MUSIC TRIBUNE

ロンドンのロック/フォークバンド、Daughterが、ミドルファームスタジオで収録されたライヴパフォーマンスの音源を収録したデジタルEP『Middle Farm Session』をリリースした。EPの収録曲のミュージックビデオが公開されています。下記よりご覧ください。（各種ストリーミングはこちらから）

このオリジナルライヴセッションのミニアルバムは、ドーターのメンバー、エレナ・トンラ、イゴール・ヘフェリ、レミ・アギレラのトリオが、『Stereo Mind Game』の収録曲の多くが録音されたイギリスのダートムーア近郊の”ミドルファームスタジオ”に戻り、シングル曲「Be On Your Way」、「Party」、「To Rage」を含む曲を演奏、それを録音した作品となっている。

7年ぶりのスタジオ・アルバム『Stereo Mind Game』は、2023年4月に4ADからリリースされた。ラフ・トレード・ショップの「アルバム・オブ・ザ・マンス」に選ばれた。このアルバムの発売を記念したライブセッション「Daughter's only live show to support Stereo Mind Game」は、インディー小売店のイースト・ロンドンの旗艦店で行われた。

3枚目のアルバムには、ロンドンのストリングスを中心とするオーケストラグループ「12 Ensemble」が伴奏を務めたシングル「Swim Back」、「Party」、「Be On Your Way」、さらにカルテットの伴奏による温かみのあるサウンドが自慢の「To Rage」が併録されている。

Daughterは従来、ダークな感情を載せてインディーフォーク/ロックソングを歌ってきた。他方、『Stereo Mind Game』は楽観的なアルバムと称される。アイヴォア・ノヴェロ賞にノミネートされたサウンドトラック『Music From Before The Storm（ミュージック・フロム・ビフォア・ザ・ストーム）』（2017年）から数年間、ドーターは当初のロンドンの拠点から離れて、アギレラはオレゴン州ポートランドに、ヘフェリはイギリスのブリストルに拠点を移した。

しかし、パンデミックによって悪化した物理的な距離にもかかわらず、ドーターは再び出会い、執筆を続けた。『Stereo Mind Game』の12曲には繋がりと断絶が浸透しており、愛する人や自分自身から文字通り、そして比喩的にも”離れることが何を意味するのか”に取り組んでいる。ヘフェリとトンラのプロデュースによる最新作『Stereo Mind Game』は、デヴォン、ブリストル、ロンドン（イギリス）、サンディエゴ（カリフォルニア州）、ポートランド（オレゴン州）、バンクーバー（ワシントン州）など、複数の場所で作曲・レコーディングされた。

「Live at Middle Farm Studios」　

メリーランド州ボルチモア出身のJPEGMAFIAは、ニューシングル「Protest The Cross」をリリースした。

これは、『I LAY DOWN MY LIFE FOR YOU』のDIRECTORS CUTがどのようなサウンドになるかの最初の試みになるようだ。

ペギーは自身のインスタグラムで、"2025年に期待してほしい。何が起こるかわからないよ"とコメント。「PROTECT THE CROSS」はハードなトラックで、彼の前作と似たようなサウンド。

過去のPeggyの曲と比べると、少しおとなしいと感じるかもしれない。しかし、それでも素晴らしいサウンド。リリックでは、アメリカの有権者へのジャブがあるだけでなく、ドレイクやフレディ・ギブスへのジャブもある。エミネムや白人のアンダーグラウンド・ラッパーも登場する。なんとなく、アーティストの理想的なラップ像というものがこの新曲から浮かび上がってくる。

JPEGMAFIAは、昨年の『I LAY DOWN MY LIFE FOR YOU』で『Scaring The Hoes』のリリース後のモチベーションを持続させたが、今年も12曲の新曲を収録したアルバムのデラックス・エディションでキャンペーンを継続する予定。そのうちのいくつかは、オリジナル・トラックリストにアルバム・セッションの曲を挿入したものであり、いくつかは2枚目のディスクにコンパイルされた新曲。ペギーはツイートで、このプロジェクトは来週リリースされる予定と述べている。

「I LAY DOWN MY LIFE FOR YOU (DIRECTOR'S CUT)」のトラックリストは未公開であるが、リードシングル「PROTECT THE CROSS」が公開された。ペギーは従来のように挑発的なフレーズを連発する。

「Fuck your writittеns, you bombin' like Charlie Hebdo」や「White bitches ain't vote for Kamala, they lied/ So I'm lying when I'm trying to get that in that box」といったフレーズ。

「PROTECT THE CROSS」

この曲は、アメリカ国旗を大きくあしらったカバーアートと、ペギーとローガン・フィールズが監督したミュージックビデオとセットになっている。元軍人で、アルバム『Veteran』でブレイクしたペギーは、この曲を "軍隊以来最もアメリカ的なもの "と呼ぶ。さらにペギーは、ツイートで、愛国的なイメージは、ドナルド・トランプを支持するものと解釈されるべきではないと述べた。「敏感な人たちがたわごとを言い始める前に、私はトランプを支持していないし、これまでも、そしてこれからも支持するつもりはない。彼らはただ怒って、でっち上げを始めるだけなのだから(笑)" 彼はまた、"PROTECT THE CROSS "の歌詞の解釈ガイドも投稿している。自分に対する誤解のほとんどは、何よりも"育った環境の違い "に基づいているかも知れない。

I notice some of you never know what the fuck I’m talking about. But most of your misunderstandings of me are more based on our “different upbringings” than anything else. so here is a guide to help “some of you” better understand my raps. pic.twitter.com/usvtrnu12p
— JPEGMAFIA (@jpegmafia) January 20, 2025

さらに、JPEGMAFIAはピッチフォーク系のメディアに対してソーシャルでこう発言している。「誰かピッチフォーク、GQ、アンナ・ウィンター、コンデ・ナスト・メディアに私の報道をやめるように言ってくれませんか？　私はあなたのプロモーションを望んでいませんし、必要としません。私のことを話すのをやめ、サイトから私のアートをすべて削除してほしい。2025年には絶対に誰もピッチフォークを必要としません。あなたの厄介なヒップスターの口から私の名前を出してください」

過去、ペギーはピッチフォークのシカゴフェスティバルで2回演奏しています。2019年、そして最近では2023年に出演している。

彼のアルバムは全般的にピッチフォークから肯定的な評価を受けているものの、2024年のアルバム「I LAY DOWN MY LIFE FOR YOU」で6.9点を獲得している。

Can someone tell pitchfork, gq, anna wintor, conde nast media to stop reporting on me? i do not want or need your promo. stop speaking about me and remove my art from your site all together Absolutely noone needs pitchfork in 2025. Keep my name out your nasty hipster mouths.
— JPEGMAFIA (@jpegmafia) January 21, 2025

Lambrini Girls 『Who Let The Dogs Out』

Label: City Slang

Release: 2025年1月10日

Listen/Download

Review

ブライトンのノイズパンクデュオ、ランブリーニ・ガールズのデビュー・アルバム『Whor Let The Dog Out』は年明け早々、痛撃だったと言える。デビュー・アルバムらしからぬ完成度、あるいはデビューアルバムらしい初期衝動を収めこんだ正真正銘のハードコア・パンクアルバムとなっている。ランブリーニ・ガールズこと、フィービー（ボーカル）、リリー（ベース）は、Banksyという謎めいたドラマーとレコーディングに挑んでいる。ランブリーニ・ガールズはライオット・ガールパンクの先駆者的な存在、Bikini Kllを聴いて大きな触発を受けたという。そして、彼女たちもまた次世代のライオット・ガールのアティテュードを受け継いでいるのは間違いない。

プレスリリースでは、すでに家父長制度や女性に対する性的搾取など、現代の社会が抱える病理のようなものに対し唾を吐きかける。吐きかけるというのは、実際的に、ランブリーニ・ガールズのボーカル（実際にはスポークンワードとスクリームによる咆哮）にはっきりと乗り移り、すさまじい嵐のようなハードコアサウンドが疾駆する。実際的には、ランブリーニガールズのパンクは、現在のポスト・パンクの影響がないとも言いがたいが、Gorlilla Biscuits、Agnostic Frontといったニューヨークのストレート・エッジがベースにありそうだ。ゴリゴリというべきか、無骨なパンクサウンドは、ベースとギターの唸るようなハイボルテージにより、地獄の底から業火が吹き上がるようなサウンドがオープナー「Bad Apples」から炸裂する。ランブリーニ・ガールズは実際的なサウンドにとどまらず、ウィットに富んだ表現を兼ね備えている。さらにタブーをタブとも思わない。続く「Company’s Culture」において悪しき企業文化（どのような国家にも存在する）をチクリとやり、オフィスで性的な視線を向ける男性社員をシニカルに描写し、アメリカンコミック的な雰囲気でやり込める。実際的に、バンドの二人はステージでセクハラを受けたこともあるというが、これらもまた人生から引き出された個性的なサウンドである。そしてヴォーカルのフレーズごとに抑揚を変化させ、怒りを巧みに表現する。

ランブリーニ・ガールズは、ウィットとユーモアも忘れていない。「Big Dick Energy」は、下卑た笑いを湧き起こすが、実際的に風刺的なシニカルさは乾いたような笑いを巻き起こす。しかしながら、両者は、パンクという枠組みの中で、空想や絵空事を描こうというのではない。実際的な恐怖や腐敗、退廃等を相手取り、それらに痛快な一撃をお見舞いする。それらはオールドスクール・ハードコアの領域に属した荒削りなパンクソングーーBad Brains、Gorlilla Biscuitsーーといった原初的なハードコアパンクのイディオムの中で繰り広げられる。そのサウンドは、Black Flagのようなカルフォルニアパンクの元祖から、ストレイトエッジの原点に迫る場合もあり、このジャンルの祖であるTeen Idlesのような衝動に任せたパンクソングが組み上がる。Bad Religionのように政治的でないがゆえ、むしろ直情的なパンクとも言える。しかし、曲の途中では、スポークンワードというよりも、ステートメントのように変わるのも面白い。フィービーはヴォーカルの性格を曲の途上でたえず変化させ、別人のように変わることもある。

パンクソングという側面から見ると、Bikini Killの系譜にある「No Homo」もかなり楽しめるはずだ。カルフォルニアパンクの文脈を受け継いだ上で、同じ海岸沿いという都市の性質を活かし、それを見事にブライトン一色に染め上げる。この曲では、彼女たちはパンクというよりも、それ以前のロックンロール性に照準を絞り、タイトなロックソングに昇華している。ギターのプレイに関しては、グレッグ・ギンの系譜にあり、スリーコード中心であるが、ザラザラとした音作り、分厚い音像を徹底的に突き出し、ライブサウンドに相応しいサウンドを創り出す。ライブアクトとして国内で旋風を巻き起こしているランブリーニガールズの象徴的なトラックと言える。中盤でも、モチベーションを保持しながら、バランスの取れたサウンドで勢いを維持している。特に、「You're Not From Around Here」はロックソングとして聴いてもかっこいいし、ライブでも映えるようなナンバーであると思う。ローファイの側面を強調した分厚いギターで始まり、ハイハットの裏拍の強調により、この曲は見事なほどまでにドライブ感を増す。さらに、それらのサウンドにフィービーのボーカルは引けを取らない迫力で聴覚を捉える。

全般的にはオールドスクールハードコアをベースにしたサウンドであるが、「Filthy Rich Nepo Boy」は、どちらかといえば、メタルをクロスオーバーさせたニュースクールハードコアに属する。基本的には、オールドスクールとニュースクールの相違点は、縦ノリか横ノリかという違い、もしくは観客のダンスという点でモッシュ的な動きか、腕を振り回しながら踊るという違いでしかないが、ここではカオティックハードコアの系譜を踏まえ、これらの二つの乗りを同期させ、曲の構成ごとに異なるビート感覚を組み上げる。これらはむしろ、ストップ＆ゴー（ブレイクを挟んで早いテンポに変わる）が満載だったストレイトエッジのサウンドの次世代の象徴とも成りうる。表面上はストレートで直情的なようでいて、入念にサウンドが作り込まれているのに驚き。さらに不協和音を生かしたギターはグレッグ・ギンに匹敵するかっこよさ。

ランブリーニ・ガールズにとって「ノイズ」というのは、この世に蔓延る仕来り、倫理観、常識といった道徳とは正反対にある概念に対する違和感である。それらが内側に蓄積され、そしてそれらが長いあいだ堆積を経たのち、怒りによってメラメラと燃えあがると、表面上にハードコア・パンクという形で現出することになる。ノイズ、軋轢、退廃、アナーキズムといったパンクの原初的なイデアを濾過し、現代的な感覚に置き替えたともいえるだろう。アルバムの終盤にも興味をひかれる曲が満載となっている。「Special Different」ではランブリーニ・ガールズが他の並み居るバンドとは一線を画すことを示し、最初期のデイヴ・ムスティンのようなスラッシーでメタリックなサウンドが炸裂。この瞬間、多くの現代のパンクバンドが見失いかけていた”重力”をランブリーニ・ガールズは手中に収めることになった。これらのヘヴィネスは、アルバムの終盤でも維持され、そしてやはり十分な勢いを保ったまま突き進んでいく。「Love」はニューメタルの代名詞的なトラックで、今後のランブリーニの布石となりそうだ。デュオは、ニューメタルの止まりかけた時計の針を一秒だけすすめ、去り際に痛烈なポストメタルソングをリスナーにお見舞いする。最後はエレクトロポップな感じでサラッと終わるのも◎。

８５/１００

Best Track　「You're Not From Around Here」

Interview: Kenji Kihara　　アンビエント制作について語る　　地域コミュニティへの還元を重視する姿勢


Kenji Kihara アーティスト様からのご提供

Kenji Kihara（木原健児）は、日本のエレクトロニックプロデューサー。現在、伊豆を拠点に活動しています。アンビエント、環境音楽、BGMの制作を得意とし、ソロ名義での電子音楽を中心に発表しています。『Hayama Ambient』、『Izu Ambient』、『Soothe & Sleep』を始めとする代表作を擁する。

また、ソロ活動の傍ら、宮内遊里との共同プロジェクト、”BGM LAB.”に取り組んでいます。このプロジェクトでは、よりBGMに重点を置いたサウンドを追求。その他、CM音楽や館内BGMなど、他の媒体に向けて音楽を制作している。

今回、アンビエント制作全般について、『Izu Ambient』を始めとするシリーズ、さらにフィールドレコーディングに関して、貴重なご意見を伺うことが出来ました。制作者は地域のコミュニティへの還元を重視し、従来のミュージシャンとは異なる概念を活動を通じて提示する。ミュージシャンが社会的にどのような存在であるべきか、彼は模範的な姿勢を示そうとしています。

ーーまずはじめに、アンビエントというジャンルに興味を持ったきっかけについて、お聞かせください。

キハラ・ケンジ: きっかけは定かではないのですが、しいて言うのであれば、「Mother2」の「eight melodies」という曲が私の中のアンビエント作品として今もベースになっている気がします。（正確にはアンビエントではないと思いますが......）あとは、Aphex Twinの『Ambient Works』にはとても影響を受けました。「アンビエント」という名前を意識したきっかけだったかもしれません。

ーー「Mother」シリーズ(編注1)は、高木正勝さんも影響を受けたそうなんですが、電子音楽を制作するためのヒントのようなものが何かあるのでしょうか。

キハラ・ケンジ: 今でも「Mother」の音楽は聴くのですが、なんでこんなにも魅力的なのかよく考えます。まだ、私の中では答えが出ていないですね。

ーー木原さんの作品の中には「Hayama Ambient」というシリーズがありますね。葉山は、三浦半島の風光明媚な美しい町ですが、この土地とのつながりについて教えていただければと思います。

キハラ・ケンジ: 結婚を機に葉山に住みはじめました。現在は伊豆に居を移しましたが、今でも時々訪れています。思い出も多くとても好きな町です。そこでフィールド・レコーディングをするのがライフワークのような形になりました。

ーー全般的な作風を見た上で、木原さんのアンビエントはヒーリング・ミュージックに近い音楽性を感じますが、こういった作風に至った経緯について教えていただけますか。

キハラ・ケンジ: アンビエント以外のジャンル全てにおいてですが、「穏やかで、心地よく、風通しの良い音楽」をコンセプトに楽曲を制作しています。心地よくいられる音楽を作っていたら、ヒーリングミュージックに近づいていったかもしれません。

ーー「ハヤマ・アンビエント」と合わせて「Soothe & Sleep」というシリーズにも取り組まれています。この作品のコンセプトや指針はどういった点にありますか。

キハラ・ケンジ: タイトルの通り、眠る時や心を落ち着かせる時のために使う音楽を目的に制作しています。例えば、Bandcampでは、30分ほどかけて、音をゆっくりと変化させる作りになっています。心の移り変わりを感じたり、ときには、睡眠導入の一助になればと思っています。

ーー楽曲の最初のインスピレーションはどこからやってきますか。制作がどのように始まり、完成に近づいていくのか、ぜひお聞きしたいです。

キハラ・ケンジ: 自然やその時の天気だったり、身の回りの環境からインスピレーションを得ます。その時々ですが、フィールドレコーディングの音や、そのときに爪弾いたキーボードだったりギターの音などを起点とすることが多いですね。

制作に向かう時の自分の中の状態や周りの環境にあわせて、たとえば、心をゆっくり落ち着けたい時は「SOOTHE & SLEEP」シリーズのような曲、晴れて気持ちの良い時、その逆に曇りが続いて憂鬱な気分を変えたい時は、異なるアプローチから始まります。そんな形でスケッチした曲が大量にあって、ふとした時に曲が完成します。

ーーフィールド・レコーディングを行うときの楽しみについてはどうですか？

キハラ・ケンジ: 音の風景を切り取っているという感覚でしょうか。その時々、その場所に実際にあったものや事柄に思いを馳せることができるといいますか………。人それぞれ、思い思いに聴くこともできますし、「記憶」に直結している感覚。そういうのがとても面白いですね。

ーー木原さんは、これまでに、ご自身のプロジェクトの作曲のほか、CM制作や館内BGMも手掛けていらっしゃいます。映像音楽や環境音楽を制作する上でどのような点を重視していますか？

キハラ・ケンジ: なるべく、こういう風に聴いて欲しい。といったような自分の想いは入れないよう心掛けています。

ーーほかにも、宮内優里さんとのプロジェクト「Music Lab」の活動に取り組んでいらっしゃいます。このプロジェクトを始めた理由は何でしょう？

キハラ・ケンジ: ”BGM LAB.”は、BGM（背景音楽）のための音楽研究室として2016年から活動しています。

日常のBGMが、いわゆる普段聴いているような「聴くため」の音楽ではなく、例えば、お香を焚き、その場の空間が少し変わるような、道具としての音楽をつくれたらということで始まりました。日常をより日常として充実させる手助けが出来る道具として、”BGM LAB.”はそんな音楽を目指しています。

ーー直近では「Izu Ambient(イズ・アンビエント)」もリリースされました。この曲には、波の音、鳥の声のフィールド・レコーディングが入っていて、かなり癒されました。この作品について、くわしく教えていただけますか。日本の名所シリーズは今後も続けていく感じでしょうか？

キハラ・ケンジ: フィールド・レコーディングは、特別ではない日々の営みの音を切り取る、そんな感覚が好きで日々の記録としておこなっています。（ちょっとした趣味みたいなものです）

私は、海や山といった自然に近い場所に住んでいるのですが、その自然やそこで暮らす生き物などの営みに日々インスピレーションを受けて楽曲制作することが多いです。そこから受けたものを、どうにかしてその「場所」にお返しできないか、音楽を通じて何かできないか......。ということを考えていました。

いわゆる”地産地消”(編注2)といったようなものを、自分の作った音楽で表現できたらと......。そのため、シリーズの売上はすべて、伊豆でスモールビジネスを営むお店や場所などで使用しています。そして、その場所で「イズ・アンビエント」を制作することによって循環が生まれたら良いなと思っています。

今後も同じような感覚で、訪れた先でのフィールド・レコーディングを通した作品を制作する予定です。

編注1 :「Mother」: 1989年に任天堂から発売された日本のゲーム。コピーライターの糸井重里さんがゲームデザインを手がけた。オリジナル・バージョンの音楽を担当したのは、鈴木慶一さん。「Mother 2」は1994年に発売された。音楽は''たなかひろかず''さんが手掛けた。たなかさんは、その他にも、アーケード版「ドンキーコング」、「マリオブラザーズ」の音楽を手掛けている。

編注2: 地産地消: 地域生産・地域消費の略語で、地域で生産された様々な生産物や資源をその地域で消費すること。

・Bandcampのサブスクリプションはこちらから登録出来ます。ぜひアーティストの活動をご支援ください。

Sophie Jamieson（ソフィー・ジェイミソン）のニューアルバムに添えられている写真には、動きの感覚がある。風雨に揉まれ、他の人々によって翻弄され、固い場所に着地することはない。レコードの内ジャケットには、二重露光の写真に写った彼女が写されている。これは単なる写真かもしれないけれど、彼女のアルバムのより深い部分のメタファーでもある。不安感や根付かない感覚をとらえようとしているのかもしれない。どこかに憧れながらも、完全には辿り着けないというような。

ベラ・ユニオンからリリースされる彼女の2枚目のアルバム『I still want to share』は、愛すること、失うことの循環的な性質、人間関係から逃れられない不安、他人の中に居場所を見つけようと試みては失敗を繰り返す帰属などへの永遠の憧れについて、深く個人的な考察を提示している。

ソフィーのデビューアルバム『Choosing』が、自分自身全体から逃げることで膨らむ自己破壊的な衝動を探求しているとしたら、私はやはり、それに全力で向き合いながら、一曲一曲を通して強さを分かち合いたい。

スピリチュアライズドやマニック・ストリート・プリーチャーズなどの作品で知られ、ザ・ビートルズのバック・カタログのリマスターでも知られるグラミー賞受賞のGuy Massey(ガイ・マッセイ)がノース・ロンドンでプロデュースしたこのコラボレーションは、より探求的で、チョージングよりも遊び心があり、より豊かなパレットで細部まで表現されている。

ソフィー・ジェイミーソンのソングライティングとヴォーカルが持つ生々しい感情の全てに、新たなキャラクターが加わった。玩具のようにきらめくオムニコード、陰鬱なハルモニウムとサブベースのレイヤー、そしてジョセフィン・スティーヴンソン（Daughter）の提供による豊かなストリングス・アレンジが、レコードの鼓動の中心を通して憧れの感情のつながりを紡ぎ出す。

「私たちは、とてもとても私らしいと感じられるものを作ったけれど、たくさんの異なるサウンドの風味もあるの」とソフィーは説明する。

「温かみのある秋の色もたくさんあるし、キラキラした暗い星空もある。このような形で表現する必要があったとは……。自分でも知らなかったことを表現するため、すべてがひとつになったわ」

アルバムは静寂の中で幕を開け、陰鬱な「Camera」は最初の1分ほどで穏やかに焦点が定まり、ギターが盛り上がり、ドラムビートがシャッフルされる。リード・シングルの「I don't know what to save（何を救えばいいのかわからない）」は、より軽快に感じられる。「この曲は、自由を求めて走り出した曲なの」とソフィーは説明する。

「ある人への執着と、その人にまつわるすべての痛みの重みを抱えていた。それは手放すことへの大きな後押しだった」

ソフィーは「愛」という言葉の巨大さを取り上げ、そのミステリアスなヴェールを剥がしていく。愛することはしばしば支配や欲求のように感じられること、愛されることは自分自身と向き合わなければならないときには耐え難いことであること。シンプルで純粋な、不安のない愛は、分かち合い、寛大さ、ゆとりのように見える。

「このアルバムを支えているのは、シンプルに愛というより、むしろ''愛着''という考え方だと思う」と彼女は説明する。「臨床的でロマンチックでない性質、醜い性質、そして人間的な性質」

タイトル・トラックは、陰鬱なアレンジの中に子供の欲望が透けて見える。「争う必要のない絆の魔法／耳には耳を、目には目を／これが私のものであることが幸運なのだと思う／それでも時々分かち合いたい」

ソフトで、純粋で、シンプルな愛がそこにあるという抑えきれない希望が、このレコードを引っ張り、すべてが崩壊する危険性が常にあるにもかかわらず、私たちを再び愛へと引き戻す力となっている。

私たちが自分自身に何を求め、愛する人たちに何を求めるかという点で、完璧さや確かな答えを求める無益な欲望を浄化するものとして本作を分かち合いたい。全体を通して問いかけられるのは、根源的なレベルで痛みを伴うもので、答えについては風に流されるだけである。結局、エンディング・トラックで歌われるように、「時はあなたを後ろへ引っ張り、あなたの年齢の下へ深く潜り込ませる」それでもなお、私たちは愛を求め、それを分かち合いたい。-Bella Union

Sophie Jamieson 『I still want to share』- Bella Union

”ソングライター”というのは、日々の人間的な成長に合わせて、音楽的なテーマを変え、その時々に相応しい歌い方を見つける人々のことを言う。

それを見て、「あの人は変わった」という。しかしながら、こういったアーティスティックな表現者に類する人々は、器用であるから、そうするのではなく、むしろ自身のうちに少しだけ不器用な部分が残されているから、そうするのである。わからないことがあるから歌う。未知や謎が目の前に立ちはだかるから曲を制作する必要がある。すべてがわかるからではなく、わからないことを解き明かすために音楽がひとつの媒体となり、動脈ともなりえる。そういった姿勢やスタンスは、間違いなく、良質な音楽を制作するためのヒントとなり、また大きな糧ともなりえる。

まさしく、ロンドンを拠点に活動するソフィー・ジェイミーソンは、昨年末のローラ・マーリングと同様に、人間的な成長をシンプルに織り交ぜ、美しいポピュラー、フォーク・ソング集を書き上げることに成功した。音楽的になにかが大きく変わったわけではない。しかし、内的な成長が表面的な音楽を変化させたのである。

2022年の『Choosing』において、ソフィー・ジェイミーソンは解き明かし難い主題を据え、内的な痛みを織り交ぜた。自己破壊の苦しいどん底、そしてそこから見えるかすかな希望の光への旅を描いたどこまでも純粋なパーソナル・ドキュメントを作り上げた。しかし、もし、続編にアーティスト自身が語るような優しいまなざし、慈しみが音楽の最果てにほの見えるとあらば、それはアーティストが掲げる愛着の精神がリスナーのもとに届いたということになるだろう。

ソフィー・ジェイミーソンは、今回のアルバムにおいて、歌手としてシャロン・ヴァン・エッテンのポスト的な立場を選んだ。インディーロックから影響を受けたクランチなギター、オペラ風の歌唱法等、シャロン・ヴァン・エッテンのテイストが全編に満ち渡っているが、単なるフォロワーにとどまらないことは、最新作『I Still Want To Share』を聴くと、明らかでないだろうか。そして、ジェイミーソンの音楽性が全般的なフォークソングをベースにしているとはいえ、アメリカの民謡とは明らかに異なることは本作を聞けば明らかとなる。最近、私自身もわかってきたのは、ウェールズ、アイルランド、スコットランドといった地方、いわゆる古イングランドの地域には、なにかしら深い音楽的な魅力がその土地の底に眠っている。ソフィー・ジェイミーソンは、それを探りあてるべく、ギターを中心とした音楽に多彩な歌唱法を披露する。

アルバムは、「1-Camera」の優しげなギターの弾き語りで始まり、心地よいリズムとアルペジオという枠組みが形づくられるが、一方、歌手のボーカルはその枠組から離れ、雄大な印象を持つ。スタジオの中の音楽というよりも、アルバムのアートワークとリンクするような感じで、小さな空間を飛び出し、羽ばたいていく。そして、ミドルボイスを中心に、ファルセットを含めたハミングがギターと調和するように、しだいに大きな音楽的な空間をゆっくりと作り上げていく。それをより華やかにするのが、今作の編曲において重要な役割を果たす弦楽器の重奏である。前作におけるオーケストラ音楽へのアプローチはより、今作において洗練され、磨きがかけられた。これはビートルズの音楽をよく知るガイ・マッセイ氏の大きな功績でもある。

ソフィー・ジェイミーソンのアルバムは、ギミック的な演出により、人を驚かせたりすることはない。バーバンクサウンドと同じように、まず曲があり、編曲が続き、最終的にマスターがある、という音楽の基本的な段階を踏まえながら、丹念に録音作品が作り上げられていった形跡がある。それはデジタルサウンド主流の時代にあって、むしろ手作りのサウンドのような印象を覚えることもある。

「2-Vista」も同じように、エレクトリック・ギターのアルペジオの艶やかさなサウンドに、ミステリアスな印象を持つジェイミーソンのボーカルが続いている。ジャズのスケールを踏まえたギターに、ボーカル、コーラス、クレスタといった要素がミルフィールのように折り重なり、イントロで感じられた神秘性がより深い領域へと差し掛かる。冒頭から音楽的な世界が見事に作り上げられ、さながら奥深い森のむこうを探索するような神秘的な情景が描かれる。前作よりも遥かに音楽的なイディオムに磨きがかけられたことがよく分かる。

「3-i don't know what to save」は、大まかには3つの構成を持つポピュラーソングだ。歌手の歌の実力がいかんなく示され、伸びやかで美しいビブラートが際立っている。ここでは何を救ったら良いのかわからないと歌手は嘆く。けれども、もし、この歌声と温和なサウンド、そして美しいオーケストラ・ストリングスに聞き惚れる人々がいれば、それはそのまま、誰かを救ったという意味に変わる。その人の他にはない個性や能力が、人々に勇気や元気、そして希望を与えた瞬間でもある。静かなイントロから中盤、そして終盤にかけた曲のアイディアの種が芽吹き、さらに、大きな美しい花を咲かせるように、美しい音楽の成長の過程を味わうことが出来る。アルバムの序盤のハイライトのひとつで、本作は、この曲でひとまず大きな要所を迎える。

「 i don't know what to save」

対象的に、静かな弾き語りのポピュラーソング「4-Baby」から、このアルバムの愛着というテーマがより深い領域へと達する。親しみやすいポピュラーソングのメロディーに、ときどき内的な心情のゆらめきを表現するかのように、長調と短調の分散和音を交互に配置させながら、琴線に触れるような切ない叙情的な旋律進行を生み出していく。そして、その内的な波のゆらめきは、むしろそのありかを探せば探すほど、奥深い霧に覆われるかのように見えづらくなり、その正体が掴みがたくなる。さらに、もうひとつ注目すべきは、ジェイミーソンのボーカル/コーラスのコントラストが、まるで内的な会話のようでもあり、そして、もうひとつの自分の得難い姿に戸惑うかのようでもある。しかし、二つに分離したシンガーはいくつかの悩ましき変遷をたどりながら、なにかひとつの終着点にむけてひとつに重なりあうような感覚がある。

「５-Welcome」は同じようなタイプに位置付けられる。これまたシャロン・ヴァン・エッテンのソングライティングに近く、外側には現れ出ない内的な感情の揺らめきをミステリアスなテイストを持つポピュラーソングに昇華させている。しかし、ガイ・マッセイによるミックス/マスターの性質が色濃く立ち現れ、クレスタ、もしくは、オムニコードのようなシンセの対旋律的な配置、部分的な逆再生による音の印象の変化を駆使して、音の印象に劇的な変化を及ぼしている。そして、この曲はギター（トレモロ）のダイナミックスを段階的に引き上げていき、全体的になだらかな丘のような起伏を設け、曲の後半部に強固な印象を持つハイライトをつくりだす。

こういったサウンドは、ヴァン・エッテンにとどまらず、ベス・ギボンズの復帰作と同じように、暗鬱さと明るさの間を揺らめく抽象的なポピュラーソングの領域に属している。そして、表向きには現れないが、ウェールズ、スコットランド、アイルランド地方のフォーク・ソングや民謡の原始的な音楽がこれらのポピュラーソングの背後に揺らめいているという気がする。結局、これこそが、アメリカとイギリスのフォークを別け隔てるなにかである。それが原初的な古イングランドのカントリーの雰囲気と混ざりあい、「6-Highway」に繋がる。アルバムの序盤から一貫して示唆されるエレクトリックギターのクリーントーン（おそらく、Rolandのようなアンプ）から作り出されるサウンドは、一般的なポピュラーソングのギミック的な演出とは程遠く、素朴な落ち着きがあり、普遍的な響きが込められている。アコースティックギターではなく、エレクトリックによるいつまでも聞いていられるようなソフトなアルペジオが、ソフィー・ジェイミーソンのボーカルと混ざり合っていることはいうまでもない。これらのサウンドは、プロデュースの意向とも相まってか、ジャズに近いニュアンスを併せ持つこともある。

前の曲では、旋律やダイナミックスともに要所を迎え、その後、アウトロで静けさに帰る。もはや、この段階に来て、このアルバムが即効的な意味を求めて制作されたものではないことは明らか。そして一貫して、ギミック的なサウンド、エポックメイキングなサウンドを避けて、素朴なフォークソングをもとに、聴けば聴くほど深みが出てきそうな曲を収めている。これらは、70年代のフォークやポピュラーのように、レコード生産が単なる消費のためのものではなかった時代の幻影をなんとなく脳裏に蘇らせる。文化的な役割を持つ音楽を制作しようという心意気については、一定数の本当の音楽ファンの心にも何かしら響くものがあるかもしれない。もちろん、すでに前半部から中盤にかけて示唆されてきたことだが、ジェイミーソンの音楽は、名誉心やインフルエンサー的な欲望とは程遠い。それがゆえ、なにかしばらく忘れ去られていた音楽そのものの安心感であったり、素朴さの一端を思い出すことも出来るかもしれない。

ソフィー・ジェイミーソンは、このアルバムで愛着というテーマを中心に、自分の人生から滲み出てくる感覚を音楽によって表現しようと試みている。それがシャロン・ヴァン・エッテン、ギボンズの系譜にある音楽のスタイルを受け継いでいるにせよ、単なる模倣的な音楽にならない要因である。人生は、その人のものでしかありえず、他の誰のものではない。もちろん、他の誰かになることは出来ないし、他の誰かになってもらうことも不可能である。ある意味では、前作から探求してきたテーマ（音楽的なものにせよ、人生的なものにせよ）は、続くタイトル曲で、一つの分岐点や重要なポイントを迎えようとしている。彼女は、明るい感覚を世界に向けて共有しようとしている。それは少なくとも、妬みや顰み、羨みといったこの世に蔓延る閉鎖的な感覚ではない。その音楽が開けていて、本当の意味における自由があるからこそ、なにか心に響くものがあるというか、その音楽が耳に残ったり、心地よさを覚えるのだろう。もちろん、それはたぶん、歌手としての人生に大きな自負を持っているからなのかもしれない。

アルバムの終盤でも心地よいフォーク/ポピュラーが続いている。「8-How do you want to be loved」では、シャロン・ヴァン・エッテンのタイプの楽曲で、繊細さと勇壮さを併せ持つ。オムニコードの使用は、この曲にちょっとした親しみやすさとユーモアを添えている。また、ヴェルヴェットアンダーグラウンドの「Sunday Morning」でも使用されるクレスタ（グリッサンド）の響きがこの曲に可愛らしさと古典的な風味を添えている。さらに、プロデュースの側面でも、キラリと光るものがあり、音形をモーフィングさせ、独特な波形を作り出しているのに注目したい。特にアルバムの終盤でも素晴らしい曲があるので、ぜひ聞き逃さないでいただきたい。

「9- Your love is a mirror」では、一貫したスタイル、サイレンスからダイナミックなエンディングが暗示され、ボーカル/コーラス、クリーントーンのギターに美しい室内楽風の弦楽器の合奏が加わっている。特に、チェロ/バイオリン（ヴィオラ）がハーモニクスを形成する瞬間は息を飲むような美しさがあるし、鼻声のミドルボイスとコーラスワークには心を震わせるようななにかが込められている。まるでウィリアム・フォークナーのように、内的な感覚の流れは一連なりの川の導きのように繋がっていき、そして、本格派のポピュラー歌手としての崇高な領域へと到達する。

続いて収録されている「10- I'd Take You」は、落ち着いたリゾート気分に充ちた一曲で心を和ませる。ボサノヴァ、ブラジル音楽、ハワイアン、そういった音楽を巧みに吸収している。日曜の午後のティータイムのひとときを優雅に、そして安らかにしてくれることはほとんど間違いない。最後の曲はどのようになっているのか、それは実際にアルバムを聞いて確認していただきたい。

ソフィー・ジェイミーソンのアルバムを聞いて安らぎを覚えたのは、音楽を単なる消費のためとしてみなさず、敬愛すべきもの、美しきもの、慈しむべきものという考えを持った人々も存在することが確認出来たからである。大きなヒットは望めないかもしれないが、少なくとも、純粋な音楽ファンであれば、こういったアルバムを素通りするのは惜しいことではないだろうか。

８６/１００

Best Track 「Your love is a mirror」

本日、ロンドンのペッカム生まれの錬金術師Sam Akpro(サム・アクプロ)が、デビューアルバム『evenfall』を発表した。本作は3月28日にAntiからリリース。

先にリリースされたシングル「Chicago Town 」と"BBC 6 Music A-List"の定番曲「Death By Entertainment 」を含む10曲からなる『evenfall』は、ムードと雰囲気に溢れ、サウス・ロンドン・ノワールの流れるようなタペストリーのような、鋸歯状でありながら夢のような、サイケデリックでありながら意図に満ちた、没入感のある音の世界を作り上げている。

今日、アルバムのニュースと同時に発表されたリードシングルでタイトル曲の「Evenfall」は、アクプロの大作の核心にある壮大な世界観の構築と聴感上のケミストリーの完璧な例である。

シューゲイザー調のギター、執拗なビート、アクプロの探るようなヴォーカルが融合したこの曲は、今後何年も夜行バスのヘッドフォンの定番となるにふさわしい。彼はこの曲を、「時間の前後空間のどこかに存在する、瞬間が過ぎ去り、まだ出来事が起こっていない場所」と表現している。

「Evenfall」には、以前MVAにノミネートされた「Death By Entertainment」のビデオでアクプロと組んだペドロ・タカハシが監督した素晴らしいイントロダクション映像が付属しており、アルバム全体の薄暗い都心のサウンドスケープを完璧に演出している。

このビデオは、眠らない大都市の早朝の孤独を呼び起こし、深夜の交通の流れが静まり返った地下道を駆け抜け、静寂と緊張がぶつかり合う情景を描いている。

ビデオについてペドロ・タカハシはこう語っている。「Evenfallは、サムと私がコラボレーションしてきたビデオの集大成です。テーマとしては、住みにくい街で消えていくことを表現しています。何百万人もいるこの街で個人をピックアップすれば、誰もが希望や恐れ、夢や失敗に満ちた、自分だけの壮大な内面的人生を持っていることがわかるということを表現しているんだ」

キャメロン・ジェイコブス（ギター）、ジョシュア・リー（ギター）、ルーク・チン＝ジョセフ（ベース）、カイル・クリエートン（ドラムス）、テイラー・デヴニー（サンプラー、鍵盤）という多面的なバックバンドをフィーチャーし、アクプロと度々コラボレートしているシュリンクが共同プロデュースした『Evenfall』は、あらゆるジャンルをその軌道に引き込んでいる。

「Death By Entertainment」のポストパンク調の即興性から、「Chicago Town」のウージーなスワガーとシャウト・アロング・コーラス、「City Sleeps」のダブ入りストンプからフューチャー・ピットスターター「Tunnel Vision」まで、これはアンビエンスが王となるジャンルレスな未来のための音楽だ。ソニック・ユースやJディラに影響を受けた『Evenfall』は、ロンドンのストリートでスケートをしながら育つ間に築かれた友情とコミュニティーの記録である。

近年、ロック、ジャズ、ダブ、レゲエからインスピレーションを得たEPやシングルを次々と発表し、高い評価を得ているアクプロは、ザ・ライン・オブ・ベスト・フィット、ザ・フェイダー、DIY、ザ・タイムズ、ソー・ヤング、NME、DMY、クラッシュ、ノーティオン、ワンダーランド、ザ・フェイスといったメディアから賞賛と支持を集めている。

一方、ラジオでは、BBC 6 Musicのメアリー・アン・ホッブスやBBC Radio 1のジャック・サンダースなど、UKの電波に乗る大物からサポートを受けている。ライブでは、アクプロと彼のバンドは、グリーン・マン、ピッチフォーク・パリ、アウトブレイク、レフト・オブ・ザ・ダイヤル、リーパーバーンなどのフェスティバルに出演し、親密でありながら煽情的なステージ・ショーで熱狂的な支持を集めている。

「Evenfall」

Sam Akpro 『Evenfall』

Label: Anti

Release:2025年3月２８日

Tracklist:

1. I Can’t See The Sun

2. Death By Entertainment

3. Chicago Town

4. Evenfall

5. Gone West

Side B

6. Tunnel Vision

7. Baka

8. City Sleeps

9. Cherry

10. Cornering Lights

Sam Akpro:

近年、ロック、ジャズ、ダブ、レゲエからインスピレーションを得たEPやシングルを次々と発表し、高い評価を得ているサム・アクプロは、ザ・ライン・オブ・ベスト・フィット、ザ・フェイダー、DIY、ザ・タイムズ、ソー・ヤング、NME、DMY、クラッシュ、ノーティオン、ワンダーランド、ザ・フェイスといったメディアから賞賛と支持を集めている。

一方、ラジオでは、BBC 6 Musicのメアリー・アン・ホッブスやBBC Radio 1のジャック・サンダースなど、UKの電波に乗る大物たちからサポートを受けている。ライブでは、アクプロと彼のバンドは、グリーン・マン、ピッチフォーク・パリ、アウトブレイク、レフト・オブ・ザ・ダイヤル、リーパーバーンなどのフェスティバルに出演し、親密でありながら煽情的なステージ・ショーで熱狂的な支持を集めている。

ルーシー・ダカス（Lucy Dacus）が次のアルバムのニュースを携えて戻ってきた。ソングライターは当初、ソロシンガーとして活動しており、2021年の『Home Video』のリリースで一躍有名になった。以降はボーイ・ジーニアスとして活動し、グラミー賞の主要部門を受賞している。

今回、ルーシー・ダカスは新たにゲフィンとの契約を発表し、新作アルバムのリリースを明らかにした。『Forever is a Feeling』は3月28日にリリースされる。この発表に伴い、

ミュージシャンは新曲「Limerence」と「Ankles」を公開した。また、ヴィジュアル・アーティストのウィル・セント・ジョンが手がけたアルバム・ジャケットとダカスの今後のツアー日程は下記より確認してほしい。

マタドールから最初の3枚のアルバムをリリースした後、フォーエヴァー・イズ・ア・フィーリングでメジャー・デビューを果たした。フィービー・ブリジャーズ、ジュリアン・ベイカー、ブレイク・ミルズ、バーティーズ・ストレンジ、マディソン・カニンガム、コリン・パストーレ、ジェイク・フィンチ、メリーナ・ドゥテルテらが参加している。

ダカスは2022年秋から2024年夏にかけてほとんどの曲を書いた。「私は感情で頭を蹴られた」と彼女は説明した。

「恋に落ち、恋に落ちる。そして、「何かを創造するためには、何かを破壊しなければならない。そして、私は本当に美しい人生を壊した」

「Ankles」

アルバムのタイトルについて、ダカスはこう語っている。「でも、私たちは一瞬に永遠を感じていると思う。永遠の中でどれだけの時間を過ごしたかはわからないけど、訪れたことはある」

フォーエヴァー・イズ・ア・フィーリング』を引っ提げたダカスのツアーは、4月16日にフィラデルフィアで幕を開け、5月14日のロサンゼルス公演で終了する。ミュージシャンはPLUS1と提携し、チケット1枚につき1ドルがロサンゼルスの山火事の被災者に寄付される。

「Limerence」

Lucy Dacus　『Forever is a Feeling』

Label: Geffen

Release: 2025年3月28日

Lucy Dacus 2025 Tour Dates:

Feb 18 – Brooklyn, NY – St. Ann & the Holy Trinity Church *

Feb 20 – Chicago, IL – The Murphy Auditorium at the Driehaus Museum *

Feb 22 – San Francisco, CA – Legion of Honor *

Feb 24 – Los Angeles, CA – Secret Location GBD *

Apr 16 – Philadelphia, PA – The Met #

Apr 18 – Washington, DC – The Anthem #

Apr 21 – Boston, MA – MGM Music Hall #

Apr 23 – New York, NY – Radio City Music Hall #

Apr 25 – Toronto, ON – Massey Hall #

Apr 29 – Nashville, TN – Ryman Auditorium #

May 01 – Chicago, IL – Chicago Theatre #

May 05 – St. Paul, MN – Palace Theatre #

May 07 – Kansas City, MI – Midland #

May 09 – Dallas, TX – Winspear Opera House #

May 10 – Austin, TX – Moody Amphitheatre #

May 12 – Denver, CO – Red Rocks Amphitheatre #

May 14 – Los Angeles, CA – The Greek Theatre #

* An Evening With Lucy Dacus

# with Katie Gavin and jasmine.4.t.

【Best New Tracks】 Kills Birds　「Madison」　~ロサンゼルスの新星によるメタリックなエモコアに注目~

本日、ロサンゼルスを拠点に活動するバンド、Kills Birds（キルズ・バーズ）がEP『Crave』を発表し、リードシングル「Madison」をリリースした。(ストリーミングはこちら)チューブアンプのギターの轟音が炸裂するニュースクール寄りのエモコアの激烈なナンバー。バンドとしての一体感も本当に素晴らしい。

全5曲入りのEP『Crave』は4月11日にラッキーナンバーからリリースされる。(プリセーブはこちら)2024年のシングル「Behind」も併録されている。

リードシングル「Madison」には、EPのカバーアーティスト、マイク・レイモンドによるシムズにインスパイアされたビジュアライザーが同時公開されている。

このニューシングル「Madison」について、バンドは次のように説明している。

『マディソン』のインスピレーションは、スレイ・ベルズとの北米ツアー中に生まれたんだ。サンフランシスコで演奏していた時、嵐で停電して地下の民宿に閉じ込められたんだ。雨が降りしきる中、メロディーとコードをスケッチし始めたんだ。陰鬱な天気と地下室は、ニーナとジェイコブの中西部で育った記憶を呼び起こし、深い郷愁を感じた。

そのノスタルジーがこの曲に吹き込まれた。リリックでは、大人になりかけの思春期というテーマを探求しており、ニーナの子供時代において、悲劇的な出来事が彼女の安全感と安らぎを破壊した重要な瞬間を浮き彫りにしている。バンドとしてアレンジを広げ、深めていくうちに、この曲が今度のEPの目玉のようなものになることは明らかだった。

アロン・コバヤシ・リッチ（Momma, Been Stellar）のプロデュースによる『Crave EP』は、2021年の2ndアルバム『Married』以来となるバンドの新曲で、ラッキー・ナンバーからのデビュー・リリースとなる。キルズ・バーズのラインナップは、ニーナ・ルジェティ（ヴォーカリスト）、ジェイコブ・ローブ（ギタリスト）、フィールダー・トーマス（ベーシスト）、そしてグリフ。

「Madison」

Perfume Genius（別名マイク・ハドレアス）は、3月28日にマタドール・レコードから7枚目のスタジオ・アルバム『Glory』をリリースすることを明らかにした。

プロデューサーのブレイク・ミルズと共作キーボーディストのアラン・ワイフェルスと再び仕事をした彼は、この最新作を「最も直接的な告白的作品」と表現し、このアルバムの中心的な葛藤を「内面と外面の往復」と位置づけている。

ギタリストのメグ・ダフィー（ハンド・ハビッツ）とグレッグ・ウルマン、ドラマーのティム・カーとジム・ケルトナー、ニュージーランドのシンガー・ソングライター、アルダス・ハーディング、ベーシストのパット・ケリーなど、バラエティに富んだミュージシャンと時間を共有している。

マイク・ハドレアスは、アルバムのリードシングルとして、私たちの期待を裏切らない一方で、アリゾナの夏の暑さで枯れてしまいそうな、息をのむほどウージーなポップ作品「It's A Mirror」を提供している。彼の歌声が数マイル上空に昇るのに十分なスペースがあり、音楽が小刻みに流れ落ちる。彼の曲の中でも最も親しみやすい曲のひとつであるが、感情的な弱さという生の核を保っている。ハドレアスは、「何もないときでも、私は圧倒されて目覚めるんだ」と言う。

その日の残りの時間は、家で一人で考え事をしている方が好きなんだ。でもどうして？ほとんど悪いことばかりだ。それも何十年も変わっていない。このような孤立したループにはまり込んでいるときに書いたのが、『It's a Mirror』だった。ドアを閉めたままにしておく練習をもっとたくさんしたんだ。

彼はまた、「It's a Mirror」のビデオも公開している。ビデオは、Too Brightのハイライト曲「Queen」のビデオでハドレアスと初めて仕事をしたコラボレーター、コディ・クリッチローが監督した。

「It's a Mirror」

Perfume Genius　『Glory』

Label: Matdor

Release: 2025年3月28日

Tracklist:

1.It's a Mirror
2.No Front Teeth
3.Clean Heart
4.Me & Angel
5.Left For Tomorrow
6.Full On
7.Capezio
8.Dion
9.In a Row
10.Hanging Out
11.Glory

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