことに伴う困難を認めたくて」と、ステレオラブをラウンジ風にアレンジしたような新曲について彼女は語る。「それは勇気の具現化です。だから、避けられない激動の中でも、私たちは勝利を祝い、踊り、記念する必要がある。すべてを抱え込むだけでなく、バランスを取らなければならない。それが私たちにとって自然なことだと気づくまでは、ほぼ不可能な課題です。

 

私たちは単に、自分たちの超能力が何なのかを忘れてしまっただけ。そして、アートやコミュニティ、あるいはあなたを輝かせるあらゆるものが、それを思い出させてくれるのです。その間ずっと、私たちは互いを強く抱きしめつつも、決して掴み続けたりはしない。それが潮の満ち引きのようなもの。

 

『Past the Veil』はそうした満ち引きに満ちています。曲の展開ごとに軽やかになったり深みを増したりし、最終的には、私たちが本当に必要なのはただ踊り、水分を補給し続けることだと気づかせてくれるのです」

『Past the Veil』の構想は2024年、レイがプロデューサーのシェルトンがアルハンブラにある自身のスタジオ「アルタミラ・サウンド」で出会ったことに端を発する。シェルトンは、このソングライターが過去の音楽的アイデンティティを脱ぎ捨て、新たなスタイルへとスムーズに移行できるよう手助けした。「このアルバム制作において、新しい視点を得られたことはとても新鮮でした」と彼女は語る。

 

彼女は2024年、古い固定観念を振り払うようなリードシングル「Mirrors」を先行リリースし、すでにこの新時代の幕開けを告げていた。「ロブは素晴らしい友人であり、私はいつも彼の音楽的直感を尊敬してきました。[アルタミラ]は、まるでバンドの一員のような、それ自体がひとつの存在であるかのような場所です。LAのシーンで共に成長してきた人々や、新しい友人たちに身を委ねることができたのは、本当に特別な体験でした。今こそ、コミュニティこそが道なのです。私たちは互いに支え合い、共に才能を育んでいく必要があります。」

その後1年間、レイはシェルトンの助言を受け入れ、これまでのミニマリスト的な作風から脱却し、ドラムマシンからストリングス・アレンジ、ペダル・スティール・ギターに至るまで、あらゆる要素を取り入れた楽曲群を生み出した。また、レイは全音域を駆使して歌い上げ、これまで以上に大胆かつ力強い歌声を披露しつつも、彼女特有の優しい心遣いは失っていない。

『Past the Veil』は、レイにとってこれまでで最も広がりのあるアルバムであり、大きな変化を乗り越える中で彼女が自ら選んだ「豊かさへのマインドセット」の延長線上にある作品だ。文字通り、そして比喩的な「地獄の炎」（2025年1月のアルタデナとパシフィック・パリセーズでの山火事、トランプ大統領の2期目の任期全体）に加え、レイは以前のレコードレーベルとも決別し、それによって自分自身とコミュニティを信じる姿勢を強めるきっかけとなった。『Past the Veil』は、彼女が自ら運営する新レーベル「All The Best」からの初リリースであり、ここでは自身の音楽だけでなく、友人たちの作品も発表していく予定だ。

この新作アルバムで、レイはアラン・ワッツの「変化を理解する唯一の方法は、その中に飛び込み、流れに乗り、そのダンスに加わることだ」という思想を受け入れている。もし前進する唯一の道が「その中を通り抜けること」であるなら、私たち全員が『Past the Veil』を越えていかなければならないということになる。

「Mirrors」

ロサンゼルスのシンガーソングライター、Blondshellが新曲「Heart Has To Work So Hard」をリリースした。ポップとロックの中間にあるキャッチーな一曲で、よりメインストリームの音楽へと傾倒している。

彼女特有のモノトーンな歌声と心に響く歌詞を駆使したこの曲は、過労状態の心臓の音を模倣し、ほころび始めた友情の余波を描いている。「あなたは私に足かせを嵌める／見知らぬ人を怖がらせる／批判的にさせる／まるで重労働のように感じさせる／あなたがそばにいると、私の心臓は必死に働かざるを得ない」

タイテルバウムは、この曲が裏切りによって彩られた「ある関係性に囚われてしまうこと」について歌ったものだと説明している。

 

「痛みと混乱についての曲です」と彼女は説明した。「二人の女性の間にある友情の浮き沈みについて、誰も教えてはくれません。でも、どんなことがあっても思いやりを見出せるほど、不変の愛についても歌っています」

 

ロサンゼルス出身のミュージシャン、サブリナ・タイテルバウムは、この曲を近々リリース予定のアルバムの先行シングルとして公開した。まだ詳細は明らかになっていない。 

 

 

「Heart Has To Work So Hard」

反逆的なレーベル「Breathing Records」より、エレクトロニック・デュオUNTER STRØMのデビューシングル「Orynth」。

 

Alex Gonzales（Matte Blvck）とJohn Kunkel（The New Division、John Grand）が率いるUNTER STRØMは、テクノ、メロディック・ハウス、そしてインダストリアル・サウンドの境界を未知の領域へと押し広げたいという共通の情熱から生まれました。 その結果生まれたのは、陰鬱な緊張感と陶酔的な解放感の間を行き来する、映画的で本能に訴えかけるサウンド。倉庫のような閉ざされた空間と、ワイドスクリーンのような広大な空間を等しく感じさせる作品です。

「Orynth」は、その瞬間の強烈な創造性を捉えています。このシングルは、アーロン・ショート（Madison Beer、The Naked and Famous、So Below）がミックスを担当し、すでに没入感のあるサウンドに、洗練された広がりのある仕上げを加えています。ありがとうございます

UNTER STRØMは、ロサンゼルスとサンディエゴの陰で結成されたエレクトロニック・ミュージック・デュオであり、生々しいインダストリアル・サウンドとメロディックな洗練さを融合させている。

 

アレックス・ゴンザレス（Matte Blvck）とジョン・クンケル（The New Division、John Grand）が率いるこのプロジェクトは、エレクトロニック・ミュージックやオルタナティブ・ミュージックの暗黒面に深く根ざした、多作なクリエイターであり長年のコラボレーターである二人の衝突から生まれたものだ。ゴンザレスはMatte Blvckとして急成長を遂げ、絶え間ないツアーと全米各地での連続ソールドアウト公演を通じて世界的なファンベースを築き上げてきた。

 

一方、クンケルはJohn Grandとしての活動で、『A State of Trance』のアーミン・ヴァン・ブーレンをはじめとするトレンドセッターからの支持を獲得し、Group Therapy Radioでのゲストミックスも担当している。二人は、アンダーグラウンドの激しさと、メロディックでダークなエレクトロニック・サウンドの洗練さが交差する地点で出会った。

  

様々なバンドやスタジオでの長年の共同作業を経て誕生したUNTER STRØMは、テクノ、メロディック・ハウス、インダストリアル・サウンドの境界を未踏の領域へと押し広げたいという共通の執念から生まれた。その結果生まれたのは、陰鬱な激しさと陶酔的な解放感の間を行き来する、映画的で本能に訴えかけるサウンドであり、倉庫のような荒々しさとワイドスクリーンのような広がりを等分に兼ね備えている。

 

反逆的なレーベルBreathing Recordsからリリースされた彼らの初の公式作品「Orynth」は、UNTER STRØMのサウンドを決定づける導入曲となっている。

 

流動的で高度に協働的なプロセスを通じて構築されたこのトラックは、ゴンザレスが冒頭のフレーズをスケッチしたことから始まり、クンケルがタイムストレッチされた雰囲気と複雑なメロディックなディテールを重ね合わせ、完成された楽曲へと発展させた。その結果生まれたのは、緊張と解放の間を行き来し、疾走感あふれるリズムのエネルギーと映画的な深みを併せ持つトラックだ。

短期間で膨大な作品を生み出した、デュオの創作意欲が最高潮に達していた時期に制作された「Orynth」は、このプロジェクトの持つ即効性と化学反応を捉えている。このシングルはアーロン・ショート（Madison Beer、The Naked and Famous、So Below）がミックスを担当し、すでに没入感のあるサウンドに、洗練された広がりのある仕上げを加えている。

「Orynth」は、現実世界の勢いと芸術的進化に根ざし、確立された成功と先を見据えたビジョンを結びつけるプロジェクト、UNTER STRØMの今後の展開を予感させる作品となっている。

数十年に及ぶ豊富な経験を持つゴンザレスとクンケルは、洗練されながらも妥協のないアプローチでダンスミュージックに挑んでいる。それは彼らの芸術的経歴を反映しつつ、全く新しいものを切り拓くものである。

 

ロサンゼルスを拠点に活動するポップ・シンガーソングライター兼レコーディング・アーティスト、Copper Phillip(クーパー・フィリップ)の新曲「Love Me Not」を通じて、クーパーはアーティストとしての新たな章へと踏み出しています。

クーパー・フィリップは、ロサンゼルスを拠点とするレコーディング・アーティストであり、感情のコントラスト、モダンなミニマリズム、そして独特なコンテンポラリー・ポップとR&Bのサウンドが特徴だ。彼女の作品は親密さと抑制を融合させ、直接的で、抑制が効いており、感情がリアルに感じられる音楽を生み出している。

 

彼女の芸術性は、変容と内面的な視点を中心に据えている――移り変わる感情の状態、複雑さの中にある明快さ、そして柔らかさと激しさの間の緊張を探求している。 彼女の音楽は、伝統的な物語構造に従うのではなく、ムード、雰囲気、そして感情の正確さによって構築されています。

 

クーパーのサウンドは対比の中に存在します。それは、脆弱さと自制、静寂と動き、明快さと曖昧さといった対比です。この二面性は、彼女の芸術的アイデンティティとサウンドの方向性の両方を形作り、過剰さのない強い存在感を作品に与えています。

 

クーパー・フィリップは、対比、感情の深み、洗練された表現に根ざした明確な芸術的アイデンティティを形作り、現代音楽における独自の存在感を確立し続けている。

 

新作シングル「Love Me Not」で、この高評価を受けるシンガーソングライターは、自身の芸術活動の新たな章へと踏み出している。彼女はこう語る。

 

「私はある特定の感情的な空間を探求したかったのです。現実の世界で実際に何かが起こる前に、心の中で誰かとつながっているという感覚。それは、惹かれ合い、想像力、そして可能性が、まだ完全には存在しない物語を紡ぎ始めようとする、その『中間』の状態なのです。そこには柔らかさと不確かさがあります」

 

「定義されていない何かから思考が意味を生み出し始め、実際の関係が形になる前であっても、感情が現実のもののように感じられる瞬間です。私にとって、この曲は想像と現実の狭間に存在しています。そこでは、何も確定したり知られたりしていない段階であっても、感情が激しく感じられるのです」 

 

「Love Me Not」 

 

 

Eluvium

テネシー州で生まれ、ケンタッキー州ルイビルで育ったマシュー・クーパーは、2000年代初頭にオレゴン州ポートランドへ移住して以来、自宅にこもり、脳内の振動を優雅なノイズの壮大な壁へと変容させることに多くの夜を費やしてきた。儚げな響きから氷河のような重厚さまで、幅広い深みを持つ彼は、ギターとピアノの密度の高いレイヤーを重ね合わせ、自らの周囲に畏敬の念を抱かせる要塞を築き上げる。

『Virga III』は、Eluviumによる独創的な実験的シリーズの第3弾であり、約5年ぶりの新作となる。『Virga II』の重厚で不気味な広がりとは明らかに対照的に、『Virga III』を構成する楽曲は、神々しいほどの安らぎをもたらす。『Virga』シリーズの各巻に息吹を与える、神経質な緊張感、制御不能感、そして忍耐強い再文脈化が、ここでは独自の形で表現されている。作曲家でありEluviumの中心人物であるマシュー・ロバート・クーパーは次のように語っている。

「『Virga I』は冬の吹雪の最中に自宅からガレージへ一時避難した経験から生まれ、『Virga II』は世界的なパンデミックの最中に見た幻影のような夢の連鎖から生まれた。対し、『Virga III』は、残酷なレトリック、言語に絶する暴力、終わりのない混乱、そして壊滅的な格差が日常的に氾濫する中で機能する、小さな緑地や排水路、その他の微小な生物生態系に見られる世界からインスピレーションを得ている。私たちを取り巻くミクロとマクロの宇宙への省察である」

『Virga III』の楽曲は、いつものようにクーパーが作曲・演奏しているが、Virgaの世界において、彼は本質的に自身の内なるユニークなコラボレーションを感じている。クーパーは次のように説明する。

「Virgaシリーズは、かつての自分へと回帰する機会を与えてくれるが、そこには新たなレベルの理解が伴っている。構築された音楽的システムや録音と向き合う際、より忍耐強く接することで、私は過去の自分と躊躇いながらもデュエットを繰り広げる」

「それは新たな演奏や加工のレイヤーにおいて、最初の音源を可能な限り長く消化し、そこから未知の感情が湧き上がるまで待ち、治療的な自己認識と発見の感覚を醸成することを願ってのことだ。探求的な精神と、絵画的な情感の共鳴が混ざり合い、徐々にそれ自体へと解き放たれていく」

Eluvium 『Virga Ⅲ』- Temporary Residence　　

・アンビエントの原点回帰となる作品

 

アメリカ/ポートランドを拠点に活動を行う作曲家/エレクトロニック・プロデューサー、マシュー・クーパーの連作シリーズ『Virga』は、おなじみのアンビエントの名盤で紹介した覚えがある。

マシュー・クーパーはブライアン・イーノに強い影響を受けたプロデューサー。その音作りも傍流ではなく、直系とも呼ぶべきだろう。Eluviumの作品から私自身はしばらく遠ざかっていたのだったが、やはり、最新作『Virga Ⅲ』はアンビエントとしてきわめて高いレベルにある。しかし、もちろん、作曲や構成的な巧みさ、プロデュース的な精細さという、このジャンルの基本的な要素が込められているのは事実でありながら、 音楽の持つエネルギーがクリアで澄みわたっている。結局、このジャンルは方法論や機材だけではなく、どのような性質の音を描きたいという点が重要なのだ。

 

『Virga 』は、推察するに、アンビエントの基本的なスタイルで構成されているが、必ずしも、精妙な音だけが存在するわけではない。アルバムの数曲に走る「サー」というホワイトノイズが、風や大気そのものの流れを表現している。このアルバムのオーディオ体験は、山登りや高原のハイキングで感じるような大気の中に包み込まれているような感じがする。また、車やバイクで感じる風を切るような気持ちよさと言っても差し支えないかもしれない。昨年末、アンビエントは基本的には、体験型の音楽で、その中に、未知の新しい発見のようなものが含まれていることが理想的なのではないかと、私自身は指摘した記憶がある。Eluviumのニューアルバム『Virga Ⅲ』には、このポイントが備わっていて、音楽自体がある種のオーディオ体験になっている。それはサラウンドシステムのような広大な奥行きを持つ未知のリスニング体験である。

 

アンビエントは心地よい音のマテリアルを集約したように思う読者もいるかもしれない。例えば、畠山地平さんが言っていたように、安眠効果やリラックス効果という要素を度外視してこのジャンルを語ることは難しい。そこに、開けた感覚やリラックスするなにかが基本的には必要である。

 

しかし、同時に、ヒーリング・ミュージックとアンビエントを分け隔てる分水嶺となるのは、その音楽的な系譜がどこから繋がっているか、そして一般的なヒーリングミュージックとは少し異なり、アンビエントミュージックは清濁併せ持ち、クリアな音だけで構成されるわけではないということだ。

つまり、宇宙の根源が必ずしも一つのものだけでは構成されず、多彩な性質から成立し、磁石の陽極と陰極のような対極のベクトルが存在することを、ブライアン・イーノやマシュー・クーパーの音楽は象徴づけている。また、最初に挙げた点を、象徴するかのように、Eluviumの音楽には、テクノやダウンテンポ/ノンビートの進化系のニュアンスが含まれている。クーパーの音楽は間違いなく、電子音楽の系譜の延長線上に居並んでいる。また、彼のサウンドにはヒーリングミュージックとは異なり、ホワイトノイズが積極的に使用され、 サイレンスとノイズが混在している。やはり、必ずしも、クリアで、きれいな音だけを集約したものではないわけである。

 

そして実際的に、大気や宇宙空間のことを考えて見ると、特殊な無響空間を除いては、まったくの静寂は存在しない。どのような空間領域においても、微細なノイズが、人間の聴覚では捉えられないレベルで存在している。これはイルカのような耳の良い哺乳類が、人間よりも遥かに遠い距離の音を把捉出来るという生物学的理論と近似する。つまり、私たちは、ノイズのようなものを聞き取れていないだけで、このアルバムに偏在するような普段聞き取れないような音波や帯域の音が流れている。アンビエントという音楽は、こういった宇宙的な真理を表すもので、今まで気がづかなかった概念のようなものを示し、なおかつ、現世的な感覚以上のシックスセンスやインスピレーションを掻き立てる内容であるべきなのである。そして、個人的に感謝したいと思うのは、マシュー・クーパーの音楽にはそのシックスセンスが生きていること。

 

こういった音楽は、AIでも作り出せないわけではない。しかし、『Virga Ⅲ』は紛れもなく人間が編み出したものだ。人間的な創造と機械的な創造を分け隔てる領域が存在し、それは、先にも述べたようなシックスセンスがあるのか、そして、人間の感覚を精細な方向へ導く力があるのか、もう一つは、そこに、鮮やかな生命力(いき)が存在するかということである。 人間には、AIにはできないことがあると私は考え、マシュー・クーパーの最新作にはそれがはっきりと提示されている。言うならば、人間しかなしえないことなとは、完全性ではなく、不完全性なのではないか。　　

最新アルバム『Virga Ⅲ』は、ハイテクなアンビエントではなく、どちらかといえばローテクなアンビエントに属する。それは完全性とは対極にあり、不完全性が残されている。Eluviumの全般的な音楽的なアプローチにおいては、アナログのシグナル(信号)という要素が、その不完全性を表している。

 「A.M」は開けたような感覚がある。アンビエントのシークエンスがディレイによってドローン的に引き伸ばされ、背景となる微細なノイズと掛け合わされている。例えば、Pop Matterのようなメディアがクーパーの音楽を「メロディ的である」と指摘している通り、一曲目には、緩やかな旋律の流れがゆっくりと流れていき、雲や大気のような音楽の表層を作り出す。また、その中から、異なる旋律が別の箇所から出現し、同じく緩やかに流れていく。その中で、声のサンプリングが入り、まるで天上にいるような独特なアンビエンスを作り上げる。印象派の絵画のように抽象的旋律の流れがシークエンスとして組み合わされて、開けた感覚を無限に向けて押し広げていく。

 

シンセサイザーのパッドのフェードインから始まる「The Fires At Night」では、一曲目の風景的な印象は維持されている。タイトルにちなんで言えば、夜のキャンプのように遠くに見える熾火の炎が揺らめき、消えかけたり、燃えたぎったりする。そういった風景的な描写が行われている。その中で、メインとなるメロディーが主題的に立ち上る。風景的な動きを旋律的なモチーフとして使用している。ごくシンプルなタイプのアンビエントであるが、短いシークエンスを音量的なダイナミクスを用いながら、副次的な旋律の主題を登場させたりする。この曲では、地球より大きな宇宙的なロマンチシズムを表現することに成功している。

 

「Remains」で音の表現はさらに精細/微細になる。同じように宇宙的な雰囲気を感じさせる壮大なシークエンスが優勢である。クーパーはその音の流れの中から、現世的な感覚とは距離を取って、調和や融和を始めとする高らかな感覚をアンビエントで表現する。遠く離れたところにあるものが、自分のいる空間とどこかで繋がっているという感覚を感じ取る事もできる。そして時間的な流れも含まれ、プロデューサーが作り出すドローンの音の層がランタイムごとに少しずつ移ろい変わっていく。その中で、ディケイ(減退)を徹底的に引き伸ばしたシンセのシークエンスが壮大なハーモニーを形成する。ここには、偶発的な音の構成の巧みさを存分に体感することが出来る。

 

「Halliucination Ⅱ」 では、全体的なマスタリングの方向性を変更し、フィルターをかけたような抑制の取れたトーンを使用している。間違いなく本作の中では、ブライアン・イーノの原初的なアンビエントに強く傾倒した一曲である。この曲では、同じように、複数の旋律的な流れを組み合わせて、このアルバム全体の宇宙的な無限性や大気の流れのようなものを表現している。こういった曲に読み取れる美しい感覚は、例えば、山で満点の星空を見上げるような神秘的な感覚がある。次々に積み重なる音のレイヤーが雲のように重層的な音の流れを生み出し、なにかほっとするような感覚をもたらす。アンビエントのリラックス的な効果を押し出した一曲として楽しめるはず。

 

「Microfauma」は本作のハイライトとなる。いわゆる精細な音楽の感覚を体験するのにうってつけであり、微細なイントロのシークエンスから、精妙なノイズを用いた広大なアンビエンスに繋がる。細かい箇所では、アナログディレイも用いているが、マックス・クーパーはどちらかと言えば、小さな箇所からではなく、全体からそういったミクロのフレーズを作り上げている。しかし、重要視したいのは、作曲的な側面ではなく、どういった音の印象が汲み取れるかという点である。この曲は最初に述べたような、大きな自然の中でゆったりと呼吸するよな癒しの感覚があり、それが断続的で、減退しない、ドローンのような手法によって導出されていく。また、同時に自然と人間が共存したり、一体になるような瞬間が、音楽的に表現されているように思える。音楽は時間の流れとともに、緩やかに変遷していって、最終的に遠ざかっていく。

 

「Communication」も同様にブライアン・イーノの系譜に位置する。「An Ending(Asent）」のような宇宙的なエネルギーの流れを感じさせる。 旋律が宇宙的なエネルギーが接触するような神秘的な音楽である。音が単なる物質的な媒体にとどまらず、生命エネルギーのような質感を持ち、それらが交流するような神秘的な一瞬を記録する。曲からは、人間の持つ想像力の無限性と宇宙的な無限性が組み合わされるような感覚を汲み取れる。人間が地球だけではなく、宇宙の中に生きているのだということを感じさせる。また、万物に対する思索、人間や動植物、そして宇宙までもが大きな息をして、今この瞬間に生きているのだということを、ふと考えさせてくれる。

 

「Virga Ⅲ」は作曲的にハイレベルにある。ノイズを含めた抽象的なアンビエントで、現代的なサウンドプロダクションで展開される。Loscil、Time Heckerの系譜に位置する一曲で、ノンビートやダウンテンポの進化系と言えるだろうか。この曲では、ロスシルの楽曲プロデュースのように音調のゆらめきや変調に焦点が置かれている。時間ごとに、フィルターをかけた曇ったシークエンスがだんだん存在感を増していく。本作では実験的な作風に位置づけられる。

大気やアトモスフェアを表現した印象派のサウンドアプローチに加えて、マックス・クーパーは、慎重に音のレイヤー（層）を重ねながら、心地よくも聴き応えのあるアンビエントを作り出す。高い音域で金管楽器のように鳴り響く、パンフルートのような音色が時折、ぼんやりとしたアトモスフェリックなサウンドがパーカッシブに立ち上がってくる。作曲論や手法論を展開すると際限がなくなってしまうが、こういった音楽には、やはりシックスセンスを掻き立てるイマジネーションが含まれている。音楽は必ずしも現象的なものだけではなく、より高次な感覚が含まれることがある。特に、こういったサウンドは、静かな空間で効果を持つかもしれない。

 

シックス・センスとは有名な映画で描かれるような内容ばかりとは限らない。人間の持つセンサーみたいなものと言える。これらは、現代生活に不可分な物質社会の中で、大きな意味を持つはずである。大自然の中で感じる、なにかホッと息をつけるような感じ、山登りのときに感じる爽快感、あるいは、川の流れを見るときのような安らぎがどこかに感じられる。マシュー・クーパーが表現しようとするのは、こういった現代生活で忘れられがちなウォールデンのような人の暮らしの本質。そこにはやはり、音楽としての実際的な体験のようなものが含まれている。

 

アルバムの終曲「Sore」は一本筋の通った内容であり、そこに脚色的な内容はほとんどない。飾らずあるがままという感じで、原初的なパンクロックやジャズのように、本質的な趣旨だけを抽出して、それを端的な形で表現したものである。クローズ曲は、全体の曲と呼応するように、人間という存在が自然や宇宙とともに呼吸していることを印象づける。ボーカルトラックが一つもないというところが大切で、マックス・クーパーは依然として形ある音楽ではなく、聞き手が自由にイマジネーションをふくらませられる、敷衍的で奥行きのあるサウンドを志している。『Virga Ⅲ』は現世的な感覚とは異なる不思議な感覚を呼び起こしてくれる稀有な作品だ。

 

８６/１００ 

 

「A.M」

▪Eluviumのニューアルバム『Virga Ⅲ』は本日、Temporary Residenceから発売されました。ストリーミングはこちらから。