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Maria Somerville(マリア・サマーヴィル)がニューシングル「Stonefly」をリリースした。この曲は次作アルバム「All My People」に収録される。(楽曲のストリーミングはこちら)
アイルランド人アーティストの2019年の壮大なアルバム『All My People」は、ドリーム・ポップと不透明なエレクトロニクスを融合させた彼女の頭脳的な創造性によって、夢遊病者のようなアトモスフェリックを見せつけた。4ADと契約したマリアのニューアルバム『Luster』は、4月25日にリリースされる
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ニューシングル「Stonefly」はアルバムからの3番目のプレビューであり、ひとときの休息を与えてくれる。ドリームポップの広がりのあるサウンドテクスチャーは甘美的な感覚を呼び覚ます。
マリア・サマーヴィルのスタンプが刻印された「Stonefly」には、ダニエル・スワン監督による雰囲気のあるミュージック・ビデオが添えられている。
「Stonefly」
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カーク・ハメットは、メタリカの次のアルバムのために767のリフを用意していることを明らかにし、ロックファンを驚かせている。
先日公開されたRolling Stone誌のポッドキャストで、彼はメタリカの次のアルバムに向けた作業について次のように語った。「次のアルバムのために767個の新しいリフを持っている。こんなことをやっているのは悪夢だよ。 そして、僕はその全ての責任者なんだけど、それができないんだ」
彼は、バンドが2023年のアルバムに続く作品に取り掛かるまでにはまだしばらくかかるだろうと付け加えた。
「72シーズンズ・ツアーがまだ終わっていないから、少なくともあと1年は次のアルバムに取り掛かることはないだろう。 あまり長くはないけど、少し休んで、すぐに再開するつもりだ」
しかしその間に、ファンは彼のソロ・デビュー作を期待することができる。 突然クラシックの進行を書いたり、突然ヘヴィなものを書いたり、突然ファンクのようなものを書いたりするんだ。
さらに、「今回はヴォーカルが入る予定なんだ。 ボーカルは誰がやるんだろう？ ステージでやることが多すぎるから」 彼の2022年のソロEP『Portals』は全曲インストゥルメンタルだった。
彼は具体的な1曲についてこう続けた。「 僕には『The Mysterion』という2,000年前のように聞こえるインストゥルメンタル曲がある。 この曲は、僕が読んできた古代ギリシアのテキストに基づくもので、もし僕がこれらの古代テキストを読み始めなかったら、このインストゥルメンタルを手にすることはなかっただろうから、僕にとっては驚きだよ」
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スーパーチャンクがニューシングル「Bruised Lung」をリリースした。「Misfits & Mistakes: Singles, B-sides & Strays 2007-2023』のリリース以来、2曲目の新曲となる「Bruised Lung」は、ロザリ・ミドルマンのギターソロがもたらす別世界のようなエネルギーに満ちた、筋肉質な名曲。(楽曲のストリーミングはこちら)
バンドはインディーロックの王道、教科書のようなサウンドを提示する。その中にはスーパーチャンクらしいホロリとさせるような穏和さと温かな雰囲気が漂っている。メロディーラインに関しては名曲「Driveway To Driveway』を彷彿とさせることに旧来のファンは気がつくかも知れない。
バンドのフロントマンのマック・マコーガンは「Bruised Lung」について次のように説明している。
「混乱して眠れず、その理由を説明できないことを歌った曲。 二日酔いのようだが、飲酒によるものではない。 (外見は普通だが）ロザリがスタジオに入り、ウージーなシュレッドと素晴らしいハーモニーを加えてくれた」
「Bruised Lung」
Superchunk Tour Date:
Sep 09 Washington, DC – Black Cat
Sep 10 Philadelphia, PA – Ardmore Music Hall
Sep 11 New York, NY – Bowery Ballroom
Sep 12 Boston, MA – The Crystal Ballroom
Sep 13 Portsmouth, NH – 3S Artspace
Sep 14 Woodstock, NY – Bearsville Theater
Sep 16 Pittsburgh, PA – Thunderbird Cafe & Music Hall
Sep 17 Cleveland, OH – Grog Shop
Sep 18 Kalamazoo, MI – Bell’s Eccentric Cafe
Oct 09 Pioneertown, CA – Pappy & Harriet’s
Oct 10 Las Vegas, NV – Best Friends Fest
Oct 13 Denver, CO – The Gothic Theatre
Oct 14 Salt Lake City, UT – Urban Lounge
Oct 15 Boise, ID – Shrine Social Club Ballroom
Oct 17 Seattle, WA – Tractor Tavern
Oct 18 Portland, OR – Mississippi Studios
Oct 19 Portland, OR – Mississippi Studios
Oct 21 San Francisco, CA – The Independent
Oct 23 Los Angeles, CA – Teragram Ballroom
先日開催されたバッハ・コンクール 2025は、13カ国から27人のピアニストが参加し、審査員と聴衆を魅了した。決勝の舞台となったライプツィヒ・ゲヴァントハウスで開催されたコンサートでは、ベスト3が対決した。コンクールは、21歳のチェコ人の演奏家ヤン・チェメイラが制した。
ヤン・チェメイラは優勝賞金20,000ユーロと史上初の聴衆賞2,000ユーロを獲得した。第2位もチェコの31歳のピアニスト、マレク・コザークに贈られた。第3位の5000ユーロはイスラエルのピアニスト、マリアムナ・シャーリングが受賞した。
各賞は、トマス・カントール（聖トーマス教会のカントル職）として27年間ライプツィヒで活躍したドイツの歴史的な作曲家ヨハン・セバスティアン・バッハの誕生日である3月21日に授与された。
セバスティアン・バッハの楽曲に加え、ドミトリー・ショスタコーヴィチの作品も、ライプツィヒの3つの評価ラウンドに参加した24人の参加者の必修プログラムの一部となった。50年前に亡くなったショスタコーヴィチは、1950年の第1回バッハ・コンクールの審査員だった。
ヨハン・セバスティアン・バッハ没後200年を記念して1950年に創設されたライプツィヒ・バッハ・コンクールは、2025年に75周年を迎える。
ドイツ分割後もしばらくの間、プレ選考会はドイツ全土で開催され、本選はライプツィヒで開催された。当時、審査員にはドミトリー・ショスタコーヴィチがいた。コンクールの雰囲気に触発されたショスタコーヴィチは、数年後、ピアノ部門の第1回優勝者であるタチアナ・ニコライエワに「24の前奏曲とフーガ」を献呈した。
現在、コンクールの形式は変わり、年に1度、単一部門で開催されるようになった。2025年、ピアノが王者となる。ライプツィヒでは、13カ国から27人の候補者が出場する。
決勝では、3人のファイナリストはそれぞれ、必修曲であるバッハの「半音階的幻想曲とフーガ ニ短調」と、好きな古典派、またはロマン派のピアノ協奏曲を演奏した。エンリコ・デランボイエ指揮MDR交響楽団の伴奏で実演を行った。
【ファイナリストと受賞者】
・ヤン・チェメイラ（チェコ共和国） - 第1位および聴衆賞 ★
演奏曲： ヨハン・ゼバスティアン・バッハ：半音階的幻想曲とフーガ ニ短調 BWV 903
F. メンデルスゾーン＝バルトルディ：ピアノ協奏曲第1番 ト短調 Op.25
・マレク・コザーク（チェコ共和国）-第2位
演奏曲： ヨハン・ゼバスティアン・バッハ：半音階的幻想曲とフーガ ニ短調 BWV 903
エドヴァルド・グリーグ：ピアノ協奏曲 イ短調 作品1
・マリアムナ・シャーリング（イスラエル） - 第3位
演奏曲： ヨハン・ゼバスティアン・バッハ：半音階的幻想曲とフーガ ニ短調 BWV 903
ロベルト・シューマン：ピアノ協奏曲 イ短調 作品54
【Jan Čmejla（ヤン・チェメイラ）】
ヤン・チェメイラ（21）はプラハ音楽院でエヴァ・ボグニョヴァーに師事し、その後マンハイムでヴォルフラム・シュミット・レオナルディに師事した。ボリス・ギルトブルク、ラン・ラン、ゴーティエ・カプソンのマスタークラスに参加。
エピーナル国際ピアノコンクール（2022年）、コンチェルティーノ・プラガ（2019年）、サンタ・チェチーリア・コンクール（2021年）で優勝。アメリカ、チェコ共和国、中国で演奏活動を行っている。
マレク・コザーク（31）はプラハ音楽アカデミーでイヴァン・クラーンスキーに師事。ブレーメン・ヨーロッパ・ピアノ・コンクール（2018年）とチューリッヒのジェザ・アンダ・コンクール（2021年）で優勝し、チェコ共和国、ドイツ、ポーランドで演奏活動を行っている。2024年にはプラハ放送交響楽団とチェコのピアノ協奏曲のCDを録音。
マリアムナ・シャーリング（23）は、モスクワのチャイコフスキー音楽院でチェコ・フィルハーモニー管弦楽団とともに学んだ。
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Bug Club(バグ・クラブ)がニューアルバム『Very Human Features』を発表しました。サブ・ポップから6月13日（金）に発売される。
ウェールズのカーディフにあるラット・トラップ・スタジオでトム・リーズがプロデュースとミックスを手がけ、マイキー・ヤングがマスタリングを担当した。
バグ・クラブは2025年のツアーで、『ヴェリー・ヒューマン・フィーチャーズ』からの曲と、サブ・ポップからリリースされた前作、2024年の『On the Intricate Inner Workings of the System by Means of Popular Music』、『On the Contemplation of Pretty Faces』、『Tinned Bubbles』、『Strife』からの曲、そして旧作を披露する予定。
バグ・クラブがガレージ・ロック・マーケットに再び登場し、またもや血統書付きのレコードを売り込んでいる。
第4弾『Very Human Features』は6月13日にリリースされ、初のサブ・ポップ・リリースとなった2024年の『On the Intricate Inner Workings of the System』に続いてのリリース。 バンドはBBC Radio 6との関係を続け、KEXPとのセッションのおかげで新たな関係を築き、NMEのページにも登場した。 ホームグラウンドであるGreen Man's Walled Gardenにも出演した。
このアルバムは、バンドが終わりのないツアーを続けるための口実となり、また、このバンドの絶え間ないレコード・リリースの連勝のおかげで熱狂し、期待に胸を膨らませているファンに、典型的な遊び心とリフ満載のスマートなバグ・クラブ・チューンの新作を聴かせることができる。
その前に、単体のシングルを。 "ウェールズに行ったことある？"とバンドは "Have U Ever Been 2 Wales "で尋ねている。 ないなら、なぜ？ いいじゃないか。 もしまだまともな調和のとれた国歌がなかったとしたら、新しい、不協和音の国歌。 ああ、国威発揚が頓珍漢の印以外の何かである国の出身であらんことを。
クラシカルなチャンタロングから始まり、彼らが歌い出す前にエイリアンの聖歌隊のような音で中断される。 観光局で働くダイナソーJr. そしてウェールズ語。 間違いなくウェールズ人だ。
「Have U Ever Been 2 Wales」
Bug Club 『Very Human Features』
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Label: SUB POP
Release： ２０２５年６月１３日
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グラミー賞シンガー、Miley Cyrus（マイリー・サイラス）が、コロムビア・レコードから5月30日にリリースされる次のアルバム『Something Beatutiful(サムシング・ビューティフル)』の発売日をついに明らかにした。
タイトルと発売日と共に、サイラスはアルバムのカバーアートも公開した。 このポートレートは、有名なファッションフォトグラファー、グレン・ルックフォードによって撮影されたもので、サイラスは1997年のティエリー・ミュグレーのアーカイブを身に着けている。
『サムシング・ビューティフル』は、サイラスの9枚目のスタジオ・アルバムとなり、2023年の『エンドレス・サマー・バケーション』に続いて2年ぶりとなる作品となる。 サイラスとショーン・エヴェレットがエグゼクティブ・プロデューサーを務めるこの新作には13曲が収録され、プレスリリースによると「ヴィジュアル・アルバム」となっている。
その "大胆な美学 "に関する更なる詳細は、サイラスが『サムシング・ビューティフル』からの追加楽曲やビジュアルをまだ共有していないため、不明のままだ。 知っているのは、サイラスのプロジェクトでの主なコラボレーターはプロデューサーのエヴェレット（『エンドレス・サマー・バケーション』も手がけた）であり、アルバムのために彼女が最も影響を受けたのは、ピンク・フロイドの『ザ・ウォール』と2018年のニコラス・ケイジの映画『マンディ』である。
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ロサンゼルスを拠点に活動する準地球系ダーク・エレクトロニック・ポップ・アーティスト、Naz Hejaz(ナズ・ヘジャズ)のデビュー・シングル「Incurable Dreams」を自主制作としてリリース。
中毒のサイクルを止めるのは、人生を台無しにするものへの魅惑的で密かな憧れだ。 あなたが決して手放すことのできない長い間失くした恋人のように、それはあなたの袖を引っ張り、あなたが屈服するまであなたの脳をかゆくさせる。 いわば "不治の病の夢 "だ。
この曲は、彼女がリリースを予定しているアルバム『Human Halfway House』からの最初の曲であり、悪徳、テクノロジー、そして人間の精神のゆっくりとした鎮静剤的劣化への映画的堕落である。 音楽はピンク・フロイド、ヴィンテージ・ディズニー、ディスコ、イタリアン・エロティカに影響を受けている。
自ら管理し、自らリリースし、自ら厳格な、準地球人アーティスト、ナズ・ヘジャズは、音楽とサイバーノーツの残骸の中から現れた。 テクノロジーの産物であると同時に、テクノロジーに静かに反旗を翻すナズ・ヘジャズは、デビュー・アルバム『ヒューマン・ハーフウェイ・ハウス』を制作した。
『ヒューマン・ハーフウェイ・ハウス』は、悪徳、テクノロジー、そして人間の精神のゆっくりとした鎮静剤のような堕落への映画のような堕落である。 3年の歳月をかけて制作されたこのデビュー・アルバムは、影響という安易な誘惑に抗い、完全にオリジナルなものを作り出そうと試みている。
ドライブするベースライン、妖しげなシンセ、ロボットのような声、そして容赦ないドラムが、催眠術のようでもあり不穏でもある音の世界でぶつかり合っている。
ヴィンテージ・ディズニーの不気味な気まぐれ、イタリアン・エロティカの耽美、ピンク・フロイドの実存的な壮大さと同様に、現代の混沌によって形作られたこの作品は、誘惑から消費、過剰摂取から解決という過剰のサイクルを描いている。 ヒューマン・ハーフウェイ・ハウス』は単なるアルバムではなく、耽溺の美しい残骸への誘いなのだ。
先行シングル "Incurable Dreams "は、中毒のサイクルや、人生を台無しにするものへの魅惑的で密かな憧れを詳細に描いている。 決して手放すことのできない長い間失くした恋人のように、依存症はあなたの袖を引っ張り、あなたが屈服するまで脳をかゆくさせる。 いわば「不治の夢」である。
Self managed, self released, and self exacting, quasi-terrestrial artist Naz Hejaz emerges from the debris of music and the cybernauts. As much a product of technology as in quiet revolt of it, Naz Hejaz created debut album Human Halfway House to capture the consequences of the code and the chaos defining the modern era and how our fragile humanity fits into it.
Human Halfway House is a cinematic descent into vice, technology, and the slow sedative degradation of the human spirit. Three years in the making, this debut album resists the easy lure of influence, attempting to forge something wholly original—where driving basslines, spectral synths, robotic voices, and relentless drums collide in a sonic world both hypnotic and unsettling.
Shaped as much by the chaos of the modern era as by the eerie whimsy of vintage Disney, the indulgence of Italian erotica, and the existential grandeur of Pink Floyd, it charts the cycle of excess: from temptation to consumption, overdose to resolution. Human Halfway House isn’t just an album—it’s an invitation into the beautiful wreckage of overindulgence.
Leading single "Incurable Dreams" details the cycle of addiction and the seductive and surreptitious longing for that which ruins your life. Like the long lost lover you could never quite relinquish, it tugs at your sleeve and itches your brain until you give in. An “Incurable Dream”, if you will.
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台湾期待のインディー・ポップ・バンド、緩緩（ホァンホァン、英語ではHuan Huan）がニューシングル「Words Unsaid」をリリースした。四人組にとって初のダンストラックとなる。このリリースと同時に、来日ツアーがアナウンスされた。ニューシングルの詳細と合わせてツアーの詳細を下記よりご覧ください。
2023年にリリースされた2ndアルバム『瀏海被風吹得整個飛起來（When The Wind Came Across）』から約1年半ぶりとなるニューシングル「心內話講袂出喙（Words Unsaid）」が発表される。
台湾語で綴られたこの楽曲は、心に深く刻まれた言葉があるものの、それを口にするのが難しい——そんな他人には理解しきれない感情を表現している。緩緩は、バンドサウンドと軽やかなアコースティックギターを基調としたダンス・トラックを選び、もともと悲しく憂鬱になりがちな感情を、あえて異なる視点から解釈。これにより、台湾音楽に新鮮な表情をもたらしている。
また、今回のシングルは、新たにプロデューサー陳硬核（Hardcore Chen）を迎えて制作。これまでとは異なり、緩緩にとって初の試みとなるダンス・ミュージックのスピード感に挑戦し、アレンジのハイライトとしてトランペットも加えている。
この楽曲は、東京の音楽フェス「SYNCHRONICITY'25」で初披露される予定であり、緩緩にとって2025年の活動の幕開けを飾る一曲となる。
・緩緩 Huan Huan （ホァンホァン）- 心內話講袂出喙（Words Unsaid）
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アーティスト：緩緩 Huan Huan （ホァンホァン）
タイトル：心內話講袂出喙（Words Unsaid）
リリース日：2025年4月1日
フォーマット：デジタル・ダウンロード／ストリーミング
レーベル：Lirico
楽曲のストリーミング/ダウンロードの予約 : https://lirico.lnk.to/DDIP-3109
＜緩緩（ホァン・ホァン）来日ツアー情報＞
SYNCHRONICITY’25に出演！
緩緩にとって東京では初ライヴとなります。下北沢mona recordsでの公演も急遽決定しました。
【東京公演】
■日時： 2025年4月9日（水） 開場 18:30 / 開演 19:00
■会場： 下北沢 mona records
■料金： 前売 3,000円 / 当日 3,500円（共に1ドリンク別途)
■出演：
・緩緩 Huan Huan
・大比良瑞希
・vitaruun
■詳細：https://www.mona-records.com/livespace/23206/
【フェスティヴァル出演】
＜SYNCHRONICITY’25 – 20th Anniversary!! –＞
■日時： 2025年4月12日（土）・13日（日） 開場 / 開演 13:00
■会場： Spotify O-EAST / Spotify O-WEST / Spotify O-nest / duo MUSIC EXCHANGE / clubasia / LOFT9 Shibuya / SHIBUYA CLUB QUATTRO / Veats Shibuya / WWW / WWWX / TOKIO TOKYO
＊緩緩 Huan Huanは4/12（土）15:05からTOKIO TOKYOでライヴを行います。
■詳細：https://synchronicity.tv/festival/
＜プロフィール＞
台北出身のインディー・ポップ・バンド。ヴォーカル／ギターでソングライターのココ・シャオを中心としたスリーピース。2017年にEP『緩緩』でデビュー。2020年、1stフル・アルバム『水可以去任何地方 Water Can Go Anywhere』をリリースした。2022年、EP『Blue Room Orange Man』をリリース。2023年10月、待望の2ndアルバム『When The Wind Came Across（瀏海被風吹得整個飛起來）』をリリース。
Coco Hsiao（蕭戎雯）：Vocals, Guitar
Myles Chang (張天偉) : Guitar
Stone Shih（石哲安） : Bass
Yi Jen Peng（彭一珍）: Drums
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『Observation of Transcendence』は、サンフランシスコを拠点とするアンビエント・ミュージック・プロジェクト、Celestial Trails(セレスティアル・トレイルズ)のセカンド・アルバム。 本作はアーティストが手がけるレーベル、Fluttery Recordsから5月2日にリリース。
広大な太平洋とその岸辺に広がる穏やかな風景にインスパイアされたこのアルバムは、海辺の晴れた穏やかな一日のエッセンスを捉えている。
このアルバムは、瑞々しいシンセサイザー、ドローン、繊細なハーモニック・プログレッションとフィールド・レコーディングを織り交ぜ、自然の静謐な美しさを呼び起こす。
「Rapture of Deep Blue」は、最初にレコーディングされた曲である。 ハワイの海辺で瞑想していたトルンは、突然多幸感の波に襲われ、まるで海そのものが歌っているかのような感覚に襲われた。 急いでサウンド・レコーダーのスイッチを入れ、メロディーを録音しようとしたが、彼の真の追求は単なる音を超えたところにあった。 彼は内なる声を求め、それを音楽に紡ぎたいと切望した。 何ヶ月もの間、彼は人間の声、シンセ、様々な楽器を使って実験を繰り返したが、彼が思い描いたエイリアンのようなサウンドを完全に再現することはできなかった。
「4ヶ月間、実験を繰り返した後、私はついに自分が望んでいたものに近づいた。 そのサウンドは、11のデジタル・エフェクトで処理されたクラシックの金管楽器、チューバという思いがけないソースから生まれた。 その音で、『Rapture of Deep Blue』の主要な構成を構成した」
その過程で、彼は多くの実験に失敗したが、その失敗のいくつかは魅力的な音の創造につながり、後に他の作曲に取り入れられた。 『Ripples in the Current』や『Peace』で聴くことができる奇妙でありながら落ち着きのある異質な音は、こうした実験の結果なんだ」と彼は説明する。
アナログ・シンセサイザーと様々な楽器を組み合わせ、リバーブ、ディレイ、ハーモナイズ、テープ操作、音の分解などの電子音響テクニックを駆使して、豊かで重層的なサウンドスケープを作り出している。
このアルバムではフィールド・レコーディングが重要な役割を果たしており、『Pacific in Tender Motion』、『Aeonian Waves』、『Peace』などのトラックで顕著に聴くことができる。
これらの録音は、モロベイ、サンフランシスコ／ベイエリア、サンタクルーズ、サンパブロ湾など、カリフォルニア州内のさまざまな場所で行われた。 もうひとつの重要な音源はハワイ諸島で、オアフ島、マウイ島、ハワイ島、カウアイ島で録音された。
ここ数年、Taner Torunは日本のアンビエント・ミュージックに没頭し、1980年代に登場した「環境音楽」からインスピレーションを得ている。
「環境音楽」と訳されるこのスタイルは、周囲の環境にシームレスに溶け込み、穏やかで控えめな雰囲気を作り出すようにデザインされている。 このアルバムは、吉村弘、小久保隆、細野晴臣、磯田健一郎など、このジャンルに影響を与えた人物に敬意を表している。
この『Observation of Transcendence』は、豊かなテクスチャーのサウンドスケープを通して、穏やかな波、そよ風、広大な太平洋とその周辺の生態系を体験するよう誘う。
Celestial Trails『Observation of Transcendence(超越の観察)』
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Label: Fluttery Records
Release: ２０２５年５月２日
Tracklist:
1. Rapture of Deep Blue
2. Pacific in Tender Motion
3. Aeonian Waves
4. Ripples in the Current
5. Peace
6. Beyond the Edge
7. Palm Cove
8. Drifting Emerald Shades
〜ジャズとモンゴル伝統音楽のエレガントな融合〜 ミュンヘンから登場するアートポップの期待の星
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夕暮れ時のほんの一瞬、空が鮮やかな琥珀色に染まる。ドラマチックな色彩の輝き、昼と夜の両方に属する瞬間。モンゴル生まれでミュンヘンを拠点に活動するシンガーソングライター、Enji（エンジ)のニューアルバム『Sonor』は、この鮮やかで儚い世界の中で作られました。
賞賛の嵐を浴びた前2作『Ursgal』（2021年）と『Ulaan』（2023年）に続く4thアルバム。本作は、エンジの個人的な進化と、モンゴルとドイツ、2つの世界の間で生きることに伴う複雑な感情の反映です。このアルバムのテーマ、文化の狭間にある居場所のない感覚を中心に展開されますが、それは対立の原因としてではなく、成長と自己発見のための空間です。彼女は伝統的なモンゴルのルーツとの距離が、いかに自身のアイデンティティを形成してきたか、そして故郷に戻ること、いかにこれらの変化への意識が高まったかを探求しています。
本作において、エンジンはアーティストとして進化を続け、サウンドはより流動的で親しみやすいものへと拡張しています。でもお馴染みの、共同作曲者でもあるポール・ブレンデル（ギター）、世界的に名高いジャズ・アーティストをバンドに迎え、ジャズ・スタンダード「オールドフォークス」を除いて全曲モンゴル語で歌われるなど、エンジの音楽的基盤は揺るぎないですが、メロディーとストーリーテリングに新たな明晰さを加えることで、より親しみやすい内容となっています。
それは単にスタイルの変化というだけでなく、彼女の歌声の深化を反映したもので、深みを失うことなくアクセシビリティを受け入れ、彼女の歌がより普遍的なレベルで共鳴することを可能にしています。
「Sonor』では、モンゴルの伝統的な歌「Eejiinhee Hairaar」（「母の愛をこめて」）に新たな命を吹き込みました。
日常生活に溶け込んだ音楽、何世代にもわたって受け継がれてきたメロディー、このイメージに本作の精神が凝縮されています。
エンジは単に伝統を再認識しているのではなく、故郷の感覚や遠くから見て初めてその意味がわかる小さな喜びを抽出しています。親が口ずさむ親しみのある歌のように、彼女の音楽は、ひとつの場所に縛られるのではなく、私たちを形作るや感情や記憶といった「帰属」の本質をとらえています。
エンジはリスナーの彼女の経験の風景を旅に誘い、文化の架け橋となり、変化を受け入れ、私たちの人生を定義する移り変わりの中に美を見出します。モンゴルとドイツ、伝統と革新の間を行き来し続ける彼女の音楽は、世界の、狭間で生きることの豊かな体験と、多面的なアイデンティティを受け入れることから生まれる芸術の証です。
「Ulber」
Enji 『ソノール（Sonor)』
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トラックリスト
1. Hungun
2. Ulbar
3. Ergelt
4. Unadag Dugui
5. Gerhol
6. Eejiinhee Hairaar
7. Zuirmegleh
8. Much
9. Neke
10. Old Folks
11. Bayar Tai
アーティスト：Enji（エンジ）
タイトル：ソノール（Sonor）
品番：AMIP-0376
価格：2,900円（税抜）/3,190円（税込）
発売日：2024年5月2日（金）
バーコード：4532813343761
フォーマット：国内流通盤CD
ジャンル：ワールド／ジャズ
レーベル：Squama
販売元：株式会社インパートメント
発売元：Squama
更なるリリース情報の詳細につきましてはインパートメントのサイトをご覧ください。
＜プロフィール＞
モンゴルの首都ウランバートルで生まれ育ったミュンヘンのシンガー・ソングライター、エンジのことエンクヤルガル・エルケムバヤル（Enkhjargal Erkhembayar）。労働者階級の末端娘としてユルト（遊牧民族の円形型移動テント）で育つ。両親からモンゴルの民謡や舞踊の伝統を学び、オルティンドーという、ホーミーと並び遊牧民族モンゴル人を代表する歌唱法を教わった。
もともと小学校の音楽教師という職業に満足していた彼女だったが、2014年にドイツ人ベーシストのマーティン・ツェンカーがゲーテ・インスティトゥートのファンドでモンゴルにジャズ教育プログラムを持ち込んだことをきっかけに、ミュージシャンとしての道を歩むことに。
2017年、伝説的なアメリカのドラマー、ビリー・ハート、ドイツのサックス奏者ヨハネス・エンダース、イギリスのピアニスト、ポール・カービー、そして彼女の指導者マーティン・ツェンカーとともに、モンゴルを代表する作曲家センビーン・ゴンチングソラー（センビインゴンチグスムラー（Gonchigsumlaa）の作品集『Mongolian Song』を録音。
その後、ドイツのミュンヘンへと移住し、2020年にミュンヘン音楽・舞台芸術大学のジャズヴォーカル修士課程を卒業した。新型コロナウイルスのパンデミックをきっかけにした深い自己内省をもとにした2ndアルバム『Ursugal』を2021年ミュンヘンのSquamaからリリースした。
▪次世代のポップスター、Cooper Phillip 「Last One」でポップ・ミュージックとカルチャーの境界を打ち破る
ロサンゼルスを拠点とする、クラシック音楽のレッスンを受けたミュージシャンであるCooper Phillip(クーパー・フィリップ)は、NYの摩天楼のような歌声と堂々としたハッスル＆アティテュードを持ち、ポップ・ミュージックとカルチャーの境界を打ち破る大胆で鈍感な存在である。
このアーティストの突出した個性は、彼女の高い声域と本能的な音楽的直感にマッチしている。 そのため、彼女は独自に話題を呼ぶ存在として頭角を現し、何百万ものストリーミングを記録、WONDERLAND.、American Songwriter、Earmilk、Hollywood Lifeなどから高い評価を得ている。
現在、クーパーは2024年の一連のシングルと、今後発表される多くの曲によって、かつてないほど世界的な舞台で彼女の声を増幅させようとしている。
「私は静かな変容の時を過ごしましたが、私は今、アーティストとしての本当の自分を知っています」と彼女は叫ぶ。 「私は正直な音楽の作り、重要なことについて話している」
子供の頃、彼女は地方都市サラトフを故郷としていた。 母親がクラシック・バイオリニストとしてツアーに出ていたため、クーパーは叔母と祖母に見守られて育った。 それでも、音楽に対する母親の情熱を自然に吸収していった。
クーパーは、早くからピアノとハープを習い、合唱団で声を磨いた。 チャイコフスキーやプッチーニの不朽の名曲と、マライア・キャリー、ホイットニー・ヒューストンに代表されるR&B界のスーパースターのアクロバティックな歌唱に、彼女はまるで世界を二分するかのように没頭した。
天才肌の彼女は、名門モスクワ国立クラシック・アカデミーに入学し、ピアノ、音楽理論、ハープ、ジャズ、ブルース、声楽、バレエを学び、修士号取得を目指した。
以降、友人に誘われてニューヨークに渡り、19歳の若さでビッグアップル（ニューヨーク）のシーンに身を投じることになった。 生き延びるため、地元のクラブから結婚式まで、歌えるところならどこでも歌った。 「サバイバル・モードで、ただハッスルし、学び、もがいていました」彼女は振り返る。
自分の技術に真摯に打ち込むことで未来を切り開くかのように、彼女はロサンゼルスでレコーディングする機会を得て、それから一度も西海岸を離れることはなかった。 シングルを1枚ずつ進化させ、インスタグラムで30万人以上のオーディエンスを獲得。 「Party By Myself」のSpotifyの全再生数は160万回を超え、続く 「Not Perfect」は56万1000回のストリーミングを記録した。
”WONDERLAND”は彼女にスポットライトを当て、「Head Over Heels」を "力強いトランペットときらびやかなシンセサイザーのフィール・グッド・パーティー "と称賛した。
”アメリカン・ソングライター”は、"リスナーをまるで別世界のような場所と時間に誘う "と約束した。 2022年の「Masterpiece」は、Digital High、Celeb Mix、The Fox Magazineから賞賛を浴び、"彼女の強烈なドライブ感、高鳴るボーカル、情熱的なソングライティングで、フィリップは彼女自身をジャンルのトップに押し上げている "と絶賛された。
現在、彼女は "Last One "をリリースしている。 この曲は、完全に生きること、一秒一秒を大切にすること、愛と気遣いをもって人生を受け入れることを思い出させてくれる。
私たちはしばしば、気が散ることにとらわれたり、ネガティブな感情にとらわれたり、自分のためにならないことにエネルギーを費やしたりしてしまう。 しかし、大局的に見れば、毎日が、創造し、愛し、成長し、周囲に喜びをもたらす機会なのだ」
クーパー・フィリップはまた、70カ国以上で5万人以上の歌手を指導してきた発声指導メソッド、バイオフォニックスの創始者でもある。
クーパーの音楽の根底にあるのは、高揚感と紛れもないメッセージだ。
"私はただ、この世界をより幸せにするためのアイデアをたくさん持っている自由な魂よ "と彼女は言い残す。 「私の音楽を聴いて、自己観察とパワーを持ち帰ってほしい。 自分の直感とハートに耳を傾けてほしい。 信じること、創造すること、幸せになること、そして自分で決断すること。 強くなることは可能だと教えてあげたい」
クーパーのコメント。
時間は最も貴重な贈り物でありながら、私たちが思っている以上に早く過ぎていく。 この "Last One "は、完全に生きること、一秒一秒を大切にすること、愛と気遣いをもって人生を受け入れることを思い出させてくれる。
私たちはしばしば、気が散ることに巻き込まれ、否定的な感情を抱いたり、自分のためにならないことにエネルギーを費やしてしまう。 しかし、大局的に見れば、毎日が創造し、愛し、成長し、周りの人々に喜びをもたらす機会なのだ。
クーパー・フィリップのエンパワーメント・アンセムはSpotifyやYouTubeで大流行し、現在までに1500万回以上のストリーミングを記録している。 彼女の音楽は、WONDERLAND、American Songwriter、Hollywood Lifeなどで賞賛されている。
ニューシングルは、西海岸と東海岸の都会的なイメージが彼女の持つ音楽的なセンスと融合し、 スタイリッシュでバンガー的なポップソングに仕上がっている。ポスト・ガガ的な存在として今後の活躍に注目したい。
「Last One」
A classically trained Los Angeles-based musician with a skyscraping voice and unapologetic hustle and attitude, Cooper Phillip asserts herself as a bold, blunt, and boundary-breaking force for pop music and culture. The artist’s outsized personality matches her towering vocal range and instinctual musical intuition. As such, she’s independently emerged as a buzzing presence on her own terms, tallying millions of streams and earning acclaim from the likes of WONDERLAND., American Songwriter, Earmilk, and Hollywood Life, to name a few.
Now, Cooper amplifies her voice on the global stage like never before with a series of 2024 singles and much more to come.
“I went through some quiet time of transformation, but I know who I truly am as an artist now,” she exclaims. “I’m making honest music and talking about things that matter.”
As a kid, she called the provincial city of Saratov home. With mom on tour as a classical violinist, Cooper grew up under the watch of her aunt and grandmother. Nevertheless, she naturally absorbed her mother’s passion for music. Early on, she picked up piano and harp in addition to honing her voice in choir. As if split between worlds, she immersed herself in the timeless compositions of Tchaikovsky and Puccini as well as the vocal acrobatics of R&B superstars a la Mariah Carey and Whitney Houston. A prodigy in her own right, she gained admission into the prestigious Moscow State Classical Academy, studying piano, music theory, harp, jazz, blues, voice, and ballet and working towards a Master’s Degree. Invited to New York City by some friends, she wound up cutting her teeth in the Big Apple scene at barely 19-years-old. In order to survive, shesang anywhere she could—from local clubs to weddings. “I was in survival mode, just hustling, learning, and struggling,” she recalls.
As if manifesting the future through a diligent commitment to her craft, she accepted an opportunity to record in Los Angeles and never left. Sheevolved one single at a time and gained palpable traction, building an audience of over 300K on Instagram. “Party By Myself” accumulated north of 1.6 million Spotify streams followed by “Not Perfect” with 561K Spotify streams. WONDERLAND spotlighted her and hailed “Head Over Heels” as “a feel-good party with empowering trumpets and glittering synths.” American Songwriter promised, “It entices the listener into an almost otherworldly place and time.” 2022’s “Masterpiece” attracted praise from Digital High, Celeb Mix, and The Fox Magazine who proclaimed, “With her intense drive, soaring vocals, and passionate songwriting, Phillip is elevating herself to the top of her genre.”
Now she has released "Last One", a song about how precious time is. She shares, "The song is a reminder to live fully, to cherish every second, and to embrace life with love and care. Too often, we get caught up in distractions, holding onto negativity or expending energy on things that don’t serve us. But in the grand scheme, every day is an opportunity—to create, to love, to grow, and to bring joy to those around us."
Cooper Phillip is also founder and creator of Biophonics, a vocal teaching method that has taught over 50,000 singers in over 70 countries.
In the end, Cooper transmits an uplifting and undeniable message at the heart of her music.
“I’m just a free soul with lots of ideas on how to make this world a happier place,” she leaves off. “When you listen to me, I hope you take away self-observation and power. I want you to know you can listen to your gut and your heart. Believe, create, be happy, and make your own decisions. I want to show you it’s possible to be strong.”
Her new single ”Last One" combines West Coast and East Coast urban imagery with her musical sensibilities to create a stylish banger of a pop song. It is sure to attract attention as a post-Gaga release.
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| Vijay Iyer |
2016年の『A Cosmic Rhythm With Each Stroke』に続く、ヴィジャイ・アイヤーとワダダ・レオ・スミスのECMへの2作目のデュオ形式のレコードとなる『Defiant Life』は、人間の条件についての深い瞑想であり、それが伴う苦難と回復の行為の両方を反映している。しかし同時に、このデュオのユニークな芸術的関係と、それが生み出す音楽表現の無限の形を証明するものでもある。ヴィジャイとワダダが音楽で出会うとき、彼らは同時に複数のレベルでつながるからだ。
「出会った瞬間から演奏する瞬間まで、私たちが一緒に過ごす時間は、世界の状況について話したり、解放の歴史を学んだり、読書や歴史的文献を共有したりすることに費やされることが多かった」
アイヤーは、ライナーノートの中で、彼とスミスとのそのような会話を長々と書き起こし、このアルバムにインスピレーションを与えた個々のテーマと、特に「反抗的」という言葉について、より詳しく明らかにしている。
ワダダの「Floating River Requiem」は1961年に暗殺されたコンゴの首相パトリス・ルムンバに、ヴィジャイの「Kite」は2023年にガザで殺害されたパレスチナの作家・詩人レファート・アラレアに捧げられたものだ。このような思考と考察の枠組みの中で、この作品は生まれた。
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| Wadada Leo Smith |
ヴィジャイとワダダはともにECMと幅広い歴史を共有しており、ワダダは1979年のリーダー作『Divine Love』で早くからこのレーベルに参加している。
さらにワダダは、ビル・フリゼルと共演したアンドリュー・シリルの『Lebroba』（2016年）や、1993年のソロ・アルバム『Kulture Jazz』にも参加している。スミスは過去のヒーローへのオマージュを捧げながらも、レトロな模倣に翻弄されることはない。(『ザ・ワイヤー』1993年)
ヴィジャイのECMでの活動は急速に拡大しており、リンダ・メイ・ハン・オー、タイショーン・ソーリーとの現在のトリオ（2021年『Uneasy』、2024年『Compassion』）、ステファン・クランプ、マーカス・ギルモアとの以前のトリオ（2015年『Break Stuff』）、そして好評を博したセクステット・プロジェクト『Far From Over』（2017年）などがある。
ピアニストは、2014年に弦楽四重奏、ピアノ、エレクトロニクスのための音楽で高い評価を得た録音『Mutations』をリリースし、ロスコー・ミッチェルの2010年のアルバム『Far Side』、すなわちクレイグ・タブーンとのデュオで『Transitory Poems』（2019年）に参加している。そのほかにも2014年にDVDとブルーレイでリリースされた、ヴィジャイと映像作家プラシャント・バルガヴァの鮮やかなマルチメディア・コラボレーション『Rites of Holi』も忘れてはならない。
「私たちは、それぞれの言語と素材を使って仕事をしている」とヴィジェイは広範なライナーノートに記しています。共同制作の必然性というのは、楽曲ごとに異なる形で体現される。「Sumud」では不吉なことを言い、「Floating River Requiem」では祝祭的なオーラを放ち、「Elegy」では疑念を抱きながらも明るい兆しが見える。そして終結の「行列」では破滅的に美しい。
ワダダ・レオ・スミスは、ヴィジャイとの親密さと、音楽を単純に 「出現 」させるという2人の共通の能力について尋ねられ、「ユニークなことのひとつは、自分たちが何かを修正すること（つまり、音楽を完全に事前に決定すること）を許さないこと。私はそういうふうに思う」と述べる。
ワシントン・ポスト紙は、このデュオの前作について、「スミスとアイヤーの演奏が見事に交錯している。 二人はテンポ、サステイン、音符やフレーズの思慮深い選択の感覚を共有している。 アイヤーとワダダが共有するディテールへの愛情と、慎重なセンテンスとやりとりを構築する忍耐は、展開される各構成を独自の音圏に変え、ヴィジャイの "Kite"では、フェンダー・ローズとトランペットの深い叙情性となだめるような相互作用に現れている」と評しています。
『Difiant Life(ディファイアント・ライフ)』の包括的な人生についての瞑想であるとするならば、実際に表現されているのはそのセンス・オブ・ワンダーである。スイス・ ルガーノで録音されたこのアルバムは、レーベルのオーナー、マンフレート・アイヒャーがプロデュースした。
Vijay Iyer / Wadada Leo Smith 『Difiant Life』- ECM
これが最後かもしれない。私たち（パレスチナ市民）は、それ（爆撃にさらされて無差別に殺されるようなこと）に値しません。
私は、アカデミックです。恐らく、私が家の中で持っている中で、一番強いものは、このマーカーです。
でも、もしイスラエル兵が家々をめぐって私たちを襲撃し虐殺することがあれば、私はイスラエル兵の顔をめがけて、このマーカーを投げつけるでしょう。
たとえそれが（人生の）最後に私ができることであろうとも。これが（ガザで無差別爆撃にさらされている）多くの人々の感じていることです。私たちに、失うものなんてありません。
ーパレスチナの作家・詩人リファアト・アルアリイールによる最後の声明
ニューヨークの鍵盤奏者、ヴィジャイ・アイヤー、ミシシッピのトランペット奏者のワダダ・レオ・スミスの共同制作によるアルバム『Difiant Life』は二人の音楽家が持ち寄った主題を重ね合わせ、アヴァンギャルドジャズの傑作を作り上げた。
ご存知の通り、現在のパレスチナとイスラエルの紛争は黙字録の象徴となっている。歴史はそれを「イスラエルとパレスチナによる衝突」と詳述するかもしれないが、これはイスラエル側による国際法の違反であるとともにパレスチナに対する民族浄化であるということを明言しておきたい。そして、もうひとつの東欧の火種、ウクライナとロシアの戦争についても同様であり、この二つの代理戦争は、離れた地域の国家、もしくはある種の権力を操る勢力が企図する''身代わりの戦争''である。これはある地域を欲得のため力づくで平定しようとする勢力の企みなのです。
パレスチナの作家リファアト・アルアリイールさんは、2023年のガザで空爆が続く中で死去した。彼の痛切な死から人類が学ぶべきことは何なのか？ その答えは今のところ簡単には出せませんが、少なくとも、アルアリイールさんは物語を作りつづけることの重要性を訴えかけていた。
それはなぜかというと、彼等は真実を伝えようとするが、いつも歴史は虚偽や嘘によって塗り固められていくからである。多くの歴史書、それは聖書のような書物であろうとも、体制側の都合の良いように書き換えられ改ざんされていく。これを未然に防ぐために、真実の物語を伝え続けることが大切なのだということを、リファアト・アルアリイールさんは仰っていたのです。
多くの人々は、フィクションや虚構を好む。ややもすると、それは現実から離れていればいるほど、一般的に支持されるし、なおかつ好まれやすいものです。それは現実を忘れられるし、そして現実をどこかに葬り去れるからである。しかし、扇動的な音楽、主題が欠落した音楽、真実から目を逸らさせるもの、これらは虚しさという退廃的な経路に繋がっていることに注意を払わなければいけません。そしてもし、音楽というメディアが、アイヤーさんのように、現実の物語を伝えることの後ろ盾になるのであれば、あるいはまた、もうひとりの演奏家レオ・スミスさんのように、コンゴのような一般的に知られていない国家の動向や現状を伝えるためのナラティヴな働きを成すとあらば、それほどまでに有益なことはこの世に存在しえないのです。
この両者のジャズによる真実の物語は、ピアノ、ローズ・ピアノ、そしてトランペット、アナログのシンセサイザー、そしてパーカッションによって繰り広げられる。つまり、音楽や演奏に拠る両者の対話によって繰り広げられる。作風としては、ファラオ・サンダースとフローティング・ポイントの変奏曲により作り上げられた『Promises』に近いが、ジャズとしての完成度はこちらの方がはるかに高い。複数の主題が的確な音楽的な表現によって描写され、息をつかせぬような緻密な構図に集約されているからである。
そして、モーツアルトの「幻想曲」、リストの「巡礼の年」、ドビュッシーの「イメージズ」、レスピーギの「ローマの松」、チャイコフスキーの「1812年」、リゲティの「アトモスフェール」など、古くから音楽という形態の重要な一部分を担う”描写音楽”というのが存在してきたが、『Difiant Life』は前衛的なジャズの形式による描写音楽とも言えるのではないでしょうか。
しかし、最大の問題や課題は、概念や感覚という目に映らない何かを形あるものとして顕現させることが困難を極めるということである。それは言い換えれば、伝えがたいものを伝えるという意味でもある。そういった本来は言語圏には属さない作品を制作するためには、音楽的な知識の豊富さ、実際的な高い演奏技術、それらを音符にまとめ上げるための高度な知性、さらには文化的な背景に培われた独自のセンス、これらのいかなる要素も欠かすことができません。
しかし、幸いにも、ヴィジャイ・アイヤー、ワダダ・レオ・スミスという、二人の稀有な音楽家（両者は実際的な演奏家だけではなく、作曲家としての性質を兼ね備えている）はその資質を持っている。つまり、音楽的に豊富な作品を作り上げるための素養を両者とも備えています。アルバムを聞くと、「ローマは一日にしてならず」という有名な言葉をありありと思い出させる。良質で素晴らしい音楽の背後には、気の遠くなるような長い時間が流れているのです。
２つのジャズ・プレイヤーの性質はどうか。ヴィジャイ・アイヤーは、古典的なものから現代的なものに至るまで、幅広いジャズのパッセージを華麗に演奏する音楽家であるが、同時に、オリヴィエ・メシアン、武満徹、細川俊夫といった現代音楽の演奏にも近いニュアンスを纏う。彼の演奏は気品があり、神経を落ち着かせるような力、パット・メセニーのグループで活動したライル・メイズのような瞑想性を併せ持つ。そして、このアルバムにおいて、アイヤーはアコースティックピアノとエレクトリック・ピアノを代わる代わる演奏し、曲のニュアンスをそのつど変化させる。そして、このアルバムに関して、アイヤーは指揮振りのような役割を担い、音楽の総合的なディレクションを司っているように感じられる。一方、ワダダ・レオ・スミスも素晴らしいトランペット奏者です。マイルス・デイヴィス、ジョン・ハッセル、エンリコ・ラヴァなど、”ポスト・マイルス”の系譜に属している。レオ・スミスのトランペットの演奏はまるで言葉を語るかのような趣があり、同時に実際的な言葉よりも深遠な力を持つ。特に注目したいのは、マイルス・デイヴィスが用いた象徴的な特殊奏法、「ハーマン・ミュート」も登場する。そして前衛的なブレスの演奏を用い、アトモスフェリックな性質を付与するのです。
『Survival(サヴァイヴァル)』と銘打たれたプレリュード（序章）で始まる。すでにガザの戦争の描写的なモチーフがイントロから明確に登場する。ジョン・ハッセルの系譜にあるトランペットの演奏が低音部を担うアイヤーのピアノの演奏と同時に登場する。モーツアルトの『幻想曲』のように不吉なモチーフが敷き詰められ、バリトンの音域にあるピアノの通奏低音、それと対比的なガザの人々の悲鳴のモチーフとなるレオ・スミスの前衛的なトランペットの奏法が登場します。まるでこの中東の戦争の発端となった当初の”病院の爆撃”を象徴付けるかのように、ピアノが爆撃の音の代わりのドローンの通奏低音、その向こうに取り巻く空爆の煙霧や人々の悲鳴の役割をトランペットが担う。その後のレオ・スミスの演奏は圧巻であり、さながら旧約の黙字録のラッパのように、複雑な音階やトリル、微細なニュアンスの変化、さらにはサステインを駆使して、それらの音楽の物語の端緒を徐々に繋げていこうとする。この曲では、シンプルに戦争の悲惨さが伝えられ、これは断じてフィクションではないということが分かる。
このアルバムの根幹を担うガザの主題のあとには、神秘的な印象を持つ現代音楽「Sumud」が続いています。この曲のイントロでは、レオ・スミスのトランペットの演奏がフィーチャーされている。シュトックハウゼンのトーン・クラスターの手法を用いたシンセサイザーの電子音楽が不吉に鳴り渡り、そしてそれに続いてスミスのトランペットの演奏が入る。アイヤーのシンセサイザーの演奏は、ドローン音楽の系譜にあり、この曲のアンビエント的なディレクションを象徴づけている。一方、レオ・スミスのトランペットの演奏はマイルス・デイヴィスの系譜にあり、カップ・ミュート、もしくはハーマン・ミュートを用いた前衛的な奏法が登場する。
これらは落ち着いた瞑想的な音色、そして、つんざくような高い音域を行来しながら、瞑想的な音色を紡ぎ出す。トランペットの演奏でありながら、テナー・サックスのような高い音域とテンションを持った素晴らしい演奏が楽しめるでしょう。そして、それらの演奏の合間に、ローズ・ピアノ、そして早いアルペジオのパッセージのピアノが登場し、音楽の世界がもう一つの未知なる領域へと繋がっている。
さらに、レオ・スミスはヨシ・ワダのようなバグパイプのドローンのような音色、そしてトランペットの原初的な演奏を披露している。それらの演奏が途絶えると、エレクトリック・ピアノが入れ替わりに登場する。曲の背景となるドローンの通奏低音の中で、瞑想的な音楽を拡張させていく。しかし、不吉な音楽は昂ずることなく、深妙な面持ちを持ちつつ進んでいく。アイヤーのシンセの演奏がライル・メイズのような瞑想的な音の連なりを作り上げていくのである。そして１２分にも及ぶ大作であるが、ほとんど飽きさせるところがないのが本当に素晴らしい。
こうした音楽の中で都会的なジャズの趣を持つ曲が「Floating River Requiem」である。この曲は、変拍子を駆使した前衛的な音楽。アルバムの中では、ピアノとトランペットによる二重奏の形式が顕著で、聴きやすさがあります。この曲では、アコースティック・ピアノが用いられ、Jon Balkeの系譜にある実験音楽とモダンジャズの中間にある演奏法が取り入れられています。アイヤーはこの曲でオクターブやスタッカートを多用し、洗練された響きをもたらしている。対するレオ・スミスも、前衛的な演奏という側面においてアイヤーに引けを取らない。長いサステインを用いた息の長いトランペット、それを伴奏として支えるピアノという形式が用いられる。
この曲は表面的に見ると、前衛的に聞こえるかもしれませんが、コールアンドレスポンスの形式、そして、マイルス・デイヴィスとビル・エヴァンスによる名曲「Flamenco Sketches」のように、モーダルの形式を受け継ぐ、古典的なジャズの作曲法が取り入れられています。結局のところ、マイルス・デイヴィスは、ストラヴィンスキーのリズム的な革新性というのに触発され、そしてビーバップ、ハード・バップの先にある「モード奏法」という形式を思いついた。それはまた、ジャズのすべてがクラシックから始まったことへの原点回帰のようでもあり、バロック音楽以降のロマン派の時代に忘れ去られていた教会旋法やパレストリーナ旋法のような、横の音階（スケール/旋法という）の連なりを強調することを意味していた。これらを、JSバッハによる対旋律の音楽形式を用い、復刻したのがマイルス・デイヴィスであったわけです。「Floating River Requiem」はそういったジャズとクラシックの同根のルーツに回帰しています。
この曲の場合は、同音反復を徹底して強調するミニマリズムの要素とモーダルな動きをもたらすトランペットという音楽的な技法を交えた「ポスト・モード」の萌芽を捉えられる。それらは、結果的に、グスタフ・マーラーのように音楽を複雑化して増やすのでなく、簡素化して減らしていくというストラヴィンスキー、モーツァルトが目指していた音楽的なディレクションと重なる。 音楽の要素をどれほど増やしても、聴衆はそれを支持するとは限らない。それはいついかなる時代も、聴衆は美しく心を酔わせる音楽を聞くことを切望しているからである。そして、その期待に添うように、同音反復を続けた後、麗しいピアノのパッセージが最後に登場します。このアルバムの中の最もうっとりするような瞬間がこの曲のラストには含まれています。
「Elegy」とは哀歌を意味しますが、この曲は追悼曲のような意味合いが色濃い。しかし、哀切な響きがありながらも、必ずしもそれは悲嘆ばかりを意味していません。レオ・スミスによる神妙なトランペットのソロ演奏は、ドローン奏法を駆使したシンフォニックなシンセサイザーの弦楽器のテクスチャーと溶け合い、国家的な壮大さを持つアンセミックな曲に昇華されている。そして、その合間に現れる瓦礫や吹き抜けていく風のような描写的な音の向こうからアラビア風の趣を持つアイヤーのピアノの演奏が蜃気楼のごとくぼんやりと立ち上る。そして「哀歌」というモチーフを的確に表しながら、神妙なジャズの領域を押し広げていく。その中には同音反復を用いた繊細なフレーズも登場し、悪夢的な中東の戦火の中で生き抜こうとする人々の生命の神秘的なきらめきが立ち現れる。そして、その呼吸と同調するように、微細なスタッカートの特殊奏法を用いたトランペットの前衛的な演奏が呼応するかのごとく続いている。最終的に、それを引き継ぐような形で、主旋律とアルペジオを織り交ぜたアイヤーの淡麗なジャズ・ピアノが無限に続いてゆく。これらの哀歌の先にあるもの……、それは永遠の生命や魂の不滅である。これらの音楽は傑出したドキュメンタリーや映画と同じようなリアルな感覚を持って耳に迫ってくる。一度聴いただけでは探求しがたい音楽の最深部へのミステリアスな旅。
戦争、死、動乱という重厚なテーマを扱った作品は一般的に重苦しくなりがちですが、「Kite」はそういった気風の中に優しさという癒やしにも似た効果を付与する。 アイヤーによるエレクトリック・ピアノを用いた演奏は子守唄やオルゴールのように響く。他方、スミスのトランペットは、マイルス・デイヴィスやエンリコ・ラヴァの系譜にある旋律的に華麗な響きをもたらす。
この曲では、レオ・スミスのソリストとしての演奏の素晴らしさが際立っている。そして、今は亡きリファアト・アルアリイールが伝えようとした物語の重要性というのを、トランペットにより代弁しているように思える。それらはジャズの最も魅惑的な部分を表し、フュージョン・ジャズ、スピリチュアル・ジャズのような瞑想的な感覚を蘇らせる。この曲ではジャズの慈愛的な音楽性がチック・コリアの系譜にあるローズ・ピアノ、そして慎ましさと厳粛さ、美しさを兼ね備えた蠱惑的な響きを持つトランペットにより、モダン・ジャズの最高峰が形作られる。ムード、甘美さ、音に酔わせる力など、どれをとっても一級品です。ここで両者が伝えようとしたことは明言出来ません。しかし、ガザの作家の死を子守唄のような慈しみで包もうという美しい心意気が感じられる。それが音楽に優しげな響きがあるように思える要因でもある。
『Difiant Life』の終曲を飾る「Procession」では再びアルバムの冒頭曲「Prelude」のように緊張感を持つ前衛的なトランペットで始まります。そしてパーカッションのアンビエント的な音響性を活かして、ニュージャズの未来が示されています。それはまたマイルス・デイヴィス、ジョン・ハッセルのアンビエント・ジャズの系譜を受け継ぐものです。そして、この音楽には、素晴らしいことに、遠くに離れた人生を伝えるというメディアとしての伝達力が備わっている。また、まったく関連がないように思えるかもしれませんが、遠くに離れた人の考えを糧にすることや、それらの生活文化の一端を垣間見ること、そこらか何かを学びとること、それはすなわち、現在の私たちの卑近な世界を検分することと同意義なのではないかということに気がつく。
『Difiant Life』は、全体的に見ると、はじめと終わりが繋がった円環構造のように考えることも出来ますが、むしろ生命の神秘的な側面である''生々流転''のような意味が含まれているのではないかというように推測出来ます。生々流転というのは、様々な生命や意識がいつの時代も流動的に動きながら、無限の空間をうごめき、社会という共同体を形成していることを意味している。
アルバムの音楽の片々に見出だせるのは、レフ・トルストイが『人生論』で明らかにしたように、人間の肉体ではなく、魂にこそ生命の本質があるという考えです。無論、本稿では神秘主義やスピリチュアリズムを推奨するものではないと付言しておきたいですが、人間の本質が魂(スピリット)にあるとする考えは、ギリシア思想の時代から受け継がれる普遍的な概念でもある。現代文明に生きる人々は、デジタルの分野やAIなど技術的な側面においては、中世の人々よりも遥かに先に進んでいる。もちろん、工業や宇宙事業などについてもまったく同様でしょう。
しかし、進化の中で退化した側面もある。本作の音楽を聴いていますと、多くの人々は文明という概念と引き換えに何かを見失ってきたのではないだろうかと考えさせられます。現代主義ーー合理性や利便性ーーという目に見える価値観と引き換えにし、人類は別の利点を血眼になって追いかけるようになった。それは断じて進化などというべきではなく、退廃以外の何物でもなかった。その結果として表側に現れたのが現代の代理戦争や民族浄化であるとすれば、納得のいくことであるように思えます。また、ガザの作家リファアト・アルアリイールさんは「人の死は数ではない」とおっしゃっていました。人間や生物の命を軽視し、別の何かに挿げ替えようとする。それは考えられるかぎりおいて最も恥ずべき行為であると言わざるをえません。本作はまさしく、そういった現代社会の風潮に対する''反抗''を意味する。それはまた、パレスチナの作家の遺志や彼が伝えようとしたことを後世に受け継ぐ内容でもある。「Difiant Life」は、10年後、20年後も、ECMの象徴的な作品となりえるかもしれない。いや、ぜひそうなってほしい。アルバムのライヒを思わせるアートワークのモチーフを見れば瞭然と言えるでしょう。
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