〜ジャズとモンゴル伝統音楽のエレガントな融合〜 ミュンヘンから登場するアートポップの期待の星

 

夕暮れ時のほんの一瞬、空が鮮やかな琥珀色に染まる。ドラマチックな色彩の輝き、昼と夜の両方に属する瞬間。モンゴル生まれでミュンヘンを拠点に活動するシンガーソングライター、Enji（エンジ)のニューアルバム『Sonor』は、この鮮やかで儚い世界の中で作られました。

 

賞賛の嵐を浴びた前2作『Ursgal』（2021年）と『Ulaan』（2023年）に続く4thアルバム。本作は、エンジの個人的な進化と、モンゴルとドイツ、2つの世界の間で生きることに伴う複雑な感情の反映です。このアルバムのテーマ、文化の狭間にある居場所のない感覚を中心に展開されますが、それは対立の原因としてではなく、成長と自己発見のための空間です。彼女は伝統的なモンゴルのルーツとの距離が、いかに自身のアイデンティティを形成してきたか、そして故郷に戻ること、いかにこれらの変化への意識が高まったかを探求しています。

 

本作において、エンジンはアーティストとして進化を続け、サウンドはより流動的で親しみやすいものへと拡張しています。でもお馴染みの、共同作曲者でもあるポール・ブレンデル（ギター）、世界的に名高いジャズ・アーティストをバンドに迎え、ジャズ・スタンダード「オールドフォークス」を除いて全曲モンゴル語で歌われるなど、エンジの音楽的基盤は揺るぎないですが、メロディーとストーリーテリングに新たな明晰さを加えることで、より親しみやすい内容となっています。

 

それは単にスタイルの変化というだけでなく、彼女の歌声の深化を反映したもので、深みを失うことなくアクセシビリティを受け入れ、彼女の歌がより普遍的なレベルで共鳴することを可能にしています。

「Sonor』では、モンゴルの伝統的な歌「Eejiinhee Hairaar」（「母の愛をこめて」）に新たな命を吹き込みました。

 

日常生活に溶け込んだ音楽、何世代にもわたって受け継がれてきたメロディー、このイメージに本作の精神が凝縮されています。

 

エンジは単に伝統を再認識しているのではなく、故郷の感覚や遠くから見て初めてその意味がわかる小さな喜びを抽出しています。親が口ずさむ親しみのある歌のように、彼女の音楽は、ひとつの場所に縛られるのではなく、私たちを形作るや感情や記憶といった「帰属」の本質をとらえています。

 

エンジはリスナーの彼女の経験の風景を旅に誘い、文化の架け橋となり、変化を受け入れ、私たちの人生を定義する移り変わりの中に美を見出します。モンゴルとドイツ、伝統と革新の間を行き来し続ける彼女の音楽は、世界の、狭間で生きることの豊かな体験と、多面的なアイデンティティを受け入れることから生まれる芸術の証です。

 

 

「Ulber」

Enji　『ソノール（Sonor)』

トラックリスト

1. Hungun

2. Ulbar

3. Ergelt

4. Unadag Dugui

5. Gerhol

6. Eejiinhee Hairaar

7. Zuirmegleh

8. Much

9. Neke

10. Old Folks

11. Bayar Tai

アーティスト：Enji（エンジ）

タイトル：ソノール（Sonor）

品番：AMIP-0376

価格：2,900円（税抜）/3,190円（税込）

発売日：2024年5月2日（金）

バーコード：4532813343761

フォーマット：国内流通盤CD

ジャンル：ワールド／ジャズ

レーベル：Squama

販売元：株式会社インパートメント

発売元：Squama

更なるリリース情報の詳細につきましてはインパートメントのサイトをご覧ください。

＜プロフィール＞

 

モンゴルの首都ウランバートルで生まれ育ったミュンヘンのシンガー・ソングライター、エンジのことエンクヤルガル・エルケムバヤル（Enkhjargal Erkhembayar）。労働者階級の末端娘としてユルト（遊牧民族の円形型移動テント）で育つ。両親からモンゴルの民謡や舞踊の伝統を学び、オルティンドーという、ホーミーと並び遊牧民族モンゴル人を代表する歌唱法を教わった。

もともと小学校の音楽教師という職業に満足していた彼女だったが、2014年にドイツ人ベーシストのマーティン・ツェンカーがゲーテ・インスティトゥートのファンドでモンゴルにジャズ教育プログラムを持ち込んだことをきっかけに、ミュージシャンとしての道を歩むことに。

2017年、伝説的なアメリカのドラマー、ビリー・ハート、ドイツのサックス奏者ヨハネス・エンダース、イギリスのピアニスト、ポール・カービー、そして彼女の指導者マーティン・ツェンカーとともに、モンゴルを代表する作曲家センビーン・ゴンチングソラー（センビインゴンチグスムラー（Gonchigsumlaa）の作品集『Mongolian Song』を録音。

その後、ドイツのミュンヘンへと移住し、2020年にミュンヘン音楽・舞台芸術大学のジャズヴォーカル修士課程を卒業した。新型コロナウイルスのパンデミックをきっかけにした深い自己内省をもとにした2ndアルバム『Ursugal』を2021年ミュンヘンのSquamaからリリースした。

 

「Eejiinhee Hairaa」

Vijay Iyer

このレコーディング・セッションは、昨年（２０２３年）に起きた残酷な事件に対する私たちの悲しみと憤り、そして人間の可能性に対する信頼によって行われた。 - Vijay Iyer(ヴィジャイ・アイヤー)

 

2016年の『A Cosmic Rhythm With Each Stroke』に続く、ヴィジャイ・アイヤーとワダダ・レオ・スミスのECMへの2作目のデュオ形式のレコードとなる『Defiant Life』は、人間の条件についての深い瞑想であり、それが伴う苦難と回復の行為の両方を反映している。しかし同時に、このデュオのユニークな芸術的関係と、それが生み出す音楽表現の無限の形を証明するものでもある。ヴィジャイとワダダが音楽で出会うとき、彼らは同時に複数のレベルでつながるからだ。

 

「出会った瞬間から演奏する瞬間まで、私たちが一緒に過ごす時間は、世界の状況について話したり、解放の歴史を学んだり、読書や歴史的文献を共有したりすることに費やされることが多かった」

アイヤーは、ライナーノートの中で、彼とスミスとのそのような会話を長々と書き起こし、このアルバムにインスピレーションを与えた個々のテーマと、特に「反抗的」という言葉について、より詳しく明らかにしている。

 

ワダダの「Floating River Requiem」は1961年に暗殺されたコンゴの首相パトリス・ルムンバに、ヴィジャイの「Kite」は2023年にガザで殺害されたパレスチナの作家・詩人レファート・アラレアに捧げられたものだ。このような思考と考察の枠組みの中で、この作品は生まれた。

Wadada Leo Smith

ヴィジャイとワダダはともにECMと幅広い歴史を共有しており、ワダダは1979年のリーダー作『Divine Love』で早くからこのレーベルに参加している。

さらにワダダは、ビル・フリゼルと共演したアンドリュー・シリルの『Lebroba』（2016年）や、1993年のソロ・アルバム『Kulture Jazz』にも参加している。スミスは過去のヒーローへのオマージュを捧げながらも、レトロな模倣に翻弄されることはない。(『ザ・ワイヤー』1993年)

 

ヴィジャイのECMでの活動は急速に拡大しており、リンダ・メイ・ハン・オー、タイショーン・ソーリーとの現在のトリオ（2021年『Uneasy』、2024年『Compassion』）、ステファン・クランプ、マーカス・ギルモアとの以前のトリオ（2015年『Break Stuff』）、そして好評を博したセクステット・プロジェクト『Far From Over』（2017年）などがある。

 

ピアニストは、2014年に弦楽四重奏、ピアノ、エレクトロニクスのための音楽で高い評価を得た録音『Mutations』をリリースし、ロスコー・ミッチェルの2010年のアルバム『Far Side』、すなわちクレイグ・タブーンとのデュオで『Transitory Poems』（2019年）に参加している。そのほかにも2014年にDVDとブルーレイでリリースされた、ヴィジャイと映像作家プラシャント・バルガヴァの鮮やかなマルチメディア・コラボレーション『Rites of Holi』も忘れてはならない。 

「私たちは、それぞれの言語と素材を使って仕事をしている」とヴィジェイは広範なライナーノートに記しています。共同制作の必然性というのは、楽曲ごとに異なる形で体現される。「Sumud」では不吉なことを言い、「Floating River Requiem」では祝祭的なオーラを放ち、「Elegy」では疑念を抱きながらも明るい兆しが見える。そして終結の「行列」では破滅的に美しい。

ワダダ・レオ・スミスは、ヴィジャイとの親密さと、音楽を単純に 「出現 」させるという2人の共通の能力について尋ねられ、「ユニークなことのひとつは、自分たちが何かを修正すること（つまり、音楽を完全に事前に決定すること）を許さないこと。私はそういうふうに思う」と述べる。

ワシントン・ポスト紙は、このデュオの前作について、「スミスとアイヤーの演奏が見事に交錯している。 二人はテンポ、サステイン、音符やフレーズの思慮深い選択の感覚を共有している。 アイヤーとワダダが共有するディテールへの愛情と、慎重なセンテンスとやりとりを構築する忍耐は、展開される各構成を独自の音圏に変え、ヴィジャイの "Kite"では、フェンダー・ローズとトランペットの深い叙情性となだめるような相互作用に現れている」と評しています。

『Difiant Life(ディファイアント・ライフ)』の包括的な人生についての瞑想であるとするならば、実際に表現されているのはそのセンス・オブ・ワンダーである。スイス・ ルガーノで録音されたこのアルバムは、レーベルのオーナー、マンフレート・アイヒャーがプロデュースした。

Vijay Iyer / Wadada Leo Smith 『Difiant Life』- ECM

 

これが最後かもしれない。私たち（パレスチナ市民）は、それ（爆撃にさらされて無差別に殺されるようなこと）に値しません。

 

私は、アカデミックです。恐らく、私が家の中で持っている中で、一番強いものは、このマーカーです。

 

でも、もしイスラエル兵が家々をめぐって私たちを襲撃し虐殺することがあれば、私はイスラエル兵の顔をめがけて、このマーカーを投げつけるでしょう。

 

たとえそれが（人生の）最後に私ができることであろうとも。これが（ガザで無差別爆撃にさらされている）多くの人々の感じていることです。私たちに、失うものなんてありません。

 

ーパレスチナの作家・詩人リファアト・アルアリイールによる最後の声明

ニューヨークの鍵盤奏者、ヴィジャイ・アイヤー、ミシシッピのトランペット奏者のワダダ・レオ・スミスの共同制作によるアルバム『Difiant Life』は二人の音楽家が持ち寄った主題を重ね合わせ、アヴァンギャルドジャズの傑作を作り上げた。

ご存知の通り、現在のパレスチナとイスラエルの紛争は黙字録の象徴となっている。歴史はそれを「イスラエルとパレスチナによる衝突」と詳述するかもしれないが、これはイスラエル側による国際法の違反であるとともにパレスチナに対する民族浄化であるということを明言しておきたい。そして、もうひとつの東欧の火種、ウクライナとロシアの戦争についても同様であり、この二つの代理戦争は、離れた地域の国家、もしくはある種の権力を操る勢力が企図する''身代わりの戦争''である。これはある地域を欲得のため力づくで平定しようとする勢力の企みなのです。

 

パレスチナの作家リファアト・アルアリイールさんは、2023年のガザで空爆が続く中で死去した。彼の痛切な死から人類が学ぶべきことは何なのか？　その答えは今のところ簡単には出せませんが、少なくとも、アルアリイールさんは物語を作りつづけることの重要性を訴えかけていた。

それはなぜかというと、彼等は真実を伝えようとするが、いつも歴史は虚偽や嘘によって塗り固められていくからである。多くの歴史書、それは聖書のような書物であろうとも、体制側の都合の良いように書き換えられ改ざんされていく。これを未然に防ぐために、真実の物語を伝え続けることが大切なのだということを、リファアト・アルアリイールさんは仰っていたのです。

 

多くの人々は、フィクションや虚構を好む。ややもすると、それは現実から離れていればいるほど、一般的に支持されるし、なおかつ好まれやすいものです。それは現実を忘れられるし、そして現実をどこかに葬り去れるからである。しかし、扇動的な音楽、主題が欠落した音楽、真実から目を逸らさせるもの、これらは虚しさという退廃的な経路に繋がっていることに注意を払わなければいけません。そしてもし、音楽というメディアが、アイヤーさんのように、現実の物語を伝えることの後ろ盾になるのであれば、あるいはまた、もうひとりの演奏家レオ・スミスさんのように、コンゴのような一般的に知られていない国家の動向や現状を伝えるためのナラティヴな働きを成すとあらば、それほどまでに有益なことはこの世に存在しえないのです。

 

この両者のジャズによる真実の物語は、ピアノ、ローズ・ピアノ、そしてトランペット、アナログのシンセサイザー、そしてパーカッションによって繰り広げられる。つまり、音楽や演奏に拠る両者の対話によって繰り広げられる。作風としては、ファラオ・サンダースとフローティング・ポイントの変奏曲により作り上げられた『Promises』に近いが、ジャズとしての完成度はこちらの方がはるかに高い。複数の主題が的確な音楽的な表現によって描写され、息をつかせぬような緻密な構図に集約されているからである。

 

そして、モーツアルトの「幻想曲」、リストの「巡礼の年」、ドビュッシーの「イメージズ」、レスピーギの「ローマの松」、チャイコフスキーの「1812年」、リゲティの「アトモスフェール」など、古くから音楽という形態の重要な一部分を担う”描写音楽”というのが存在してきたが、『Difiant Life』は前衛的なジャズの形式による描写音楽とも言えるのではないでしょうか。

しかし、最大の問題や課題は、概念や感覚という目に映らない何かを形あるものとして顕現させることが困難を極めるということである。それは言い換えれば、伝えがたいものを伝えるという意味でもある。そういった本来は言語圏には属さない作品を制作するためには、音楽的な知識の豊富さ、実際的な高い演奏技術、それらを音符にまとめ上げるための高度な知性、さらには文化的な背景に培われた独自のセンス、これらのいかなる要素も欠かすことができません。

しかし、幸いにも、ヴィジャイ・アイヤー、ワダダ・レオ・スミスという、二人の稀有な音楽家（両者は実際的な演奏家だけではなく、作曲家としての性質を兼ね備えている）はその資質を持っている。つまり、音楽的に豊富な作品を作り上げるための素養を両者とも備えています。アルバムを聞くと、「ローマは一日にしてならず」という有名な言葉をありありと思い出させる。良質で素晴らしい音楽の背後には、気の遠くなるような長い時間が流れているのです。

 

２つのジャズ・プレイヤーの性質はどうか。ヴィジャイ・アイヤーは、古典的なものから現代的なものに至るまで、幅広いジャズのパッセージを華麗に演奏する音楽家であるが、同時に、オリヴィエ・メシアン、武満徹、細川俊夫といった現代音楽の演奏にも近いニュアンスを纏う。彼の演奏は気品があり、神経を落ち着かせるような力、パット・メセニーのグループで活動したライル・メイズのような瞑想性を併せ持つ。そして、このアルバムにおいて、アイヤーはアコースティックピアノとエレクトリック・ピアノを代わる代わる演奏し、曲のニュアンスをそのつど変化させる。そして、このアルバムに関して、アイヤーは指揮振りのような役割を担い、音楽の総合的なディレクションを司っているように感じられる。一方、ワダダ・レオ・スミスも素晴らしいトランペット奏者です。マイルス・デイヴィス、ジョン・ハッセル、エンリコ・ラヴァなど、”ポスト・マイルス”の系譜に属している。レオ・スミスのトランペットの演奏はまるで言葉を語るかのような趣があり、同時に実際的な言葉よりも深遠な力を持つ。特に注目したいのは、マイルス・デイヴィスが用いた象徴的な特殊奏法、「ハーマン・ミュート」も登場する。そして前衛的なブレスの演奏を用い、アトモスフェリックな性質を付与するのです。

 

 

 

『Survival(サヴァイヴァル)』と銘打たれたプレリュード（序章）で始まる。すでにガザの戦争の描写的なモチーフがイントロから明確に登場する。ジョン・ハッセルの系譜にあるトランペットの演奏が低音部を担うアイヤーのピアノの演奏と同時に登場する。モーツアルトの『幻想曲』のように不吉なモチーフが敷き詰められ、バリトンの音域にあるピアノの通奏低音、それと対比的なガザの人々の悲鳴のモチーフとなるレオ・スミスの前衛的なトランペットの奏法が登場します。まるでこの中東の戦争の発端となった当初の”病院の爆撃”を象徴付けるかのように、ピアノが爆撃の音の代わりのドローンの通奏低音、その向こうに取り巻く空爆の煙霧や人々の悲鳴の役割をトランペットが担う。その後のレオ・スミスの演奏は圧巻であり、さながら旧約の黙字録のラッパのように、複雑な音階やトリル、微細なニュアンスの変化、さらにはサステインを駆使して、それらの音楽の物語の端緒を徐々に繋げていこうとする。この曲では、シンプルに戦争の悲惨さが伝えられ、これは断じてフィクションではないということが分かる。

 

このアルバムの根幹を担うガザの主題のあとには、神秘的な印象を持つ現代音楽「Sumud」が続いています。この曲のイントロでは、レオ・スミスのトランペットの演奏がフィーチャーされている。シュトックハウゼンのトーン・クラスターの手法を用いたシンセサイザーの電子音楽が不吉に鳴り渡り、そしてそれに続いてスミスのトランペットの演奏が入る。アイヤーのシンセサイザーの演奏は、ドローン音楽の系譜にあり、この曲のアンビエント的なディレクションを象徴づけている。一方、レオ・スミスのトランペットの演奏はマイルス・デイヴィスの系譜にあり、カップ・ミュート、もしくはハーマン・ミュートを用いた前衛的な奏法が登場する。

これらは落ち着いた瞑想的な音色、そして、つんざくような高い音域を行来しながら、瞑想的な音色を紡ぎ出す。トランペットの演奏でありながら、テナー・サックスのような高い音域とテンションを持った素晴らしい演奏が楽しめるでしょう。そして、それらの演奏の合間に、ローズ・ピアノ、そして早いアルペジオのパッセージのピアノが登場し、音楽の世界がもう一つの未知なる領域へと繋がっている。

さらに、レオ・スミスはヨシ・ワダのようなバグパイプのドローンのような音色、そしてトランペットの原初的な演奏を披露している。それらの演奏が途絶えると、エレクトリック・ピアノが入れ替わりに登場する。曲の背景となるドローンの通奏低音の中で、瞑想的な音楽を拡張させていく。しかし、不吉な音楽は昂ずることなく、深妙な面持ちを持ちつつ進んでいく。アイヤーのシンセの演奏がライル・メイズのような瞑想的な音の連なりを作り上げていくのである。そして１２分にも及ぶ大作であるが、ほとんど飽きさせるところがないのが本当に素晴らしい。

 

 

こうした音楽の中で都会的なジャズの趣を持つ曲が「Floating River Requiem」である。この曲は、変拍子を駆使した前衛的な音楽。アルバムの中では、ピアノとトランペットによる二重奏の形式が顕著で、聴きやすさがあります。この曲では、アコースティック・ピアノが用いられ、Jon Balkeの系譜にある実験音楽とモダンジャズの中間にある演奏法が取り入れられています。アイヤーはこの曲でオクターブやスタッカートを多用し、洗練された響きをもたらしている。対するレオ・スミスも、前衛的な演奏という側面においてアイヤーに引けを取らない。長いサステインを用いた息の長いトランペット、それを伴奏として支えるピアノという形式が用いられる。

 

この曲は表面的に見ると、前衛的に聞こえるかもしれませんが、コールアンドレスポンスの形式、そして、マイルス・デイヴィスとビル・エヴァンスによる名曲「Flamenco Sketches」のように、モーダルの形式を受け継ぐ、古典的なジャズの作曲法が取り入れられています。結局のところ、マイルス・デイヴィスは、ストラヴィンスキーのリズム的な革新性というのに触発され、そしてビーバップ、ハード・バップの先にある「モード奏法」という形式を思いついた。それはまた、ジャズのすべてがクラシックから始まったことへの原点回帰のようでもあり、バロック音楽以降のロマン派の時代に忘れ去られていた教会旋法やパレストリーナ旋法のような、横の音階（スケール/旋法という）の連なりを強調することを意味していた。これらを、JSバッハによる対旋律の音楽形式を用い、復刻したのがマイルス・デイヴィスであったわけです。「Floating River Requiem」はそういったジャズとクラシックの同根のルーツに回帰しています。

 

この曲の場合は、同音反復を徹底して強調するミニマリズムの要素とモーダルな動きをもたらすトランペットという音楽的な技法を交えた「ポスト・モード」の萌芽を捉えられる。それらは、結果的に、グスタフ・マーラーのように音楽を複雑化して増やすのでなく、簡素化して減らしていくというストラヴィンスキー、モーツァルトが目指していた音楽的なディレクションと重なる。 音楽の要素をどれほど増やしても、聴衆はそれを支持するとは限らない。それはいついかなる時代も、聴衆は美しく心を酔わせる音楽を聞くことを切望しているからである。そして、その期待に添うように、同音反復を続けた後、麗しいピアノのパッセージが最後に登場します。このアルバムの中の最もうっとりするような瞬間がこの曲のラストには含まれています。

 

 

「Elegy」とは哀歌を意味しますが、この曲は追悼曲のような意味合いが色濃い。しかし、哀切な響きがありながらも、必ずしもそれは悲嘆ばかりを意味していません。レオ・スミスによる神妙なトランペットのソロ演奏は、ドローン奏法を駆使したシンフォニックなシンセサイザーの弦楽器のテクスチャーと溶け合い、国家的な壮大さを持つアンセミックな曲に昇華されている。そして、その合間に現れる瓦礫や吹き抜けていく風のような描写的な音の向こうからアラビア風の趣を持つアイヤーのピアノの演奏が蜃気楼のごとくぼんやりと立ち上る。そして「哀歌」というモチーフを的確に表しながら、神妙なジャズの領域を押し広げていく。その中には同音反復を用いた繊細なフレーズも登場し、悪夢的な中東の戦火の中で生き抜こうとする人々の生命の神秘的なきらめきが立ち現れる。そして、その呼吸と同調するように、微細なスタッカートの特殊奏法を用いたトランペットの前衛的な演奏が呼応するかのごとく続いている。最終的に、それを引き継ぐような形で、主旋律とアルペジオを織り交ぜたアイヤーの淡麗なジャズ・ピアノが無限に続いてゆく。これらの哀歌の先にあるもの……、それは永遠の生命や魂の不滅である。これらの音楽は傑出したドキュメンタリーや映画と同じようなリアルな感覚を持って耳に迫ってくる。一度聴いただけでは探求しがたい音楽の最深部へのミステリアスな旅。

 

戦争、死、動乱という重厚なテーマを扱った作品は一般的に重苦しくなりがちですが、「Kite」はそういった気風の中に優しさという癒やしにも似た効果を付与する。 アイヤーによるエレクトリック・ピアノを用いた演奏は子守唄やオルゴールのように響く。他方、スミスのトランペットは、マイルス・デイヴィスやエンリコ・ラヴァの系譜にある旋律的に華麗な響きをもたらす。

この曲では、レオ・スミスのソリストとしての演奏の素晴らしさが際立っている。そして、今は亡きリファアト・アルアリイールが伝えようとした物語の重要性というのを、トランペットにより代弁しているように思える。それらはジャズの最も魅惑的な部分を表し、フュージョン・ジャズ、スピリチュアル・ジャズのような瞑想的な感覚を蘇らせる。この曲ではジャズの慈愛的な音楽性がチック・コリアの系譜にあるローズ・ピアノ、そして慎ましさと厳粛さ、美しさを兼ね備えた蠱惑的な響きを持つトランペットにより、モダン・ジャズの最高峰が形作られる。ムード、甘美さ、音に酔わせる力など、どれをとっても一級品です。ここで両者が伝えようとしたことは明言出来ません。しかし、ガザの作家の死を子守唄のような慈しみで包もうという美しい心意気が感じられる。それが音楽に優しげな響きがあるように思える要因でもある。

 

 

『Difiant Life』の終曲を飾る「Procession」では再びアルバムの冒頭曲「Prelude」のように緊張感を持つ前衛的なトランペットで始まります。そしてパーカッションのアンビエント的な音響性を活かして、ニュージャズの未来が示されています。それはまたマイルス・デイヴィス、ジョン・ハッセルのアンビエント・ジャズの系譜を受け継ぐものです。そして、この音楽には、素晴らしいことに、遠くに離れた人生を伝えるというメディアとしての伝達力が備わっている。また、まったく関連がないように思えるかもしれませんが、遠くに離れた人の考えを糧にすることや、それらの生活文化の一端を垣間見ること、そこらか何かを学びとること、それはすなわち、現在の私たちの卑近な世界を検分することと同意義なのではないかということに気がつく。

 

『Difiant Life』は、全体的に見ると、はじめと終わりが繋がった円環構造のように考えることも出来ますが、むしろ生命の神秘的な側面である''生々流転''のような意味が含まれているのではないかというように推測出来ます。生々流転というのは、様々な生命や意識がいつの時代も流動的に動きながら、無限の空間をうごめき、社会という共同体を形成していることを意味している。

アルバムの音楽の片々に見出だせるのは、レフ・トルストイが『人生論』で明らかにしたように、人間の肉体ではなく、魂にこそ生命の本質があるという考えです。無論、本稿では神秘主義やスピリチュアリズムを推奨するものではないと付言しておきたいですが、人間の本質が魂(スピリット)にあるとする考えは、ギリシア思想の時代から受け継がれる普遍的な概念でもある。現代文明に生きる人々は、デジタルの分野やAIなど技術的な側面においては、中世の人々よりも遥かに先に進んでいる。もちろん、工業や宇宙事業などについてもまったく同様でしょう。

 

しかし、進化の中で退化した側面もある。本作の音楽を聴いていますと、多くの人々は文明という概念と引き換えに何かを見失ってきたのではないだろうかと考えさせられます。現代主義ーー合理性や利便性ーーという目に見える価値観と引き換えにし、人類は別の利点を血眼になって追いかけるようになった。それは断じて進化などというべきではなく、退廃以外の何物でもなかった。その結果として表側に現れたのが現代の代理戦争や民族浄化であるとすれば、納得のいくことであるように思えます。また、ガザの作家リファアト・アルアリイールさんは「人の死は数ではない」とおっしゃっていました。人間や生物の命を軽視し、別の何かに挿げ替えようとする。それは考えられるかぎりおいて最も恥ずべき行為であると言わざるをえません。本作はまさしく、そういった現代社会の風潮に対する''反抗''を意味する。それはまた、パレスチナの作家の遺志や彼が伝えようとしたことを後世に受け継ぐ内容でもある。「Difiant Life」は、10年後、20年後も、ECMの象徴的な作品となりえるかもしれない。いや、ぜひそうなってほしい。アルバムのライヒを思わせるアートワークのモチーフを見れば瞭然と言えるでしょう。

 

 

 

100/100

 

 

Vijyar Iver/ Wadada Leo Smith『Difiant Life』ECMより本日発売。

 

ニューキャッスルのジャズ・クインテット、ナッツ（Knats）はセンス抜群のジャズを提供する注目すべきグループの一つだ。デビューまもなくして、ストリートファッション業界から注目を受け、〈Beams Plus〉とロンドン発のスケートブランド〈PALACE SKATEBOARDS〉との初コラボレーション・ラインの広告に彼等の楽曲「Tortuga (For Me Mam) 」が使用された。

 

この度、ナッツの待望のセルフタイトルのデビューアルバム『Knats』がフィジカルリリースを迎えた。続いて、デジタルアルバムが3月28日（金）にリリースされる。こちらも合わせてチェックしてもらいたい。

2024年は、ロンドンの音楽に新風を吹き込むジョーディー・グリープ（元ブラック・ミディのボーカリスト/ギタリスト、ラフ・トレードからソロアルバムを発表）のサポートや、R&Bのレジェンド、エディ・チャコン（Eddie Chacon)のUKツアーのバックバンドを務め、ナッツにとって充実した1年となった。また、“ジャズ・リフレッシュド”のヘッドライナー、Str4ta（ストラータ）のサポートをソールド・アウトさせた他、”ロンドン・ジャズ・フェスティバル”にも出演した。

 

ニューカッスル出身の2人の親友、スタン・ウッドワード（ベース）とキング・デイヴィッド＝アイク・エレキ（ドラム）を中心に結成されたナッツは、洗練されたアレンジ力で、力強いメロディ、ダンサブルなグルーヴを持つジョーディー・ジャズ（ニューカッスル生まれ）を制作している。彼等の熱狂的なエネルギーを持つジャズは、Spotifyのプレイリストに取り上げられ、The Guardian、Jazzwiseなどのメディアから賞賛されるなど、垂涎の的となっている。

本日、アルバムの発表を記念し、ナッツはアメリカのテナー・サックス奏者ジョー・ヘンダーソンのカバー「Black Narcissus」をデジタル・リリースした。アドレナリン全開のアップテンポなドラミングに、グルーヴィーで輝かしいベースラインと情熱的なサックスが組み合わさった同楽曲は、彼ら特有である感染力の強いエネルギーを完璧に表現している。

 
Knats - 「Black Narcissus (Audio Video)」

 

 

▪ニューシングル「Black Narcissus」（ダウンロード/ストリーミング）

 

アルバム全体を通して共通するのは、メンバーが愛する者たちに捧げた内容となっているということである。前述の「Tortuga (For Me Mam)」は、スタンが自身の母親を含む全てのシングルマザーに敬意を表して書いた楽曲。シングルマザーの強さと犠牲に対する賞賛と感謝の念が込められている。

 

その一方、ダークな曲調の「Se7en」は、かつて "DJ Se7en"として活動していたスタンの父親との感情的な関係を表現している。

 

また、「Adaeze」はキングの亡き姉へのトリビュート。西アフリカのパーカッシヴなブレイクと楽器を取り入れたゴスペル・フォーク・チューンから作られた。メンタル・ヘルスに悩む人を知るすべての人々に対し、周りの人間を気にかけ、彼らが必要としているかもしれない助けの手となるように、といったメッセージが込められている。

ナッツのアルバムは多くのことを象徴しているが、最も重要なのは決してニューカッスルを見過ごしてはいけないという点に尽きる。

 

【アルバム情報】

 

アーティスト名：Knats（ナッツ)
タイトル名：Knats（ナッツ)
品番：GB4003CD (CD) ／ GB4003 (LP)
発売日：フィジカル・アルバム発売中
デジタル配信：2025年3月28日（金）
レーベル：Gearbox Records

＜トラックリスト＞

(CD)
1. One For Josh
2. Miz (featuring Anatole Muster)
3. 500 Fils (featuring Parthenope)
4. Black Narcissus
5. Rumba(r)
6. Makina Thema
7. Tortuga (For Me Mam)
8. Se7en (featuring Tom Ford)
9. In The Pitt
10. Adaeze

(LP)
Side-A

1. One For Josh
2. Miz (featuring Anatole Muster)
3. 500 Fils (featuring Parthenope)
4. Black Narcissus
5. Rumba(r)
Side-B
6. Makina Thema
1. Tortuga (For Me Mam)
2. Se7en (featuring Tom Ford)
3. In The Pitt
4. Adaeze


・アルバム『Knats』予約受付中！ 

https://bfan.link/knats

Credits:
Stan Woodward: bass guitar
King David Ike Elechi: drums
Ferg Kilsby: trumpet
Cam Rossi: tenor saxophone
Sandro Shar: keyboards
Parthenope: alto saxophone on “500 Fils”
Richie Sweet: congas on “Rumba(r)” and “Adaeze”
Tom Ford: electric guitar on “Se7en”
Anatole Muster: accordion on “Miz"
Miro Treharne: vocals on “In The Pitt”
Otto Kampa: alto saxophone on “In The Pitt”
Matt Seddon: trombone on “In The Pitt”
Enya Barber: violin on “Tortuga (For Me Mam)”
Sam Booth: cello on “Tortuga (For Me Mam)”

All tracks written and arranged by Stan Woodward and King David Ike Elechi
apart from “Black Narcissus”, written by Joe Henderson.

Produced by Darrel Sheinman

Recorded at Studio 13, London by Giacomo Vianello, assisted by Ishaan Nimkar

All tracks mixed at The Friary Studios, Aspley Guise by Hugh Padgham apart from “Tortuga (For Me Mam)”, mixed by Chris Webb

Mastered by Caspar Sutton-Jones

 

<バイオグラフィー>

 
Knatsは、ニューカッスル・アポン・タイン出身の2人の生涯の親友、スタン・ウッドワード（ベース）とキング・デイヴィッド・アイク・エレキ（ドラムス）が率いるクインテット。

その他のメンバーは、ファーグ・キルズビー（トランペット）、キャム・ロッシ（テナー・サックス）、そしてサンドロ・シャー（キーボード）。それぞれのルーツであるジャズ、ドラムンベース、ハウス、ゴスペルから派生したダンス・ミュージックを特徴とする。

シーンに登場して間もない彼らは、すでにSoho Radio、BBC Newcastle、WDR3によって認知され、Spotifyの ‘All New Jazz’プレイリストに選曲された他、‘Jazz Fresh Finds’のカヴァーも飾っている。さらに、BBC Introducing North Eastからも絶大な支持をされている。

 

 全くの新人ながら、 2024年10月に発表された〈Beams Plus〉とロンドン発のスケートブランド〈PALACE SKATEBOARDS〉との初コラボレーション・ラインの広告に楽曲「Tortuga (For Me Ma)」が使用された。

 

同年にはジョーディー・グリープ（ブラック・ミディ）のUKツアーでのサポートや、ソールドアウトした“ジャズ・リフレッシュド”のヘッドライナー、ジャズ・カフェでのStr4ta（ストラータ）のサポート、”ロンドン・ジャズ・フェスティバル”への出演、さらにはR&B界のレジェンド、エディ・チャコンのバック・バンドとして英国ツアーにも参加した。2025年2月、待望のセルフ・タイトル・デビュー・アルバムをリリース。

Elliot Galvin ©︎Areppo

UKジャズシーンのスーパー・グループ、ダイナソーのメンバーで、マーキュリー賞にもノミネート経験をもつピアニスト、Elliot Galvin(エリオット・ガルビン)がゲスト参加したニューアルバム『The Ruin』をGear Box からデジタルリリースしました。

UKジャズシーンで存在感を放ち、サンズ・オブ・ケメット(現在、 Smileのドラマー、トム・スキナーが所属していた)のメンバーとして活動していたShabaka Hutching(シャバカ・ハッチングス)が参加した注目作です。

グラミー賞、マーキュリー賞、MOBOにノミネートされたレコーディング＆ミキシング・エンジニア、ソニー・ジョンズ（トニー・アレン、アリ・ファルカ・トゥーレ、ローラ・ジャード）との3回のセッションでレコーディングされた今作『The Ruin』は、エリオットの新たな出発点となる作品。

このアルバムは、ジャンルや位置づけを気にすることなく、僕に影響を与えたすべての音楽を組み合わせた、これまでで最もパーソナルな作品。自分という人間を最もピュアに表現したアルバムだと思う。ーーエリオット・ガルヴィン

アルバムには、著名なベーシスト兼ヴォーカリストのルース・ゴラー、ポーラー・ベアのドラマーでパティ・スミス／デーモン・アルバーンのコラボレーターでもあるセバスチャン・ロックフォード、そして長年のコラボレーターであるリゲティ弦楽四重奏団といったUK音楽シーンの錚々たるミュージシャンたちが参加しています。

そして今回、収録曲の中から友人でありバンドメイトでもあるシャバカ・ハッチングスがフルートで参加した「Gold Bright」が公開された。

 

Gold Bright (Feat. Shabaka Hutchings)

 

 

 

同楽曲についてエリオットは、以下のようにコメントしています。

アルバムの中でメンバー全員が参加しているのはこの曲だけだよ。ただ、この曲のために全員が同じ部屋に集まることができなかったから、ストリングスとシャバカはオーバーダビングした。

シャバカは事前に音楽を聴かずにソロを1テイクで録音したんだけど、彼がトラック、特にセブのドラミングと完璧にシンクロする素晴らしい瞬間がいくつもある。この2人には長い付き合いがあり、それがこの曲で如実に表れている。今回のアルバムのクライマックスのような曲だよね。

なお、シャバカ・ハッチングスはさらにもう1曲「High and Wide」にも尺八で参加している。アルバムからはすでに「A House, A City」のミュージックビデオが公開されている。同楽曲は、エリオットにとっての最初のピアノで弾いた最後の即興演奏をiPhoneで録音したものから始まり、その後、彼の家と成長期の思い出にインスパイアされた個人的で繊細なソロ曲へと発展していく。

エリオットと映像作家のアレポとジェイムス・ホルコムが古いアップライトピアノに火をつけるというドラマティックなビデオはアナログのボレックスカメラで撮影され、出来上がったフィルムは化学的に劣化させられ、ピアノの火がフィルムそのものを燃やしているように見える。

 

このコンセプトは、アルバム全体に流れる廃墟と記憶の劣化（ruin）というテーマと結びついており、エリオットが新しい何かを求めて、これまでやってきたことをすべて解体するということを表している。

「A House, A City」

 

私たちは、ふと、朽ち果てた遺構物に目を奪われる瞬間がある。廃墟の美しさ……、それは朽ち果てた文明と人類の歩みの重さを秤にかけることで生み出されるのかもしれない。もちろん、エリオット・ガルヴィンにとっては、美しいものを音楽と結びつけることは造作もないことだろう。「The Ruin」は、UKジャズシーンで名高い音楽家による''美という概念の徹底した探究''である。-Music Tribune-

 【アルバム情報】

アーティスト名：Elliot Galvin（エリオット·ガルビン)
タイトル名：The Ruin（ザ・ルイン）
品番：GB4005CD (CD) ／ GB4005 (LP)
発売日：2025年2月26日（水）発売 予定
レーベル：Gearbox Records

＜トラックリスト＞

Side-A

1. A House, A City
2. From Beneath
3. Still Under Storms
4. Gold Bright (Feat. Shabaka Hutchings)
5. Stone Houses
Side-B

1. High And Wide (Feat. Shabaka Hutchings)
2. In Concentric Circles
3. As If By Weapons
4. Giants Corrupted
5. Fell Broadly
6. These Walls

 

◆デジタル・アルバム『The Ruin』配信中！ 

https://bfan.link/the-ruin

Credits:

Elliot Galvin – Piano, Synthesizers and Electronics
All Tracks
 
Ruth Goller – Bass and Voice
Tracks 2, 3, 4, 5, 7, 10
 
Sebastian Rochford – Drums
Tracks 2, 3, 4, 5, 7, 8
 
Ligeti Quartet
Freya Goldmark – Violin I
Patrick Dawkins – Violin II
Richard Jones – Viola
Val Welbanks – Cello
Tracks 3, 4, 5, 7, 9

Shabaka Hutchings – Bamboo Flute Track 4, Shakuhachi Track 6

 
Recorded at Giant Wafer Studios, Powys 

Recorded, Mixed and Co-produced by Sonny Johns

Mastered by Caspar Sutton-Jones

Co-produced by Sebastian Rochford

Produced by Elliot Galvin
 
All Music Composed by Elliot Galvin

All Music Published by Gearbox Music Publishing

 

 

【Elliot Galvin : バイオグラフィー】

 
受賞歴のある作曲家、ピアニスト、即興演奏家。作品は主に、即興演奏の取り入れと、様々な環境と文脈における音の折衷的な並置の使用で知られている。

 

Downbeat誌とJazzwise誌の両方で2018年の年間最優秀アルバムに選ばれ、2014年には栄誉ある"ヨーロピアン・ヤング・ミュージシャン・オブ・ザ・イヤー"を受賞した。

 

これまでシャバカ・ハッチングス、ノーマ・ウィンストン、マリウス・ネセット、マーク・ロックハート、エマ・ジーン・サックレイ、マーキュリー賞ノミネート・バンドのダイナソーなどとのレコーディングや国際的なツアーを数多くこなしてきた。

 

即興演奏家としては、マーク・サンダース、ビンカー・ゴールディングとのアルバムや、パリのルイ・ヴュイトン財団でのコンサートで録音された全曲即興のソロ・ピアノ・アルバムをリリースしており、Guardian誌の"アルバム・オブ・ザ・マンス"やBBCミュージック誌の"アルバム・オブ・ザ・イヤー"に選ばれている。

 

作曲家としては、ロンドン・シンフォニエッタ、リゲティ弦楽四重奏団、アルデバーグ・フェスティバル、ジョンズ・スミス・スクエア、ロンドン・ジャズ・フェスティバルなど、一流のアンサンブルやフェスティバルから委嘱を受けている。

 

また、オーディオ・アーティストとしても活動し、ターナー・コンテンポラリー・ギャラリーや、最近ではオックスフォード・アイデア・フェスティバル等でインスタレーションを展示している。2024年10月、Gearbox Recordsからの初リリースとなるシングル「From Beneath」を、12月には「A House, A City」を発表。2025年2月にはアルバム『ザ・ルイン』を発売。

 

ニューフェイスながら、〈Beams Plus〉とロンドン発のスケートブランド〈PALACE SKATEBOARDS〉との初コラボレーション・ラインの広告に楽曲「Tortuga (For Me Mam) 」が使用された若手5人組、ナッツ（Knats）。この度、待望のセルフ・タイトル・デビュー・アルバムの詳細を発表した。2月26日（水）に日本盤が発売され、3月28日（金）にデジタル・リリースとなる。

2024年はナッツにとって大きな飛躍の年となった。ジョーディー・グリープ（元ブラック・ミディ）のサポートや、R&Bのレジェンド、エディ・チャコンのUKツアーのバックバンドを務めるなど、ナッツにとって多忙を極めた1年となった。

 

また、“ジャズ・リフレッシュド”のヘッドライナー、Str4ta（ストラータ）のサポートをソールド・アウトさせた他、”London Jazz Festival(ロンドン・ジャズ・フェスティバル)”にも出演した。

 

ニューカッスル出身の2人の親友、スタン・ウッドワード（ベース）とキング・デイヴィッド＝アイク・エレキ（ドラム）を中心とするナッツは、洗練されたアレンジ力で、力強いメロディ、ダンサンブルなグルーヴを持つ（ニューカッスル生まれの）ジョーディー・ジャズを制作している。その熱狂的なエネルギーは、Spotifyのプレイリストに特集されたほか、The Guardian、Jazzwiseなどの大手メディアから賞賛されるなど、羨望の的となっている。 

 

デビューアルバムの発表を記念してバンドは、本日 「Rumba(r) 」という遊び心のあるタイトルのニューシングルを発表した。タイトルが示すように、同楽曲にはルンバ・クラーベのグルーヴが取り入れられており、メロディ的には、スタンがラム・バー（ラム酒専門のバー）にいたときに思いついたという。この曲は簡潔さを追求したもので、スタンが70年代と80年代のフュージョンと20世紀のロマンチック音楽のメロディシズムの双方をこよなく愛することを表す。

 

 

 「Rumba(r) 」

 

 

 

・ニューシングル「Rumba(r) 」のストリーミング/ダウンロードはこちら。

 

 

 

【アルバム情報】

 
アーティスト名：Knats（ナッツ)
タイトル名：Knats（ナッツ)
品番：GB4003CD (CD) ／ GB4003 (LP)
発売日：
2025年2月26日（水）日本盤発売
2025年3月28日（金）デジタル配信
レーベル：Gearbox Records

＜トラックリスト＞
(CD)
1. One For Josh
2. Miz (featuring Anatole Muster)
3. 500 Fils (featuring Parthenope)
4. Black Narcissus
5. Rumba(r)
6. Makina Thema
7. Tortuga (For Me Mam)
8. Se7en (featuring Tom Ford)
9. In The Pitt
10. Adaeze

(LP)
Side-A

1. One For Josh
2. Miz (featuring Anatole Muster)
3. 500 Fils (featuring Parthenope)
4. Black Narcissus
5. Rumba(r)
Side-B
6. Makina Thema
1. Tortuga (For Me Mam)
2. Se7en (featuring Tom Ford)
3. In The Pitt
4. Adaeze

・アルバム『Knats』予約受付中！ 

https://bfan.link/knats

Credits:
Stan Woodward: bass guitar
King David Ike Elechi: drums
Ferg Kilsby: trumpet
Cam Rossi: tenor saxophone
Sandro Shar: keyboards
Parthenope: alto saxophone on “500 Fils”
Richie Sweet: congas on “Rumba(r)” and “Adaeze”
Tom Ford: electric guitar on “Se7en”
Anatole Muster: accordion on “Miz"
Miro Treharne: vocals on “In The Pitt”
Otto Kampa: alto saxophone on “In The Pitt”
Matt Seddon: trombone on “In The Pitt”
Enya Barber: violin on “Tortuga (For Me Mam)”
Sam Booth: cello on “Tortuga (For Me Mam)”

All tracks written and arranged by Stan Woodward and King David Ike Elechi
apart from “Black Narcissus”, written by Joe Henderson.

Produced by Darrel Sheinman

Recorded at Studio 13, London by Giacomo Vianello, assisted by Ishaan Nimkar

All tracks mixed at The Friary Studios, Aspley Guise by Hugh Padgham apart from “Tortuga (For Me Mam)”, mixed by Chris Webb

Mastered by Caspar Sutton-Jones 

 

【Knats Biography】

ニューカッスル・アポン・タイン出身の2人の生涯の親友、スタン・ウッドワード（ベース）とキング・デイヴィッド・アイク・エレキ（ドラムス）が率いるクインテット。それぞれのルーツであるジャズ、ドラムンベース、ハウス、ゴスペルから派生したダンス・ミュージックを特徴とする。

 

シーンに登場して間もない彼らは、すでにSoho Radio、BBC Newcastle、WDR3によって認知され、Spotifyの ‘All New Jazz’プレイリストに選曲された他、‘Jazz Fresh Finds’のカヴァーも飾っている。

 

さらに、BBC Introducing North Eastからも絶大な支持をされている。 全くの新人ながら、 2024年10月に発表された〈Beams Plus〉とロンドン発のスケートブランド〈PALACE SKATEBOARDS〉との初コラボレーション・ラインの広告に楽曲「Tortuga (For Me Ma)」が使用された。

 

同年にはジョーディー・グリープ（ブラック・ミディ）のUKツアーでのサポートや、ソールドアウトした“ジャズ・リフレッシュド”のヘッドライナー、ジャズ・カフェでのStr4ta（ストラータ）のサポート、”ロンドン・ジャズ・フェスティバル”への出演、さらにはR&B界のレジェンド、エディ・チャコンのバック・バンドとして英国ツアーにも参加した。2025年2月、待望のセルフ・タイトル・デビュー・アルバムのリリースが決定。こちらの新作にも乞うご期待！！

ジャコ・パストリアスは型破りな演奏家として知られているが、一方、モダンジャズの先駆者で、ニュージャズやクロスオーバージャズへの橋渡しをした数奇な存在でもある。ベーシストとしては、ジャズ・ファンクからアフロキューバンジャズ、エスニックジャズ、アヴァンジャズ、R&B、それらを一緒くたにするフュージョンといった多彩な音楽性の中で、このジャンルの可能性を敷衍させる働きをなした。彼を一定のグループの中に収めることは難しいのではないか。

 

そもそも、たまたまジャズマンとして活躍しただけで、ロックミュージシャンと見なされた時期もあったのだし、彼の念頭にはこのジャンルだけが存在したとは到底考えづらいのである。ベーシストとしては、フレットレス・ベースの演奏、ミュート、ハーモニクスの奏法に関して、大きな革新性をもたらした。同時に、スラップ奏法の先駆的な技法も見受けられる。さらにアヴァンギャルドな演奏法の中でも、ミニマリズムの技法を駆使することがある。ロックミュージシャンはもちろん、エレクトロニックの界隈でも影響を受けた方は少なくないのではないか。

 

ジャコ・パストリアスは、１９５１年１２月１日にフィラデルフィア州ノリスタウンに生まれた。父はドラマーで、彼のことを「ジャコ」と呼んで可愛がった。１９５８年、ジャコ一家は、フロリダのフォート・ローダーデイルに転居した。この街は、キューバ、ジャマイカからの移住者が多かった。このことが、後に、中南米の音楽をジャズの中に織り交ぜるための布石となった。ドラマーである父親の影響は大きかった。しかし、パストリアスは明確なレッスンを受けないまま、器楽奏者として多彩な才覚を発揮するようになった。子供の頃から、ドラム、サックス、ギター、ベースの演奏を難なくこなすようになった。だが、当初は父親と同じくドラマーを志していた。

 

彼は１３歳の時、フットボールの競技中に右腕を負傷した。このことでドラマーになる夢を断念した。しかし、彼は簡単に音楽の道を諦めることが出来なかった。１７歳のときには手術を受け、ようやく彼の腕はふつうに動くようになり、ベーシストとしての道を歩むことを決意する。 パストリアスは、すでにプロになるまえに結婚していたが、妻が身ごもったために、やむなく洗車場で働いたことが伝えられている。パストリアスは妻の出産前に、７００ドルをためていたが、子供が生まれるおよそ一ヶ月前に、これらの費用をアンプ代につぎ込んでしまった。だが、その後、パストリアスは５００ドルを貯め、それを妻の出産の費用に宛てたのである。

 

すでに娘が生まれた頃、どうやらベーシストになる決意は固まっていた。彼はレコードを聴いたり、本を読んだりするのを中断し、ベースの演奏や自作曲の制作に昼夜没頭するようになった。エレクトリック・ベーシストというのは、フュージョンジャズの文脈から登場したが、彼が伝統的なコントラバス奏者ではないにもかかわらず、ジャズシーンでも高い評価を受け、そしてジャコ・パストリアスという固有的なサウンドを生み出したのは、この時代の鍛錬によるところが大きいと伝えられている。独創性、技術、そして卓越性、どれをとっても一級品であるパストリアスの代名詞となるサウンドの多くは、彼が名もなきミュージシャンとして活動していた時代に培われたものであった。しかし、ジャコ・パストリアスのベースは、従来のウッドベースの奏法に依拠するところが大きい。彼がソロ活動やバンドを始める以前のウェザー・リポートのジョー・サヴィヌルは、初めてパストリアスの演奏を耳にしたとき、こう尋ねたという。「それで、君はエレクトリックベースを弾けるのかい？」よもやサヴィヌルは彼がそのサウンドがエレクトリックベースによって奏でられたものだとは思わなかったというのである。

 

優れた音楽家がいると、周りに秀逸なプレイヤーが自然に集まって来るということがある。例えば、ジャコ・パストリアスの場合、すでにマイアミ大学に在学中に伝説的なジャズ・ミュージシャンと知己を得ていた。まずはシカゴのギタリスト、ロス・トロウトにはじまり、その後はピアニストのポール・ブレイと仕事をした。また、同じ頃、パット・メセニーと知り合った。

 

ジャコ・パストリアスは、パット・メセニーの自宅で演奏したあと、ポール・ブレイと一緒にライブ・アルバム『ジャコ・パストリアスとの出会い（Jaco Pastorius / Pat Metheny / Bruce Ditmas / Paul Bley）』（1974）、『Broadway Blues』（1975）で共演したほか、また、後には、パット・メセニーのスタジオアルバム『Bright Size Life』（1976）にも共同制作者として名を連ねている。また、同年、ジョニ・ミッチェルのアルバム『Hejira』にも参加した。

 

伝説的な演奏家との共演の機会を経て、ジャコ・パストリアスの名声は高まりつつあり、フロリダ/フォート・ローダーデイルのナイトクラブ「Bachelors Ⅲ」に出演するようになった。レイ・チャールズ、ティナ・ターナー、アル・グリーンなど錚々たる顔ぶれが出演するなか、ジャコ・パストリアスは、ハウスバンドを率いていたアイラ・サリヴァンのコンボで演奏を務めたのである。

 

 

1975年の夏、彼に決定的なチャンスがやってきた。このクラブで当時大人気だったジャズ・ロック・グループ、BS&T（ブラッド・スウェット＆ティアーズ）が出演したとき、ドラマーのボビー・コロンビーに才覚を認められ、彼の紹介もあって、パストリアスはデビュー・アルバムをエピックでレコーディングすることになった。その翌年、彼がニューヨークで録音をおこなっていた時、ウェザー・リポート（Weather Report）のジョー・サヴィヌルと再会した。

 

当時、サヴィヌルは、バンドのアルバム『ブラック・マーケット（Black Market）』を録音していた。ジャコ・パストリアスの顔を見るなり、「ちょうどよかった。フロリダサウンドが欲しかった！！」といい、さっさとパストリアスを引き連れ、バンドメンバーに迎え入れることになった。

 

１９７６年、ソロデビューアルバム「Jaco Pastorius（ジャコ・パストリアスの肖像）」がSony/Epicから発売された。大胆にもセルフタイトルを冠してである。アルバムは彼をレコード会社に紹介したコロンビーがプロデュースした。

 

従来から言われているように、ジャコ・パストリアスのベースの演奏は、オルタード・スケールを活用することが多い。しかし、スケール的にはスタンダードなものが基本になっている。しかし、このデビューアルバムの多彩さはなんだろうか。彼が影響を受けた音楽のほとんどを凝縮させたかのようでもある。デビュー作であるというのに、アンソロジーのような印象があり、末恐ろしいほどの才覚が１１曲に詰め込まれている。

 

驚くべきことに、彼のデビューアルバムには、クラシック、ジャズ、現代音楽、ファンク、R&B、そしてラテン音楽を始めとするエスニックすべてがフルレングスにおさめられている。その中でも、ミュートやハーモニクスを生かした「Portrait Of Tracy」、民族音楽のリズムを取り入れ、それらをジャズとミニマリズムから解釈した「Okonkole y Tromba」等の独創性が際立っている。また、「Opus Pocus」ではカリブ海のスティールパンの演奏が取り入れられている。当時は「フュージョン」とも称されていたが、クロスオーバージャズの先駆的なアルバムでもある。今なおジャコ・パストリアスの演奏、そして作曲は鮮烈な印象をとどめている。

 

ジャコ・パストリアスはベースに演奏だけではなく、オリジナルの作曲にも夢中になった。つまり、エピックからワーナーに移籍した頃、「僕は自分のベーシストと同じくらいの比重で作曲家であると考えている」と語ったことがある。この自負は、誠実な思いでもあった。

 

それは時々、編曲という形に表れ出ることがあった。いつ彼がクラシックを聴いていたのか、もしくはスコアを研究していたのかは定かではないが、１９８１年に発表されたセカンドソロアルバム『World Of Mouth』では、「半音階幻想曲（Chromatic Fantasy）」という曲が登場し、これはバッハの半音階幻想曲とフーガ（BMV903）の編曲あるいはオマージュである。他にもビートルズの「Blackbird」をアレンジしている。

 

一般的には、彼の演奏や作曲の中には、ファンク、R&Bの系譜とスタンダードジャズが含まれているが、それと同時並行して、クラシックの影響をジャズの中に織り交ぜようと試みていた。彼はジャレットと同じように、カウンターと伝統という対極の性質を持ちながらも、ほとんど同根にある二つの音楽ーージャズとクラシックーーの並列が可能であるかを見定めていた。

 

この曲は、最初はクラシックふうに聞こえるが、後半にはオーケストラの民族音楽へと変化していく。レスピーギやラヴェルが探求していた、エスニックとクラシックの融合である。これはプログレッシヴ・ロックと並行するようにして１９７０年代のフュージョンの時代の音楽という実感を抱く。

 

 

 

それだけではない。ジャコ・パストリアスはまるで彼自身のルーツや音楽的な原点を再訪するかのように、もうひとつカリブ海の沿岸地域の音楽をジャズの中に率先的に導入していた。キューバのようなカリブの音楽といえば、まずはじめにブエナ・ヴィスタ・ソシアル・クラブが思い浮かぶが、ジャコ・パストリアスの場合は、フリージャズのような刺激的なジャズの形式と融合させた。同じアルバムの「Crisis」のような楽曲に、その影響を発見することが可能である。

 

一時期、彼は、ショーバンドのメンバーとなったあと、観光船のバンドに入ったことがあった。そして、メキシコ、ジャマイカ、バハマ、ハイチなどを訪問し、多彩なラテン音楽を自分の音楽的な糧としていった。彼は、実際、これらの土地で現地のミュージシャンと親しくなり、ラテン音楽の手ほどきを受けた。「音楽的な仕事はしなかったけど、かなり勉強になった」というジャコ・パストリアスの言葉には、表面的なもの以上の奥深い意味が含まれている。未発表の作品やライブ盤を除いて、わずか二作のスタジオ・アルバムしか録音しなかったジャコ・パストリアス。以降の時代を生きていれば、もちろん、ECMの録音を遺しただろうし、ラテン音楽の世界的な普及にも努めたに違いない。少なくとも、そういった心残りを補うために、上記の二作のアルバムは存在する。いや、それ以上の価値があるのではないだろうか。