ロンドンを拠点とする6人組、The Golden Dregs（ザ・ゴールデン・ドレッグス）が、4枚目のスタジオアルバム『Godspeed』とニューシングル「The Company Of Strangers」を発表した。本作は4月25日に発売される。ゴールデン・ドレッグスは渋さのあるポップソングを書くことで定評があり、4ADから発表された前作『On Grace ＆ The Dignity』はその好例である。

"カンパニー・オブ・ストレンジャーズ "とは、人が人生の最良の年月、最良の健康、最良の思考、冬の間の日照時間のすべてを投資するビジネス帝国のことだ。会社は君のことなど気にかけていない。それこそがゴッドスピード・ザ・カンパニーの本意なんだ」とベン・ウッズは言う。

ゴールデン・ドレッグスは、もともとマルチ・インストゥルメンタリストのベン・ウッズによるソロ・プロジェクトとして始まっている。今後発売予定であるアルバム『Godspeed』では、各メンバーの個人的な貢献がレコードの重要な部分を占めるアンサンブルへと完全に進化した。このアルバムは、ベン・ウッズのインディペンデントレーベル、”ジョイ・オブ・ライフ・インターナショナル”からのリリースで、エンド・オブ・ザ・ロード・レコーズと共同で設立された。

 

 

「The Company Of Strangers」

The Golden Dregs　『Godspeed』

Label: Joy Of Life International

Release: 2025年4月25日

Tracklist: 

 

1.Big Ideas
2.Linoleum
3.The Company of Strangers
4.Imagining France
5.Weight of It All
6.Erasure
7.In The Headlights He
8.Heron
9.Perfume
10.If You'd Seen Him
11.The Wave
12.Godspeed

メリーランド州ボルチモア出身のJPEGMAFIAは、ニューシングル「Protest The Cross」をリリースした。

これは、『I LAY DOWN MY LIFE FOR YOU』のDIRECTORS CUTがどのようなサウンドになるかの最初の試みになるようだ。

 

ペギーは自身のインスタグラムで、"2025年に期待してほしい。何が起こるかわからないよ"とコメント。 「PROTECT THE CROSS」はハードなトラックで、彼の前作と似たようなサウンド。

過去のPeggyの曲と比べると、少しおとなしいと感じるかもしれない。 しかし、それでも素晴らしいサウンド。 リリックでは、アメリカの有権者へのジャブがあるだけでなく、ドレイクやフレディ・ギブスへのジャブもある。 エミネムや白人のアンダーグラウンド・ラッパーも登場する。なんとなく、アーティストの理想的なラップ像というものがこの新曲から浮かび上がってくる。

JPEGMAFIAは、昨年の『I LAY DOWN MY LIFE FOR YOU』で『Scaring The Hoes』のリリース後のモチベーションを持続させたが、今年も12曲の新曲を収録したアルバムのデラックス・エディションでキャンペーンを継続する予定。そのうちのいくつかは、オリジナル・トラックリストにアルバム・セッションの曲を挿入したものであり、いくつかは2枚目のディスクにコンパイルされた新曲。ペギーはツイートで、このプロジェクトは来週リリースされる予定と述べている。

「I LAY DOWN MY LIFE FOR YOU (DIRECTOR'S CUT)」のトラックリストは未公開であるが、リードシングル 「PROTECT THE CROSS」が公開された。ペギーは従来のように挑発的なフレーズを連発する。

 

「Fuck your writittеns, you bombin' like Charlie Hebdo」や 「White bitches ain't vote for Kamala, they lied/ So I'm lying when I'm trying to get that in that box」といったフレーズ。

 

 

「PROTECT THE CROSS」

 

 

この曲は、アメリカ国旗を大きくあしらったカバーアートと、ペギーとローガン・フィールズが監督したミュージックビデオとセットになっている。 元軍人で、アルバム『Veteran』でブレイクしたペギーは、この曲を "軍隊以来最もアメリカ的なもの "と呼ぶ。さらにペギーは、ツイートで、愛国的なイメージは、ドナルド・トランプを支持するものと解釈されるべきではないと述べた。「敏感な人たちがたわごとを言い始める前に、私はトランプを支持していないし、これまでも、そしてこれからも支持するつもりはない。 彼らはただ怒って、でっち上げを始めるだけなのだから(笑)" 彼はまた、"PROTECT THE CROSS "の歌詞の解釈ガイドも投稿している。 自分に対する誤解のほとんどは、何よりも"育った環境の違い "に基づいているかも知れない。

I notice some of you never know what the fuck I’m talking about. But most of your misunderstandings of me are more based on our “different upbringings” than anything else. so here is a guide to help “some of you” better understand my raps. pic.twitter.com/usvtrnu12p

— JPEGMAFIA (@jpegmafia) January 20, 2025

さらに、JPEGMAFIAはピッチフォーク系のメディアに対してソーシャルでこう発言している。「誰かピッチフォーク、GQ、アンナ・ウィンター、コンデ・ナスト・メディアに私の報道をやめるように言ってくれませんか？　私はあなたのプロモーションを望んでいませんし、必要としません。私のことを話すのをやめ、サイトから私のアートをすべて削除してほしい。2025年には絶対に誰もピッチフォークを必要としません。あなたの厄介なヒップスターの口から私の名前を出してください」

過去、ペギーはピッチフォークのシカゴフェスティバルで2回演奏しています。2019年、そして最近では2023年に出演している。

彼のアルバムは全般的にピッチフォークから肯定的な評価を受けているものの、2024年のアルバム「I LAY DOWN MY LIFE FOR YOU」で6.9点を獲得している。

Can someone tell pitchfork, gq, anna wintor, conde nast media to stop reporting on me? i do not want or need your promo. stop speaking about me and remove my art from your site all together Absolutely noone needs pitchfork in 2025. Keep my name out your nasty hipster mouths.

— JPEGMAFIA (@jpegmafia) January 21, 2025

  Lambrini Girls 『Who Let The Dogs Out』

 

Label: City Slang

Release: 2025年1月10日

Listen/Download

Review

ブライトンのノイズパンクデュオ、ランブリーニ・ガールズのデビュー・アルバム『Whor Let The Dog Out』は年明け早々、痛撃だったと言える。デビュー・アルバムらしからぬ完成度、あるいはデビューアルバムらしい初期衝動を収めこんだ正真正銘のハードコア・パンクアルバムとなっている。ランブリーニ・ガールズこと、フィービー（ボーカル）、リリー（ベース）は、Banksyという謎めいたドラマーとレコーディングに挑んでいる。ランブリーニ・ガールズはライオット・ガールパンクの先駆者的な存在、Bikini Kllを聴いて大きな触発を受けたという。そして、彼女たちもまた次世代のライオット・ガールのアティテュードを受け継いでいるのは間違いない。

 

プレスリリースでは、すでに家父長制度や女性に対する性的搾取など、現代の社会が抱える病理のようなものに対し唾を吐きかける。吐きかけるというのは、実際的に、ランブリーニ・ガールズのボーカル（実際にはスポークンワードとスクリームによる咆哮）にはっきりと乗り移り、すさまじい嵐のようなハードコアサウンドが疾駆する。実際的には、ランブリーニガールズのパンクは、現在のポスト・パンクの影響がないとも言いがたいが、Gorlilla Biscuits、Agnostic Frontといったニューヨークのストレート・エッジがベースにありそうだ。ゴリゴリというべきか、無骨なパンクサウンドは、ベースとギターの唸るようなハイボルテージにより、地獄の底から業火が吹き上がるようなサウンドがオープナー「Bad Apples」から炸裂する。ランブリーニ・ガールズは実際的なサウンドにとどまらず、ウィットに富んだ表現を兼ね備えている。さらにタブーをタブとも思わない。続く「Company’s Culture」において悪しき企業文化（どのような国家にも存在する）をチクリとやり、オフィスで性的な視線を向ける男性社員をシニカルに描写し、アメリカンコミック的な雰囲気でやり込める。実際的に、バンドの二人はステージでセクハラを受けたこともあるというが、これらもまた人生から引き出された個性的なサウンドである。そしてヴォーカルのフレーズごとに抑揚を変化させ、怒りを巧みに表現する。

ランブリーニ・ガールズは、ウィットとユーモアも忘れていない。「Big Dick Energy」は、下卑た笑いを湧き起こすが、実際的に風刺的なシニカルさは乾いたような笑いを巻き起こす。しかしながら、両者は、パンクという枠組みの中で、空想や絵空事を描こうというのではない。実際的な恐怖や腐敗、退廃等を相手取り、それらに痛快な一撃をお見舞いする。それらはオールドスクール・ハードコアの領域に属した荒削りなパンクソングーーBad Brains、Gorlilla Biscuitsーーといった原初的なハードコアパンクのイディオムの中で繰り広げられる。そのサウンドは、Black Flagのようなカルフォルニアパンクの元祖から、ストレイトエッジの原点に迫る場合もあり、このジャンルの祖であるTeen Idlesのような衝動に任せたパンクソングが組み上がる。Bad Religionのように政治的でないがゆえ、むしろ直情的なパンクとも言える。しかし、曲の途中では、スポークンワードというよりも、ステートメントのように変わるのも面白い。フィービーはヴォーカルの性格を曲の途上でたえず変化させ、別人のように変わることもある。

 

 

パンクソングという側面から見ると、Bikini Killの系譜にある「No Homo」もかなり楽しめるはずだ。カルフォルニアパンクの文脈を受け継いだ上で、同じ海岸沿いという都市の性質を活かし、それを見事にブライトン一色に染め上げる。この曲では、彼女たちはパンクというよりも、それ以前のロックンロール性に照準を絞り、タイトなロックソングに昇華している。ギターのプレイに関しては、グレッグ・ギンの系譜にあり、スリーコード中心であるが、ザラザラとした音作り、分厚い音像を徹底的に突き出し、ライブサウンドに相応しいサウンドを創り出す。ライブアクトとして国内で旋風を巻き起こしているランブリーニガールズの象徴的なトラックと言える。中盤でも、モチベーションを保持しながら、バランスの取れたサウンドで勢いを維持している。特に、「You're Not From Around Here」はロックソングとして聴いてもかっこいいし、ライブでも映えるようなナンバーであると思う。ローファイの側面を強調した分厚いギターで始まり、ハイハットの裏拍の強調により、この曲は見事なほどまでにドライブ感を増す。さらに、それらのサウンドにフィービーのボーカルは引けを取らない迫力で聴覚を捉える。

 

全般的にはオールドスクールハードコアをベースにしたサウンドであるが、「Filthy Rich Nepo Boy」は、どちらかといえば、メタルをクロスオーバーさせたニュースクールハードコアに属する。基本的には、オールドスクールとニュースクールの相違点は、縦ノリか横ノリかという違い、もしくは観客のダンスという点でモッシュ的な動きか、腕を振り回しながら踊るという違いでしかないが、ここではカオティックハードコアの系譜を踏まえ、これらの二つの乗りを同期させ、曲の構成ごとに異なるビート感覚を組み上げる。これらはむしろ、ストップ＆ゴー（ブレイクを挟んで早いテンポに変わる）が満載だったストレイトエッジのサウンドの次世代の象徴とも成りうる。表面上はストレートで直情的なようでいて、入念にサウンドが作り込まれているのに驚き。さらに不協和音を生かしたギターはグレッグ・ギンに匹敵するかっこよさ。

 

ランブリーニ・ガールズにとって「ノイズ」というのは、この世に蔓延る仕来り、倫理観、常識といった道徳とは正反対にある概念に対する違和感である。それらが内側に蓄積され、そしてそれらが長いあいだ堆積を経たのち、怒りによってメラメラと燃えあがると、表面上にハードコア・パンクという形で現出することになる。ノイズ、軋轢、退廃、アナーキズムといったパンクの原初的なイデアを濾過し、現代的な感覚に置き替えたともいえるだろう。アルバムの終盤にも興味をひかれる曲が満載となっている。「Special Different」ではランブリーニ・ガールズが他の並み居るバンドとは一線を画すことを示し、最初期のデイヴ・ムスティンのようなスラッシーでメタリックなサウンドが炸裂。この瞬間、多くの現代のパンクバンドが見失いかけていた”重力”をランブリーニ・ガールズは手中に収めることになった。これらのヘヴィネスは、アルバムの終盤でも維持され、そしてやはり十分な勢いを保ったまま突き進んでいく。「Love」はニューメタルの代名詞的なトラックで、今後のランブリーニの布石となりそうだ。デュオは、ニューメタルの止まりかけた時計の針を一秒だけすすめ、去り際に痛烈なポストメタルソングをリスナーにお見舞いする。最後はエレクトロポップな感じでサラッと終わるのも◎。

 

 

 

８５/１００

 

Best Track　「You're Not From Around Here」

Interview:  Kenji Kihara　　アンビエント制作について語る　　地域コミュニティへの還元を重視する姿勢

Kenji Kihara アーティスト様からのご提供

 

Kenji Kihara（木原 健児）は、日本のエレクトロニックプロデューサー。現在、伊豆を拠点に活動しています。アンビエント、環境音楽、BGMの制作を得意とし、ソロ名義での電子音楽を中心に発表しています。『Hayama Ambient』、『Izu Ambient』、『Soothe & Sleep』を始めとする代表作を擁する。

 

また、ソロ活動の傍ら、宮内遊里との共同プロジェクト、”BGM LAB.”に取り組んでいます。

このプロジェクトでは、よりBGMに重点を置いたサウンドを追求。その他、CM音楽や館内BGMなど、他の媒体に向けて音楽を制作している。

 

今回、アンビエント制作全般について、『Izu Ambient』を始めとするシリーズ、さらにフィールドレコーディングに関して、貴重なご意見を伺うことが出来ました。 制作者は地域のコミュニティへの還元を重視し、従来のミュージシャンとは異なる概念を活動を通じて提示する。ミュージシャンが社会的にどのような存在であるべきか、彼は模範的な姿勢を示そうとしています。

 

ーーまずはじめに、アンビエントというジャンルに興味を持ったきっかけについて、お聞かせください。

キハラ・ケンジ:  きっかけは定かではないのですが、しいて言うのであれば、「Mother2」の「eight melodies」という曲が私の中のアンビエント作品として今もベースになっている気がします。（正確にはアンビエントではないと思いますが......）あとは、Aphex Twinの『Ambient Works』にはとても影響を受けました。「アンビエント」という名前を意識したきっかけだったかもしれません。

ーー「Mother」シリーズ(編注1)は、高木正勝さんも影響を受けたそうなんですが、電子音楽を制作するためのヒントのようなものが何かあるのでしょうか。

キハラ・ケンジ:  今でも「Mother」の音楽は聴くのですが、なんでこんなにも魅力的なのかよく考えます。まだ、私の中では答えが出ていないですね。

ーー木原さんの作品の中には「Hayama Ambient」というシリーズがありますね。葉山は、三浦半島の風光明媚な美しい町ですが、この土地とのつながりについて教えていただければと思います。

キハラ・ケンジ:  結婚を機に葉山に住みはじめました。現在は伊豆に居を移しましたが、今でも時々訪れています。思い出も多くとても好きな町です。そこでフィールド・レコーディングをするのがライフワークのような形になりました。

ーー全般的な作風を見た上で、木原さんのアンビエントはヒーリング・ミュージックに近い音楽性を感じますが、こういった作風に至った経緯について教えていただけますか。

キハラ・ケンジ:  アンビエント以外のジャンル全てにおいてですが、「穏やかで、心地よく、風通しの良い音楽」をコンセプトに楽曲を制作しています。心地よくいられる音楽を作っていたら、ヒーリングミュージックに近づいていったかもしれません。


ーー「ハヤマ・アンビエント」と合わせて「Soothe & Sleep」というシリーズにも取り組まれています。この作品のコンセプトや指針はどういった点にありますか。

キハラ・ケンジ:  タイトルの通り、眠る時や心を落ち着かせる時のために使う音楽を目的に制作しています。例えば、Bandcampでは、30分ほどかけて、音をゆっくりと変化させる作りになっています。心の移り変わりを感じたり、ときには、睡眠導入の一助になればと思っています。

ーー楽曲の最初のインスピレーションはどこからやってきますか。制作がどのように始まり、完成に近づいていくのか、ぜひお聞きしたいです。

キハラ・ケンジ:  自然やその時の天気だったり、身の回りの環境からインスピレーションを得ます。その時々ですが、フィールドレコーディングの音や、そのときに爪弾いたキーボードだったりギターの音などを起点とすることが多いですね。

制作に向かう時の自分の中の状態や周りの環境にあわせて、たとえば、心をゆっくり落ち着けたい時は「SOOTHE & SLEEP」シリーズのような曲、晴れて気持ちの良い時、その逆に曇りが続いて憂鬱な気分を変えたい時は、異なるアプローチから始まります。そんな形でスケッチした曲が大量にあって、ふとした時に曲が完成します。

ーーフィールド・レコーディングを行うときの楽しみについてはどうですか？

キハラ・ケンジ:  音の風景を切り取っているという感覚でしょうか。その時々、その場所に実際にあったものや事柄に思いを馳せることができるといいますか………。人それぞれ、思い思いに聴くこともできますし、「記憶」に直結している感覚。そういうのがとても面白いですね。

ーー木原さんは、これまでに、ご自身のプロジェクトの作曲のほか、CM制作や館内BGMも手掛けていらっしゃいます。映像音楽や環境音楽を制作する上でどのような点を重視していますか？

キハラ・ケンジ:  なるべく、こういう風に聴いて欲しい。といったような自分の想いは入れないよう心掛けています。

ーーほかにも、宮内優里さんとのプロジェクト「Music Lab」の活動に取り組んでいらっしゃいます。このプロジェクトを始めた理由は何でしょう？

キハラ・ケンジ:  ”BGM LAB.”は、BGM（背景音楽）のための音楽研究室として2016年から活動しています。

日常のBGMが、いわゆる普段聴いているような「聴くため」の音楽ではなく、例えば、お香を焚き、その場の空間が少し変わるような、道具としての音楽をつくれたらということで始まりました。日常をより日常として充実させる手助けが出来る道具として、”BGM LAB.”はそんな音楽を目指しています。



ーー直近では「Izu Ambient(イズ・アンビエント)」もリリースされました。この曲には、波の音、鳥の声のフィールド・レコーディングが入っていて、かなり癒されました。この作品について、くわしく教えていただけますか。日本の名所シリーズは今後も続けていく感じでしょうか？

キハラ・ケンジ:  フィールド・レコーディングは、特別ではない日々の営みの音を切り取る、そんな感覚が好きで日々の記録としておこなっています。（ちょっとした趣味みたいなものです）
  

私は、海や山といった自然に近い場所に住んでいるのですが、その自然やそこで暮らす生き物などの営みに日々インスピレーションを受けて楽曲制作することが多いです。そこから受けたものを、どうにかしてその「場所」にお返しできないか、音楽を通じて何かできないか......。ということを考えていました。

いわゆる”地産地消”(編注2)といったようなものを、自分の作った音楽で表現できたらと......。そのため、シリーズの売上はすべて、伊豆でスモールビジネスを営むお店や場所などで使用しています。そして、その場所で「イズ・アンビエント」を制作することによって循環が生まれたら良いなと思っています。

今後も同じような感覚で、訪れた先でのフィールド・レコーディングを通した作品を制作する予定です。

編注1 :「Mother」: 1989年に任天堂から発売された日本のゲーム。コピーライターの糸井重里さんがゲームデザインを手がけた。オリジナル・バージョンの音楽を担当したのは、鈴木慶一さん。「Mother 2」は1994年に発売された。音楽は''たなかひろかず''さんが手掛けた。たなかさんは、その他にも、アーケード版「ドンキーコング」、「マリオブラザーズ」の音楽を手掛けている。

編注2:   地産地消:  地域生産・地域消費の略語で、地域で生産された様々な生産物や資源をその地域で消費すること。

・Bandcampのサブスクリプションはこちらから登録出来ます。ぜひアーティストの活動をご支援ください。

 

Sophie Jamieson（ソフィー・ジェイミソン）のニューアルバムに添えられている写真には、動きの感覚がある。風雨に揉まれ、他の人々によって翻弄され、固い場所に着地することはない。レコードの内ジャケットには、二重露光の写真に写った彼女が写されている。これは単なる写真かもしれないけれど、彼女のアルバムのより深い部分のメタファーでもある。不安感や根付かない感覚をとらえようとしているのかもしれない。どこかに憧れながらも、完全には辿り着けないというような。

ベラ・ユニオンからリリースされる彼女の2枚目のアルバム『I still want to share』は、愛すること、失うことの循環的な性質、人間関係から逃れられない不安、他人の中に居場所を見つけようと試みては失敗を繰り返す帰属などへの永遠の憧れについて、深く個人的な考察を提示している。

ソフィーのデビューアルバム『Choosing』が、自分自身全体から逃げることで膨らむ自己破壊的な衝動を探求しているとしたら、私はやはり、それに全力で向き合いながら、一曲一曲を通して強さを分かち合いたい。

スピリチュアライズドやマニック・ストリート・プリーチャーズなどの作品で知られ、ザ・ビートルズのバック・カタログのリマスターでも知られるグラミー賞受賞のGuy Massey(ガイ・マッセイ)がノース・ロンドンでプロデュースしたこのコラボレーションは、より探求的で、チョージングよりも遊び心があり、より豊かなパレットで細部まで表現されている。

ソフィー・ジェイミーソンのソングライティングとヴォーカルが持つ生々しい感情の全てに、新たなキャラクターが加わった。玩具のようにきらめくオムニコード、陰鬱なハルモニウムとサブベースのレイヤー、そしてジョセフィン・スティーヴンソン（Daughter）の提供による豊かなストリングス・アレンジが、レコードの鼓動の中心を通して憧れの感情のつながりを紡ぎ出す。

「私たちは、とてもとても私らしいと感じられるものを作ったけれど、たくさんの異なるサウンドの風味もあるの」とソフィーは説明する。

「温かみのある秋の色もたくさんあるし、キラキラした暗い星空もある。このような形で表現する必要があったとは……。自分でも知らなかったことを表現するため、すべてがひとつになったわ」

アルバムは静寂の中で幕を開け、陰鬱な「Camera」は最初の1分ほどで穏やかに焦点が定まり、ギターが盛り上がり、ドラムビートがシャッフルされる。リード・シングルの「I don't know what to save（何を救えばいいのかわからない）」は、より軽快に感じられる。「この曲は、自由を求めて走り出した曲なの」とソフィーは説明する。

「ある人への執着と、その人にまつわるすべての痛みの重みを抱えていた。それは手放すことへの大きな後押しだった」

ソフィーは 「愛」という言葉の巨大さを取り上げ、そのミステリアスなヴェールを剥がしていく。愛することはしばしば支配や欲求のように感じられること、愛されることは自分自身と向き合わなければならないときには耐え難いことであること。シンプルで純粋な、不安のない愛は、分かち合い、寛大さ、ゆとりのように見える。 

「このアルバムを支えているのは、シンプルに愛というより、むしろ''愛着''という考え方だと思う」と彼女は説明する。「臨床的でロマンチックでない性質、醜い性質、そして人間的な性質」

タイトル・トラックは、陰鬱なアレンジの中に子供の欲望が透けて見える。 「争う必要のない絆の魔法／耳には耳を、目には目を／これが私のものであることが幸運なのだと思う／それでも時々分かち合いたい」

ソフトで、純粋で、シンプルな愛がそこにあるという抑えきれない希望が、このレコードを引っ張り、すべてが崩壊する危険性が常にあるにもかかわらず、私たちを再び愛へと引き戻す力となっている。

私たちが自分自身に何を求め、愛する人たちに何を求めるかという点で、完璧さや確かな答えを求める無益な欲望を浄化するものとして本作を分かち合いたい。全体を通して問いかけられるのは、根源的なレベルで痛みを伴うもので、答えについては風に流されるだけである。結局、エンディング・トラックで歌われるように、「時はあなたを後ろへ引っ張り、あなたの年齢の下へ深く潜り込ませる」それでもなお、私たちは愛を求め、それを分かち合いたい。-Bella Union

 Sophie Jamieson 『I still want to share』- Bella Union

 

”ソングライター”というのは、日々の人間的な成長に合わせて、音楽的なテーマを変え、その時々に相応しい歌い方を見つける人々のことを言う。

 

それを見て、「あの人は変わった」という。しかしながら、こういったアーティスティックな表現者に類する人々は、器用であるから、そうするのではなく、むしろ自身のうちに少しだけ不器用な部分が残されているから、そうするのである。わからないことがあるから歌う。未知や謎が目の前に立ちはだかるから曲を制作する必要がある。すべてがわかるからではなく、わからないことを解き明かすために音楽がひとつの媒体となり、動脈ともなりえる。そういった姿勢やスタンスは、間違いなく、良質な音楽を制作するためのヒントとなり、また大きな糧ともなりえる。

 

まさしく、ロンドンを拠点に活動するソフィー・ジェイミーソンは、昨年末のローラ・マーリングと同様に、人間的な成長をシンプルに織り交ぜ、美しいポピュラー、フォーク・ソング集を書き上げることに成功した。音楽的になにかが大きく変わったわけではない。しかし、内的な成長が表面的な音楽を変化させたのである。

 

2022年の『Choosing』において、ソフィー・ジェイミーソンは解き明かし難い主題を据え、内的な痛みを織り交ぜた。自己破壊の苦しいどん底、そしてそこから見えるかすかな希望の光への旅を描いたどこまでも純粋なパーソナル・ドキュメントを作り上げた。しかし、もし、続編にアーティスト自身が語るような優しいまなざし、慈しみが音楽の最果てにほの見えるとあらば、それはアーティストが掲げる愛着の精神がリスナーのもとに届いたということになるだろう。

ソフィー・ジェイミーソンは、今回のアルバムにおいて、歌手としてシャロン・ヴァン・エッテンのポスト的な立場を選んだ。インディーロックから影響を受けたクランチなギター、オペラ風の歌唱法等、シャロン・ヴァン・エッテンのテイストが全編に満ち渡っているが、単なるフォロワーにとどまらないことは、最新作『I Still Want To Share』を聴くと、明らかでないだろうか。そして、ジェイミーソンの音楽性が全般的なフォークソングをベースにしているとはいえ、アメリカの民謡とは明らかに異なることは本作を聞けば明らかとなる。最近、私自身もわかってきたのは、ウェールズ、アイルランド、スコットランドといった地方、いわゆる古イングランドの地域には、なにかしら深い音楽的な魅力がその土地の底に眠っている。ソフィー・ジェイミーソンは、それを探りあてるべく、ギターを中心とした音楽に多彩な歌唱法を披露する。

 

アルバムは、「1-Camera」の優しげなギターの弾き語りで始まり、心地よいリズムとアルペジオという枠組みが形づくられるが、一方、歌手のボーカルはその枠組から離れ、雄大な印象を持つ。スタジオの中の音楽というよりも、アルバムのアートワークとリンクするような感じで、小さな空間を飛び出し、羽ばたいていく。そして、ミドルボイスを中心に、ファルセットを含めたハミングがギターと調和するように、しだいに大きな音楽的な空間をゆっくりと作り上げていく。それをより華やかにするのが、今作の編曲において重要な役割を果たす弦楽器の重奏である。前作におけるオーケストラ音楽へのアプローチはより、今作において洗練され、磨きがかけられた。これはビートルズの音楽をよく知るガイ・マッセイ氏の大きな功績でもある。

 

ソフィー・ジェイミーソンのアルバムは、ギミック的な演出により、人を驚かせたりすることはない。バーバンクサウンドと同じように、まず曲があり、編曲が続き、最終的にマスターがある、という音楽の基本的な段階を踏まえながら、丹念に録音作品が作り上げられていった形跡がある。それはデジタルサウンド主流の時代にあって、むしろ手作りのサウンドのような印象を覚えることもある。

「2-Vista」も同じように、エレクトリック・ギターのアルペジオの艶やかさなサウンドに、ミステリアスな印象を持つジェイミーソンのボーカルが続いている。ジャズのスケールを踏まえたギターに、ボーカル、コーラス、クレスタといった要素がミルフィールのように折り重なり、イントロで感じられた神秘性がより深い領域へと差し掛かる。冒頭から音楽的な世界が見事に作り上げられ、さながら奥深い森のむこうを探索するような神秘的な情景が描かれる。前作よりも遥かに音楽的なイディオムに磨きがかけられたことがよく分かる。

 

 

「3-i don't know what to save」は、大まかには3つの構成を持つポピュラーソングだ。歌手の歌の実力がいかんなく示され、伸びやかで美しいビブラートが際立っている。ここでは何を救ったら良いのかわからないと歌手は嘆く。けれども、もし、この歌声と温和なサウンド、そして美しいオーケストラ・ストリングスに聞き惚れる人々がいれば、それはそのまま、誰かを救ったという意味に変わる。その人の他にはない個性や能力が、人々に勇気や元気、そして希望を与えた瞬間でもある。静かなイントロから中盤、そして終盤にかけた曲のアイディアの種が芽吹き、さらに、大きな美しい花を咲かせるように、美しい音楽の成長の過程を味わうことが出来る。アルバムの序盤のハイライトのひとつで、本作は、この曲でひとまず大きな要所を迎える。

 

 

「 i don't know what to save」

 

 

対象的に、静かな弾き語りのポピュラーソング「4-Baby」から、 このアルバムの愛着というテーマがより深い領域へと達する。親しみやすいポピュラーソングのメロディーに、ときどき内的な心情のゆらめきを表現するかのように、長調と短調の分散和音を交互に配置させながら、琴線に触れるような切ない叙情的な旋律進行を生み出していく。そして、その内的な波のゆらめきは、むしろそのありかを探せば探すほど、奥深い霧に覆われるかのように見えづらくなり、その正体が掴みがたくなる。さらに、もうひとつ注目すべきは、ジェイミーソンのボーカル/コーラスのコントラストが、まるで内的な会話のようでもあり、そして、もうひとつの自分の得難い姿に戸惑うかのようでもある。しかし、二つに分離したシンガーはいくつかの悩ましき変遷をたどりながら、なにかひとつの終着点にむけてひとつに重なりあうような感覚がある。

 

「５-Welcome」は同じようなタイプに位置付けられる。これまたシャロン・ヴァン・エッテンのソングライティングに近く、外側には現れ出ない内的な感情の揺らめきをミステリアスなテイストを持つポピュラーソングに昇華させている。しかし、ガイ・マッセイによるミックス/マスターの性質が色濃く立ち現れ、クレスタ、もしくは、オムニコードのようなシンセの対旋律的な配置、部分的な逆再生による音の印象の変化を駆使して、音の印象に劇的な変化を及ぼしている。そして、この曲はギター（トレモロ）のダイナミックスを段階的に引き上げていき、全体的になだらかな丘のような起伏を設け、曲の後半部に強固な印象を持つハイライトをつくりだす。

 

こういったサウンドは、ヴァン・エッテンにとどまらず、ベス・ギボンズの復帰作と同じように、暗鬱さと明るさの間を揺らめく抽象的なポピュラーソングの領域に属している。そして、表向きには現れないが、ウェールズ、スコットランド、アイルランド地方のフォーク・ソングや民謡の原始的な音楽がこれらのポピュラーソングの背後に揺らめいているという気がする。結局、これこそが、アメリカとイギリスのフォークを別け隔てるなにかである。それが原初的な古イングランドのカントリーの雰囲気と混ざりあい、「6-Highway」に繋がる。アルバムの序盤から一貫して示唆されるエレクトリックギターのクリーントーン（おそらく、Rolandのようなアンプ）から作り出されるサウンドは、一般的なポピュラーソングのギミック的な演出とは程遠く、素朴な落ち着きがあり、普遍的な響きが込められている。アコースティックギターではなく、エレクトリックによるいつまでも聞いていられるようなソフトなアルペジオが、ソフィー・ジェイミーソンのボーカルと混ざり合っていることはいうまでもない。これらのサウンドは、プロデュースの意向とも相まってか、ジャズに近いニュアンスを併せ持つこともある。

 

前の曲では、旋律やダイナミックスともに要所を迎え、その後、アウトロで静けさに帰る。もはや、この段階に来て、このアルバムが即効的な意味を求めて制作されたものではないことは明らか。そして一貫して、ギミック的なサウンド、エポックメイキングなサウンドを避けて、素朴なフォークソングをもとに、聴けば聴くほど深みが出てきそうな曲を収めている。 これらは、70年代のフォークやポピュラーのように、レコード生産が単なる消費のためのものではなかった時代の幻影をなんとなく脳裏に蘇らせる。文化的な役割を持つ音楽を制作しようという心意気については、一定数の本当の音楽ファンの心にも何かしら響くものがあるかもしれない。もちろん、すでに前半部から中盤にかけて示唆されてきたことだが、ジェイミーソンの音楽は、名誉心やインフルエンサー的な欲望とは程遠い。それがゆえ、なにかしばらく忘れ去られていた音楽そのものの安心感であったり、素朴さの一端を思い出すことも出来るかもしれない。

 

ソフィー・ジェイミーソンは、このアルバムで愛着というテーマを中心に、自分の人生から滲み出てくる感覚を音楽によって表現しようと試みている。それがシャロン・ヴァン・エッテン、ギボンズの系譜にある音楽のスタイルを受け継いでいるにせよ、単なる模倣的な音楽にならない要因である。人生は、その人のものでしかありえず、他の誰のものではない。もちろん、他の誰かになることは出来ないし、他の誰かになってもらうことも不可能である。ある意味では、前作から探求してきたテーマ（音楽的なものにせよ、人生的なものにせよ）は、続くタイトル曲で、一つの分岐点や重要なポイントを迎えようとしている。彼女は、明るい感覚を世界に向けて共有しようとしている。それは少なくとも、妬みや顰み、羨みといったこの世に蔓延る閉鎖的な感覚ではない。その音楽が開けていて、本当の意味における自由があるからこそ、なにか心に響くものがあるというか、その音楽が耳に残ったり、心地よさを覚えるのだろう。もちろん、それはたぶん、歌手としての人生に大きな自負を持っているからなのかもしれない。

 

アルバムの終盤でも心地よいフォーク/ポピュラーが続いている。「8-How do you want to be loved」では、シャロン・ヴァン・エッテンのタイプの楽曲で、繊細さと勇壮さを併せ持つ。オムニコードの使用は、この曲にちょっとした親しみやすさとユーモアを添えている。また、ヴェルヴェットアンダーグラウンドの「Sunday Morning」でも使用されるクレスタ（グリッサンド）の響きがこの曲に可愛らしさと古典的な風味を添えている。さらに、プロデュースの側面でも、キラリと光るものがあり、音形をモーフィングさせ、独特な波形を作り出しているのに注目したい。 特にアルバムの終盤でも素晴らしい曲があるので、ぜひ聞き逃さないでいただきたい。

 

「9- Your love is a mirror」では、一貫したスタイル、サイレンスからダイナミックなエンディングが暗示され、ボーカル/コーラス、クリーントーンのギターに美しい室内楽風の弦楽器の合奏が加わっている。特に、チェロ/バイオリン（ヴィオラ）がハーモニクスを形成する瞬間は息を飲むような美しさがあるし、鼻声のミドルボイスとコーラスワークには心を震わせるようななにかが込められている。まるでウィリアム・フォークナーのように、内的な感覚の流れは一連なりの川の導きのように繋がっていき、そして、本格派のポピュラー歌手としての崇高な領域へと到達する。

続いて収録されている「10- I'd Take You」は、落ち着いたリゾート気分に充ちた一曲で心を和ませる。ボサノヴァ、ブラジル音楽、ハワイアン、そういった音楽を巧みに吸収している。日曜の午後のティータイムのひとときを優雅に、そして安らかにしてくれることはほとんど間違いない。最後の曲はどのようになっているのか、それは実際にアルバムを聞いて確認していただきたい。

 

ソフィー・ジェイミーソンのアルバムを聞いて安らぎを覚えたのは、音楽を単なる消費のためとしてみなさず、敬愛すべきもの、美しきもの、慈しむべきものという考えを持った人々も存在することが確認出来たからである。大きなヒットは望めないかもしれないが、少なくとも、純粋な音楽ファンであれば、こういったアルバムを素通りするのは惜しいことではないだろうか。

 

 

 

８６/１００

 

 

 

Best Track 「Your love is a mirror」

本日、ロンドンのペッカム生まれの錬金術師Sam Akpro(サム・アクプロ)が、デビューアルバム『evenfall』を発表した。本作は3月28日にAntiからリリース。

先にリリースされたシングル 「Chicago Town 」と"BBC 6 Music A-List"の定番曲 「Death By Entertainment 」を含む10曲からなる『evenfall』は、ムードと雰囲気に溢れ、サウス・ロンドン・ノワールの流れるようなタペストリーのような、鋸歯状でありながら夢のような、サイケデリックでありながら意図に満ちた、没入感のある音の世界を作り上げている。

今日、アルバムのニュースと同時に発表されたリードシングルでタイトル曲の「Evenfall」は、アクプロの大作の核心にある壮大な世界観の構築と聴感上のケミストリーの完璧な例である。

 

シューゲイザー調のギター、執拗なビート、アクプロの探るようなヴォーカルが融合したこの曲は、今後何年も夜行バスのヘッドフォンの定番となるにふさわしい。彼はこの曲を、「時間の前後空間のどこかに存在する、瞬間が過ぎ去り、まだ出来事が起こっていない場所 」と表現している。

「Evenfall」には、以前MVAにノミネートされた「Death By Entertainment」のビデオでアクプロと組んだペドロ・タカハシが監督した素晴らしいイントロダクション映像が付属しており、アルバム全体の薄暗い都心のサウンドスケープを完璧に演出している。

 

このビデオは、眠らない大都市の早朝の孤独を呼び起こし、深夜の交通の流れが静まり返った地下道を駆け抜け、静寂と緊張がぶつかり合う情景を描いている。

ビデオについてペドロ・タカハシはこう語っている。 「Evenfallは、サムと私がコラボレーションしてきたビデオの集大成です。テーマとしては、住みにくい街で消えていくことを表現しています。何百万人もいるこの街で個人をピックアップすれば、誰もが希望や恐れ、夢や失敗に満ちた、自分だけの壮大な内面的人生を持っていることがわかるということを表現しているんだ」  

キャメロン・ジェイコブス（ギター）、ジョシュア・リー（ギター）、ルーク・チン＝ジョセフ（ベース）、カイル・クリエートン（ドラムス）、テイラー・デヴニー（サンプラー、鍵盤）という多面的なバックバンドをフィーチャーし、アクプロと度々コラボレートしているシュリンクが共同プロデュースした『Evenfall』は、あらゆるジャンルをその軌道に引き込んでいる。

「Death By Entertainment」のポストパンク調の即興性から、「Chicago Town」のウージーなスワガーとシャウト・アロング・コーラス、「City Sleeps」のダブ入りストンプからフューチャー・ピットスターター「Tunnel Vision」まで、これはアンビエンスが王となるジャンルレスな未来のための音楽だ。ソニック・ユースやJディラに影響を受けた『Evenfall』は、ロンドンのストリートでスケートをしながら育つ間に築かれた友情とコミュニティーの記録である。

近年、ロック、ジャズ、ダブ、レゲエからインスピレーションを得たEPやシングルを次々と発表し、高い評価を得ているアクプロは、ザ・ライン・オブ・ベスト・フィット、ザ・フェイダー、DIY、ザ・タイムズ、ソー・ヤング、NME、DMY、クラッシュ、ノーティオン、ワンダーランド、ザ・フェイスといったメディアから賞賛と支持を集めている。

一方、ラジオでは、BBC 6 Musicのメアリー・アン・ホッブスやBBC Radio 1のジャック・サンダースなど、UKの電波に乗る大物からサポートを受けている。ライブでは、アクプロと彼のバンドは、グリーン・マン、ピッチフォーク・パリ、アウトブレイク、レフト・オブ・ザ・ダイヤル、リーパーバーンなどのフェスティバルに出演し、親密でありながら煽情的なステージ・ショーで熱狂的な支持を集めている。

 

 

「Evenfall」

 

 

 

Sam Akpro 『Evenfall』

Label: Anti

Release:2025年3月２８日

Tracklist:

1. I Can’t See The Sun

2. Death By Entertainment

3. Chicago Town

4. Evenfall

5. Gone West

Side B

6. Tunnel Vision

7. Baka

8. City Sleeps

9. Cherry

10. Cornering Lights

Sam Akpro:

 

近年、ロック、ジャズ、ダブ、レゲエからインスピレーションを得たEPやシングルを次々と発表し、高い評価を得ているサム・アクプロは、ザ・ライン・オブ・ベスト・フィット、ザ・フェイダー、DIY、ザ・タイムズ、ソー・ヤング、NME、DMY、クラッシュ、ノーティオン、ワンダーランド、ザ・フェイスといったメディアから賞賛と支持を集めている。 

 

一方、ラジオでは、BBC 6 Musicのメアリー・アン・ホッブスやBBC Radio 1のジャック・サンダースなど、UKの電波に乗る大物たちからサポートを受けている。 ライブでは、アクプロと彼のバンドは、グリーン・マン、ピッチフォーク・パリ、アウトブレイク、レフト・オブ・ザ・ダイヤル、リーパーバーンなどのフェスティバルに出演し、親密でありながら煽情的なステージ・ショーで熱狂的な支持を集めている。

 

©︎Shervin Lainez

ルーシー・ダカス（Lucy Dacus）が次のアルバムのニュースを携えて戻ってきた。ソングライターは当初、ソロシンガーとして活動しており、2021年の『Home Video』のリリースで一躍有名になった。以降はボーイ・ジーニアスとして活動し、グラミー賞の主要部門を受賞している。

 

今回、ルーシー・ダカスは新たにゲフィンとの契約を発表し、新作アルバムのリリースを明らかにした。『Forever is a Feeling』は3月28日にリリースされる。この発表に伴い、

 

ミュージシャンは新曲「Limerence」と「Ankles」を公開した。また、ヴィジュアル・アーティストのウィル・セント・ジョンが手がけたアルバム・ジャケットとダカスの今後のツアー日程は下記より確認してほしい。

マタドールから最初の3枚のアルバムをリリースした後、フォーエヴァー・イズ・ア・フィーリングでメジャー・デビューを果たした。フィービー・ブリジャーズ、ジュリアン・ベイカー、ブレイク・ミルズ、バーティーズ・ストレンジ、マディソン・カニンガム、コリン・パストーレ、ジェイク・フィンチ、メリーナ・ドゥテルテらが参加している。

 

ダカスは2022年秋から2024年夏にかけてほとんどの曲を書いた。「私は感情で頭を蹴られた」と彼女は説明した。

 

「恋に落ち、恋に落ちる。そして、「何かを創造するためには、何かを破壊しなければならない。そして、私は本当に美しい人生を壊した」

 

 

「Ankles」

 

 

アルバムのタイトルについて、ダカスはこう語っている。「でも、私たちは一瞬に永遠を感じていると思う。永遠の中でどれだけの時間を過ごしたかはわからないけど、訪れたことはある」

フォーエヴァー・イズ・ア・フィーリング』を引っ提げたダカスのツアーは、4月16日にフィラデルフィアで幕を開け、5月14日のロサンゼルス公演で終了する。ミュージシャンはPLUS1と提携し、チケット1枚につき1ドルがロサンゼルスの山火事の被災者に寄付される。

「Limerence」

Lucy Dacus　『Forever is a Feeling』

Label: Geffen

Release: 2025年3月28日

 

Lucy Dacus 2025 Tour Dates:

Feb 18 – Brooklyn, NY – St. Ann & the Holy Trinity Church *

Feb 20 – Chicago, IL – The Murphy Auditorium at the Driehaus Museum *

Feb 22 – San Francisco, CA – Legion of Honor *

Feb 24 – Los Angeles, CA – Secret Location GBD *

Apr 16 – Philadelphia, PA – The Met #

Apr 18 – Washington, DC – The Anthem #

Apr 21 – Boston, MA – MGM Music Hall #

Apr 23 – New York, NY – Radio City Music Hall #

Apr 25 – Toronto, ON – Massey Hall #

Apr 29 – Nashville, TN – Ryman Auditorium #

May 01 – Chicago, IL – Chicago Theatre #

May 05 – St. Paul, MN – Palace Theatre #

May 07 – Kansas City, MI – Midland #

May 09 – Dallas, TX – Winspear Opera House #

May 10 – Austin, TX – Moody Amphitheatre #

May 12 – Denver, CO – Red Rocks Amphitheatre #

May 14 – Los Angeles, CA – The Greek Theatre #

* An Evening With Lucy Dacus

# with Katie Gavin and jasmine.4.t.

【Best New Tracks】   Kills Birds　「Madison」　~ロサンゼルスの新星によるメタリックなエモコアに注目~

 

 

本日、ロサンゼルスを拠点に活動するバンド、Kills Birds（キルズ・バーズ）がEP『Crave』を発表し、リードシングル 「Madison」をリリースした。(ストリーミングはこちら)チューブアンプのギターの轟音が炸裂するニュースクール寄りのエモコアの激烈なナンバー。バンドとしての一体感も本当に素晴らしい。

 

全5曲入りのEP『Crave』は4月11日にラッキーナンバーからリリースされる。(プリセーブはこちら)2024年のシングル 「Behind」も併録されている。

リードシングル「Madison」には、EPのカバーアーティスト、マイク・レイモンドによるシムズにインスパイアされたビジュアライザーが同時公開されている。

このニューシングル「Madison」について、バンドは次のように説明している。

 

『マディソン』のインスピレーションは、スレイ・ベルズとの北米ツアー中に生まれたんだ。サンフランシスコで演奏していた時、嵐で停電して地下の民宿に閉じ込められたんだ。雨が降りしきる中、メロディーとコードをスケッチし始めたんだ。陰鬱な天気と地下室は、ニーナとジェイコブの中西部で育った記憶を呼び起こし、深い郷愁を感じた。

そのノスタルジーがこの曲に吹き込まれた。リリックでは、大人になりかけの思春期というテーマを探求しており、ニーナの子供時代において、悲劇的な出来事が彼女の安全感と安らぎを破壊した重要な瞬間を浮き彫りにしている。バンドとしてアレンジを広げ、深めていくうちに、この曲が今度のEPの目玉のようなものになることは明らかだった。

アロン・コバヤシ・リッチ（Momma, Been Stellar）のプロデュースによる『Crave EP』は、2021年の2ndアルバム『Married』以来となるバンドの新曲で、ラッキー・ナンバーからのデビュー・リリースとなる。キルズ・バーズのラインナップは、ニーナ・ルジェティ（ヴォーカリスト）、ジェイコブ・ローブ（ギタリスト）、フィールダー・トーマス（ベーシスト）、そしてグリフ。

 

 

 「Madison」

Sharon Van Etten & The Attachment Theory（シャロン・ヴァン・エッテン＆ザ・アタッチメント・セオリー）は、セルフタイトルのデビューアルバムの最終プレビューとして「Trouble」をリリースしました。

 

今回、シャロン・ヴァン・エッテンはバンドセクションでのレコーディングに挑んだ。

 

「『Trouble』は、対立する意見を持つ愛する人たちと共存しなければならないという考えについて歌っています。あなたを愛している人が知り得ないあなたの大きな部分、それは彼らが聞きたくないこと、知りたくないこと、理解したくないことだから。痛みを伴う瞬間、関係を修復するために、自分のニーズよりも他人のニーズを愛し、尊重することを選択するとき.......」

 

Sharon Van Etten & The Attachment Theory(シャロン・ヴァン・エッテン＆ザ・アタッチメント・セオリー)によるセルフタイトルアルバムは、2025年2月7日にjagujaguwar(ジャグジャグワー)からリリースされます。

「Trouble」

 

◾️SHARON VAN ETTEN（シャロン・ヴァン・エッテン）　ニューアルバム『SHARON VAN ETTEN & THE ATTACHMENT THEORY』の制作を発表　JAGUJAGUWARから２月７日に発売

 

Perfume Genius（別名マイク・ハドレアス）は、3月28日にマタドール・レコードから7枚目のスタジオ・アルバム『Glory』をリリースすることを明らかにした。

 

プロデューサーのブレイク・ミルズと共作キーボーディストのアラン・ワイフェルスと再び仕事をした彼は、この最新作を「最も直接的な告白的作品」と表現し、このアルバムの中心的な葛藤を「内面と外面の往復」と位置づけている。

 

ギタリストのメグ・ダフィー（ハンド・ハビッツ）とグレッグ・ウルマン、ドラマーのティム・カーとジム・ケルトナー、ニュージーランドのシンガー・ソングライター、アルダス・ハーディング、ベーシストのパット・ケリーなど、バラエティに富んだミュージシャンと時間を共有している。

 

マイク・ハドレアスは、アルバムのリードシングルとして、私たちの期待を裏切らない一方で、アリゾナの夏の暑さで枯れてしまいそうな、息をのむほどウージーなポップ作品「It's A Mirror」を提供している。彼の歌声が数マイル上空に昇るのに十分なスペースがあり、音楽が小刻みに流れ落ちる。彼の曲の中でも最も親しみやすい曲のひとつであるが、感情的な弱さという生の核を保っている。 ハドレアスは、「何もないときでも、私は圧倒されて目覚めるんだ」と言う。

 

 

その日の残りの時間は、家で一人で考え事をしている方が好きなんだ。でもどうして？ほとんど悪いことばかりだ。それも何十年も変わっていない。このような孤立したループにはまり込んでいるときに書いたのが、『It's a Mirror』だった。ドアを閉めたままにしておく練習をもっとたくさんしたんだ。

 

 

彼はまた、「It's a Mirror」のビデオも公開している。ビデオは、Too Brightのハイライト曲 「Queen」のビデオでハドレアスと初めて仕事をしたコラボレーター、コディ・クリッチローが監督した。 

 

 「It's a Mirror」

 

 

 

Perfume Genius　『Glory』

 

Label: Matdor

Release: 2025年3月28日

 

Tracklist:

1.It's a Mirror
2.No Front Teeth
3.Clean Heart
4.Me & Angel
5.Left For Tomorrow
6.Full On
7.Capezio
8.Dion
9.In a Row
10.Hanging Out
11.Glory

 

 

My Morning Jacketの10枚目のアルバム『is』が3月28日にATOからリリースされる。 (このアルバムは珍しく、外部のプロデューサー、ブレンダン・オブライエンを迎えて制作された。 

 

これまでは、手放しで誰かに舵取りを任せることができなかった」フロントマンのジム・ジェームスは言う。 "僕らより遥かに実績があり、たくさんのレコードを作っている人に、一歩下がってコントロールを委ねるのは、ほとんど体外離脱のような経験だった。" 最終的には、そのプロセスを今まで以上に楽しむことができたんだ。

アルバムからのファースト・シングルは、ドリーミーでとてもかわいらしい "Time Waited"。 

 

ピアノのトロをループさせて、散歩しながら聴いていたら、メロディーが浮かんできたんだ。 長い間、歌詞がないが、カフェにいて曲が流れている夢を見たんだ。その曲の歌詞が "Time Waited "の歌詞になった。 歌詞は、時間というものがいかに柔軟であるか、いかに時間を曲げたり、ゆめがしたりすることができるかということを歌っている。

 

 

 

My Morning Jacket　『IS』

Label: ATO

Release: 2025年3月28日 

Tracklist:

Out In The Open

Half A Lifetime

Everyday Magic

I Can Hear Your Love

Time Waited

Beginning From The Ending

Lemme Know

Squid Ink

Die For It

River Road

Porridge Radio(ポリッジ・レディオ)は、ニューシングル「Don't Want To Dance」とともに、EP『The Machine Starts To Sing』を発表した。2月21日に本作は発売予定。これらはバンドの最後のリリースとなる。（EPのプリセーブはこちらより）

 

これはポリッジ・レディオの最後の新曲であり、バンドの終わりを告げるものだ。このEPに収録されている曲は、"Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me"の重要な一部であり、私たちにとってとても大切なものです。

 

このEPに収録されている曲は、Clouds In The Sky They Will Always Be There For Meの大切な一部であり、私たちにとってとても大切な曲です。このバンドは僕らの人生であり、もう家族だ。このツアーが最後になるだろう。聴いてくれて本当にありがとう。

この発表は、バンドが今後予定している北米とヨーロッパのツアー日程に先駆けて行われ、ツアーは続行されるという。

このEPは、バンドが最近リリースし、高い評価を得た4枚目のアルバム『Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me』の制作中にレコーディングされた曲を集めたものだ。

アルバム・セッション中にレコーディングされたとはいえ、『The Machine Starts To Sing』に収録されている曲は、端切れでもおまけでもない。このEPには、アルバムのテーマやサウンド・パレットとは異なる人生を歩んだ曲の、エモーショナルで際立った瞬間が詰まっている。

「Don't Want To Dance」

ジャズとコンテンポラリーなエレクトロニック・ミュージックを繊細に融合させる才能溢れるプロデューサーによる新たな出発点

©︎Saoirise Fitzpatrick

UKロンドンのピアニスト／作曲家／プロデューサーThe Vernon Spring（ザ・ヴァーノン・スプリング）待望のニューシングル「Norton」をリリースした。

Ólafur Arnaldsのレーベル"OPIA Community"（日本、アメリカ以外の全世界）、"RVNG Intl"（アメリカ）、そして"インパートメント"（日本）の3レーベルからの共同リリースが示すとおり、2025年のアンビエント・シーンで最注目の存在となるでしょう。

ザ・ヴァーノン・スプリングは、断片化されたヴォーカル・フック、フェルト・ピアノのループ、シンセサイザー・サウンドとアーカイブ録音のサンプルのレイヤーからなる多次元的な音世界を通して、家族、友人、コミュニティへの愛、畏敬、感謝を映し出し、時には文字通り、友人や家族と共有した思い出の音を奏でる。

 

謎に包まれたプロデューサー”Iko Niche”によるプロデュースとなるこの曲は、ほとんど抽象的ともいえる壊れたヴォーカルがアヴァンギャルドでヒップホップの影響を受けたプロダクションによって、包み込むような暖かさを醸し出しています。

 

2021年のデビュー・アルバム『A Plane Over Woods』からの想像力豊かな進化を遂げた「Norton」は、このプロジェクトから何が生まれるかを示唆しています。

アートワークはBon Iverの『22, A Million』『i,i』を手がけるヴィジュアル・アーティストEric Timothy Carlsonが担当。ヴィジュアライザーは同じくBon Iverの『i,i』をCarlsonとともに手がけたヴィジュアル・アーティスト、Aaron Anderson（アーロン・アンダーソン）とEric Timothy Carlson（エリック・ティモシー・カールソン）によるもの。

 

 「Norton」

 

 

 

Vernon Spring 　「Norton」-   New Single

ストリーミングリンク:  https://pdis.lnk.to/DDIP-3102

＜プロフィール＞

 

UKロンドンのオルタナ・ソウル・トリオHejira（ヘジラ）のメンバーとしても活動するロンドン生まれブライトン在住のピアニスト／作曲家／プロデューサー、サム・ベステによるソロ・プロジェクト。エイミー・ワインハウス、ハーバート、カインドネスなどの作品にも参加する経験豊富なマルチ・インストゥルメンタリストでもある。弱冠17歳でエイミー・ワインハウスのワールド・ツアーにピアニストとして参加。

2021年にリリースしたソロ・デビュー・アルバム『A Plane Over Woods』がロングセラー。同年、発売から50周年を迎えたマーヴィン・ゲイの代表作『What’s Going On』に対するレスポンスとなる作品『What’s Going On』をリリース。同アルバム収録の名曲群を独自の解釈でカヴァーしたこの作品は各所で大絶賛された。

 

ワシントン D.C.のソングライター、Bartees Strange(バーティーズ・ストレンジ）が2月14日に4ADからニューアルバム『Horror』をリリースする。その4枚目のシングル 「Wants Needs」を公開した。

 

彼のトレードマークであるギター、ソウルフルで渋さのあるボーカルが特徴だ。キャッチーでスタンダードなロックソングでありながら、変則的な構成を交えて、聴き応えのあるナンバーに仕上げている。マスタリングでは、アントノフ・サウンドとも言える硬質な音質がキラリと光る。ということで、全体的には中毒性のあるトラックとなっている。以下よりお聴き下さい。

この曲について、ストレンジはプレスリリースで次のように語っている。

 

 音楽が本当に長期的にうまくいくのであれば、より多くのファンが欲しい／必要だと数年前に気づいた。もちろん、それはタイミングと数のゲームだが、人種も強力な要素だ。インディーズの世界では、私のようにレコードで長期的に生計を立てている人はあまり見かけません。私は、私が自分たちのような外見や声ではないので、人々が私とつながるのが難しいのではないかと心配している。応援するのは楽しいけど、実際には支持されない。この曲は、私がどれだけそのことを心配しているかを歌っている。

ストレンジは、最初にイヴ・ロスマンとローレンス・ロスマンと『Horror』の制作に取り組み、その後、アントノフのバンド、ブリーチャーズとの仕事を経て、ジャック・アントノフと完成させた。

プレスリリースによれば、このアルバムは 「恐怖に直面し、恐怖になる 」ことをテーマにしている。

プレスリリースはこう付け加えている。

 

 ストレンジは恐怖の中で育ったんだ。彼の家族は人生の教訓を教えるために怖い話をし、幼い頃から強くなる練習をするために怖い映画を見始めた。世界は恐ろしい場所であり、アメリカの田舎に住む、若く、クィアで、黒人の人間にとって、その恐怖は直感的なものなんだ。『ホラー』は、そうした恐怖に立ち向かい、恐れられる存在に成長するためのアルバムなんだ。

ストレンジはさらに詳しく語る。

 

ある意味、このアルバムは、人生において恐れを感じている人たちに手を差し伸べるために作ったんだと思う。 私の場合、それは愛であり、場所であり、宇宙的な不運であり、あるいは物心ついたときから苦しんできた破滅の予感である。 周りのみんなが同じように感じていることに気づけば、人生の恐怖や奇妙さを乗り越えるのは簡単だと思う。 このアルバムは、私がつながろうとしているだけなんだ。 世界の大きさを縮めようとしているんだ。 身近に感じようとしているんだ。

 

「Wants Needs」

 

■Bartees Strange、ニューアルバム『Horror』を発表　来年2月14日にリリース

 東京・原宿を拠点とするオークションハウス NEW AUCTIONは、2025年2月1日(土)に第8回目となる公開型オークション「NEW 008」を開催いたします。

 

この度は、マリリン・ミンターの「Up Close」と題された写真シリーズや、ヨハネス・イッテンのコラージュ、ルース・ルートのアルミニウムの上に重ねられた大胆な色彩の作品など形と色の関係に特徴のある作家、もの派の菅 木志雄や小清水 漸 、高松 次郎 のシャドーシリーズなど時代や表現方法を超えた様々な作品が取り揃いました。

 

今回ご紹介できる作品は、すでに作者の手を離れたものなので、それぞれの作品にどのような意図がありどのような想いで制作されたのか全てをお伝えする事ができませんができる限り作品の魅力が伝わるようにラインナップを組みました。静かに作品の声に耳を傾けながら、想像を膨らませていくことは何ものにも変えられない喜びです。是非この機会にご鑑賞いただけましたら幸いです。

 

渋谷MIYASHITA PARKにある「SAI」にて開催されるオークションプレビューでは、全ての出品作品を実際にご鑑賞いただけます。 また、今回のオークションは、プレビューと同じく「SAI」にて開催いたします。皆様のご来場、ご参加を心よりお待ち申し上げております。

 

 

 ●主な出品作品

 
Joseph Beuys（ヨーゼフ・ボイス）/ Mike Kelley（マイク・ケリー）/ Marilyn Minter（マリリン・ミンター）/ Johannes Itten（ヨハネス・イッテン）/ Edward Ruscha（エド・ルシェ）/ Ellsworth KELLY（エルズワース・ケリー）/ Robert Mapplethorpe（ロバート・メイプルソープ）/ Austin Lee（オースティン・リー）/ 高松 次郎/ 井上 有一/ 奈良 美智 / 宮島 達男 / 土屋 仁応  / 岡崎 和郎 / 今井 麗 /友沢 こたお / 上田 義彦 / 小清水 漸 etc...

 

 

 ●オークション情報

 
「NEW 008」
プレビュー
会期：2025年1月25日（土） - 1月31日（金）
時間：11:00 - 20:00
（最終日のみ17:00まで）
会場：SAI
住所：〒150-0001 東京都渋谷区神宮前 6-20-10RAYARD MIYASHITA PARK South 3F
 
オークション
会期：2025年2月1日（土）
時間：START 13:00 -（OPEN 12:30-）
会場：SAI
住所：〒150-0001 東京都渋谷区神宮前 6-20-10RAYARD MIYASHITA PARK South 3F

 

 

 

TAKAMATSU Jiro, ブラシの影 No.182, 1967, oil on wood, wall hook

 1960年代に「山手線事件」（1962年）や「首都圏清掃整理促進運動」（1964年）など、芸術を通して社会に対する「直接行動」を体現した前衛芸術集団ハイレッドセンターのメンバーの一人として広く知られる高松 次郎（1936-1998）。

 

個人名義で制作活動をしてきた高松は、絵画や立体作品、版画や写真など多岐にわたる媒体で作品を発表してきた。その作風には、存在といった全体像を捉えることが難しい〈空虚を充満した事物〉に対して徹底的な問いかけを行ってきた主知性のある姿勢が一貫して強く見受けられる。
 
高松は、1964年より「不在／存在」をテーマに〈影〉シリーズを作り始める。本作品《ブラシの影 No.182》は1967年に制作された絵画である。表面に取り付けられた実物のフックから伸びるようにブラシの影のみが描写されている。

 

2つの光源により壁に映し出された画面上には存在しないブラシの影をキャンヴァスへと描写することで、実在そのものを見なくとも2次元の影からその姿を想起させる。「見ることの曖昧さ」を逆手にとることで、実在に対する不信感を問いかけるのである。

KOSHIMIZU Susumu, レリーフ ‘91-17, 1991, pigment on　carved wood panel

戦後華々しい高度経済成長を遂げた日本産業であったが、その一方で、1960 年代には大気汚染や水質汚染といった公害が影を落としていた。

 

〈モノ派〉は、そんな西洋主義的成長へと傾倒していく時流に対し疑問を呈するかのように、未加工の物質や物体を主役として作中に登場させることで、モノを越えたところに潜む存在の開示を追求した芸術傾向である。関根 伸夫の《位相 - 大地》（1968 年）を契機に、当時の多摩美術大学の学生数名と李禹煥らを巻き込みながら、各々の芸術実践を通して展開されていった。

 
当時、多摩美術大学彫刻科の学生であり、同現象を起こした主要メンバーの一人であった小清水 漸（1944-）も、関根の《位相 - 大地》に触発されるかのように、日本文化固有の自然観を根底に、木や石、紙、土、鉄といった素材との協働関係を通して、創作行為を行なっていく。

 

また、人間の自然的性質（素材との関わり方）へと着目し、鉄であれば磨く、木であれば削るといった加工方法を通してその関係性を露出させる。しかし、その加工前と後を経ても、素材であるモノの本質はなんら変わりはないのである。その代表的な作品には、《垂線》（1969 年）、《かみ》(1969 年)、《鉄 I》（1970 年）、〈表面から表面へ〉シリーズなどがある。
 
 

本作品《レリーフ ʻ91-17》は、小清水が 70 年代後期より取り組み始めた木彫レリーフシリーズの一環で、1991 年に制作された。木の表面に広がる筆の点をイメージさせる彫りと鮮やかな緑青の視覚的な盛り上がりを表現した塗りが施されている。

 

絵画にも彫刻にも定義されないミディアム上に、双方の加工方法を用いることで、視覚的遊びが取り入れられている。小清水は、素材の保持する不変的本質を明らかにすることで、自身が 70 年代より探究し続ける揺るぎない実践を顕現するのである。

 

TSUCHIYA Yoshimasa, 鵺, 2021, painted camphor wood, labradorite, with original box

神奈川県に生まれた土屋仁応（1977-）は、東京藝術大学彫刻科を卒業後、同大学院で保存修復彫刻を学んだ。学生時代に拝んだ滋賀県渡岸寺の十一面観音に感銘を受け、仏像制作で目にあたる部分に水晶やガラスを嵌め込む〈玉眼〉の技法を用いて独自の木彫を展開していく。元来、玉眼に用いられる水晶は別の工人によって作られてきた。

 

土屋の木彫でも、目にあたる素材の制作は、ガラス作家の田中福男氏が担当する。伝統的な仏像とは対照的に、土屋の木彫は、形の持たない感情や想念といった存在を動物や幻獣といったシンボル的モチーフへと投影するかのように具現している。

 
本作品のモチーフである《鵺》は、日本に伝わる伝説上の妖怪を指す。『平家物語』にも登場し、仁平時代、天皇が不吉な黒い雲に怯えることから、源頼政に黒雲退治を命じたところ、中に怪しい姿を見つけ矢を放つと、猿の頭、狸の胴体、蛇の尾、虎の手足をした化け物が落ちてきた、という伝えが記録されている。

 

得体の知れない存在は、不吉や不安の象徴であった。本作は、2021 年に高島屋で開催された作家の個展「鵺ー土屋仁応展」の表題になった作品である。コロナ渦中に開催された同展は、未曾有の状況下で、目に見えない不安が姿形を宿したかのように時代を象徴している。

鵺のその静謐とした佇まいは、不安に怯える我々と対比するかのようであり、人智を超えた状況の中で、超自然的な〈カミ〉的存在を想定する人間的本質を示唆するのである。

 

Marilyn MINTER, Bad Habit, 2017, dye sublimation print

 

ニューヨークを拠点とするアメリカのビジュアル・アーティスト、マリリン・ミンター（1948-）は、セクシュアリティとエロティシズムに焦点を当てた写真作品で広く知られている。ミンターは、セクシュアリティを取り入れた作品で当初から物議を醸しており、女性のセクシュアリティから目を背け避けるのではなく、むしろ擁護する姿勢を示してきた。彼女にとって、女性の快楽や欲望を探求することは、女性アーティストが求められるとされる芸術作品の枠組みに対する反抗だった。

 

2000年代には、ミンターの作品にグラマー要素が加わり、官能性がさらに顕著に表現されるようになる。作家は撮影後にデジタル加工を一切行わず、フィルムで撮影することでイメージの「生の部分」を残している。また、撮影後に写真をトリミングすることなく、綿密なイメージ構成を体現している。このように、細部に至るまで驚くほど注意を払うことで、人目を引く作品を創り出す。

 
本作品は、絵画シリーズと並行して制作されている写真シリーズ「Up Close」の一作である。本シリーズは2000年から始まり、ペディキュアで塗られた足先、布からはみ出した乳首、華やかに彩られたまぶたや唇など、性的魅力の細部を探求している。ミンターは、社会における男女間のセクシュアリティに対するダブルスタンダードを声高に批判しており、本作品のタイトル《Bad Habit》も、女性のセクシュアリティが男性のそれよりも二次的と見なされる問題を皮肉ったものだと考えられる。快楽は反抗の行為であり、こうした個人的な性的充足の瞬間こそ、女性が家父長制的な権威を覆す手段となり得るかもしれない。

 

 

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2021年6月、東京の文化発信地である原宿を拠点に新たなアートオークションハウス「NEW AUCTION」がスタートしました。私たちは従来のアートオークションという枠組みに縛られることなく、新しい体験、新しい価値観を提供することを目的とし、オークションの可能性を、原宿から世界に向けて拡張していきます。

/APPROACH

 

NEW AUCTIONでは、またアートマーケットの持続的な循環を促すための「アーティスト還元金」 の仕組みを導入している日本唯一のオークションハウスになります。 ご落札された作品の著作権者に対してアーティスト還元金を独自にお支払いすることで、 NEW AUCTIONを通じた取引が少しでもアーティストの支援に繋がることを目指します。NEW AUCTIONでは、国内外の様々なコレクターやギャラリー、ディーラーと独自のネットワークを構築すると同時に ファッション、カルチャー、建築、食、インフルエンサーなど業界を超えたチームとの連携を積極的に取り入れ、作品を最大限にプロモーションいたします。